Squaremusic

Lancement de Musica Ludi

2011-09-07T11:25:00.005+02:00

Je reconnais que je ne l'avais pas dit clairement ici, mais cela fait quelques mois que j'ai abandonné toute idée de poursuivre le blog Squaremusic. Je me rends compte aujourd'hui que je n'y avais pas cru depuis le départ. C'est triste, mais c'est la vérité : je n'étais plus motivé. Mais alors que je pensais totalement abandonner l'idée de faire un site sur ma passion, une poignée de zigotos m'a fait comprendre qu'ils voulaient, eux, se lancer corps et âme dans l'aventure. C'est donc avec un immense plaisir que vous présente le successeur de tout Squaremusic, Musica Ludi.C'est désormais sur lui qu'il faudra compter pour vous tenir informé de l'actualité de la musique de jeu vidéo. Merci à tous ceux qui prenaient encore le temps de lire Squaremusic malgré l'absence de mises à jour, je vous invite maintenant à le remplacer par Musica Ludi dans vos favoris !

Interview : Michiru Yamane (Castlevania)

2010-06-12T22:36:00.002+02:00

Nerveuse et pourtant si délicate, la bande originale de Castlevania: Symphony of the Night a captivé de nombreux joueurs tout autant que sa direction artistique raffinée. On eut dit que l'illustratrice Ayami Kojima et la musicienne Michiru Yamane avaient pris possession de l'imaginaire de Castlevania pour y insuffler une vie nouvelle. Passant volontiers de morceaux classiques à des thèmes empreints de metal, l'accompagnement de Yamane était si délicieusement hérétique qu'il allait s'imposer comme une œuvre pionnière dans le monde de la musique de jeu vidéo.

Michiru Yamane au Café Pause

Michiru Yamane est une femme enthousiaste, dévouée à sa musique. Son influence insoupçonnée a touché de nombreux mélomanes à travers le monde. A quelques mois à peine d'intervalle, elle est apparue sur scène en kimono lors du Video Games Live, puis s'est envolée pour la Suède afin de participer à un concert entièrement dédié à Castlevania. A chaque fois, elle était acclamée. Elle a également arrangé certaines de ses propres compositions pour un gigantesque coffret des musiques de la série. Dans cette interview, Yamane aborde tous ces sujets, en plus de son récent départ de Konami pour travailler à son propre compte.

Interview réalisée par Jeriaska, traduite de l'anglais par Jérémie Kermarrec. Le texte est disponible en anglais sur 1UP et en japonais sur Game Design Current.

1UP : Sur votre site officiel, on peut voir une peinture inédite d'Ayami Kojima, dont les tableaux ont illustré la série Castlevania. Elle était déjà présente sur votre blog avant cela. Comment cela se fait-il que vous l'utilisiez sur le site de votre société ?

Michiru Yamane : Le portrait original avait été envoyé dans mon bureau, à Konami. Je savais qu'il existait, mais j'étais très surprise quand je l'ai reçu. On m'a autorisé à le ramener chez moi, où je l'ai accroché sur un mur pour que tout le monde puisse l'admirer. Mme Kojima m'ayant donné sa permission, j'ai pu utiliser cette image pour ma carte de visite.

Peut-on dire que vous et Mme Kojima êtes amies ?

Oui, autant au niveau personnel que professionnel. Nous sommes même déjà parties en vacances ensemble.

Lorsque vous travaillez ensemble sur des projets, est-ce que votre musique est influencée par ses tableaux ?

Absolument. D'abord, je prends le temps de regarder les peintures de Mme Kojima et, ensuite, je me lance dans la composition. Elle m'inspire beaucoup.

Quand vous commencez à composer, est-ce que vous vous intéressez aux détails d'un morceau, ou est-ce que vous préférez commencer par établir une impression plus générale ?

Au tout début, je préfère déterminer l'impression générale. Je me demande si ce sera un morceau classique, ou bien du heavy metal, ou alors quelque chose de plus ethnique. Une fois que j'ai posé les bases, je m'assois à mon piano et je commence à faire des ébauches. Je développe peu à peu ces ébauches pour creuser l'environnement sonore, une étape qui se déroule elle sur ordinateur. De nos jours, on peut faire des essais avec les instruments virtuels de son choix sur son ordinateur personnel, et cela m'inspire parfois des mélodies auxquelles je n'aurais pas pensé sinon.

Comment était-ce de travailler avec votre sœur Kahori ?

Je vois que vous êtes bien renseigné. (rires) Elle a chanté les pistes "Prayer" et "Enchanted Banquet" dans Castlevania: Symphony of the Night. Elle étudiait encore à l'université à cette époque. Nous les avons enregistrées dans un petit studio improvisé au bureau. Bien sûr, à ce moment-là, ni elle ni moi ne pensions que ces enregistrements plus que modestes seraient encore écoutés à travers le monde si longtemps après. C'était au tout début de mon travail sur la série Castlevania.

Quelle est votre approche lorsque vous arrangez des musiques que vous avez composé il y a un certain temps, comme c'était le cas sur le coffret musical de Castlevania récemment sorti ?

Quand je cherche à réinventer ces pistes, je retrouve les émotions de l'époque où je les ai écrites à l'origine. Des fois, je me demande même comment j'ai réussi à écrire de telles compositions. C'est sans doute une résurgence des sensations que j'éprouvais à ce moment-là.

Avant Symphony of the Night, vous aviez écrit les musiques de Castlevania: Bloodlines sur la Genesis de Sega. Selon vous, quelles sont les différences de style entre ces deux bandes originales ?

Castlevania: Bloodlines avait un style plus masculin, macho même, mais je n'ai pas changé mon approche pour autant. La grande différence qu'il y a entre les deux jeux vient de la présence de Mme Kojima dans Symphony of the Night. Cela m'a encouragé à écrire des thèmes plus expressifs afin de me mettre au même niveau de qualité artistique.

Alors que j'étais chez Konami depuis près de dix ans, la société a choisi de passer de la Genesis de Sega à la PlayStation de Sony. En termes de capacités techniques, cela constituait un changement considérable. Tout le monde a un peu perdu ses repères. Au milieu de cette confusion, on m'a proposé de travailler sur Bloodlines. Comme cela m'intéressait en tant que musicienne, j'ai accepté avec plaisir.

Vous avez apporté certaines formes de musique classique dans la série Castlevania, où l'on trouvait jusque là surtout du rock progressif. Au tout départ, comment vous êtes-vous préparée à participer à la série ?

Quand j'ai composé Bloodlines, je connaissais déjà bien les jeux Castlevania, et je me suis rendue compte que je me devais d'écouter beaucoup plus de musique rock. J'avais bien des groupes préférés quand j'étais adolescente, mais je n'aurais jamais pensé qu'un jour, on me demanderait d'écrire dans un style similaire. J'ai donc commencé par écouter de nombreux artistes afin d'analyser leur structure rythmique et les passages à la guitare. J'aime bien notamment le groupe de metal progressif américain Dream Theater. Pour les thèmes de boss, je pense qu'il est difficile de trouver plus efficace que le rock progressif.

De nombreux joueurs ont été sensibles à la variété de tempos dans Symphony of the Night. Il y avait des passages calmes et mystérieux qui étaient peu courants dans les jeux d'action de l'époque. Certains éléments du système de jeu ont-ils encouragé ces changements dans le rythme général ?

S'il ne fait aucun doute que Symphony of the Night est un jeu d'action, le style visuel que Mme Kojima a en partie déterminé semblait suggérer un tempo plus lent, plus déterminé. Cette idée était en rupture avec la formule traditionnelle, alors j'en ai discuté avec M. Igarashi, et il se trouve qu'il y était très favorable. C'est grâce à son envie de porter la série sur un terrain nouveau qu'elle a connu un tel succès, à mon avis.

Ces décisions nouvelles dans la création du jeu reflétaient-elles un changement dans la politique de la société à l'époque ?

La bulle économique dans laquelle nous étions était sur le point d'éclater. A cette époque, il était difficile de nous tenir aux délais car tout le monde voulait remplir les jeux à craquer. Cela débouchait sur des grandes réunions au cours desquelles les développeurs demandaient plus de temps avant la date limite et un budget plus élevé. Quand j'y repense, je me dis que c'était une sage décision, car s'ils n'avaient pas négocié ces ressources supplémentaires, les résultats auraient été bien différents.

Selon vous, pourquoi le succès de la série Castlevania ne se dément pas ?

Je pense que c'est parce que le mythe de Dracula est populaire partout dans le monde. Cette histoire a inspiré de nombreux films, et elle a séduit tout un tas de personnes, moi y compris.

On peut dire que vous êtes une fan, donc.

Oui, on peut. (rires)

Quelles sont vos techniques pour rester dans le ton d'un jeu d'action ?

Des fois, je change le tempo d'un morceau après avoir testé le jeu afin de mieux coller à ce qu'il se passe à l'écran. J'essaie donc toujours de rester flexible, de faire en sorte que je puisse changer le tempo quand je compose.

Quelle est votre état d'esprit, maintenant que vous avez quitté Konami et que vous travaillez à votre propre compte ?

C'est comme si on avait retiré un poids de mes épaules. Avant, je travaillais de 9 heures à 17 heures, et uniquement sur des jeux Konami. J'ai toujours eu envie d'essayer d'autre chose. Bien sûr, cela ne veut pas dire que la série Castlevania n'a plus de place dans mon cœur, bien au contraire. Je suis confiante car M. Igarashi m'a assuré que, même si je quittais Konami, je pourrais toujours travailler sur la série en tant qu'indépendante. En fait, j'ai déjà hâte que cela arrive.

Racontez-nous comment vous avez été invitée au concert de Video Games Live à Tokyo.

J'ai eu l'occasion de rencontrer Tommy Tallarico à l'E3 quand je participais à la promotion de Castlevania: Curse of Darkness. Il m'a recontacté pour m'inviter à son grand concert qui devait se dérouler à Los Angeles. Hideo Kojima a pu s'y rendre, mais pas moi, car j'avais trop de travail. J'étais très déçue d'avoir raté l'occasion d'entendre ma musique jouée en concert au Hollywood Bowl, mais nous nous sommes rencontrés une nouvelle fois l'année suivante. C'est là qu'il m'a invité à participer au concert de Tokyo. Quand j'ai quitté Konami, je me suis rendue compte que j'avais bien plus de temps libre, alors j'ai commencé à m'intéresser aux costumes traditionnels. Plus grand monde ne s'habille en kimono de nos jours, alors j'ai décidé d'en porter un.

Vous y avez pensé aussi pour le concert Castlevania ?

En fait, comme je devais aussi jouer sur scène, je n'aurais pas été très à l'aise en kimono. (rires) Je ne suis pas une pianiste professionnelle. Les gens dans le public étaient surtout là pour voir la compositrice interpréter ses propres morceaux, alors je ne voulais pas me faire trop remarquer.

Lors de ce concert, vous avez joué au piano dans un style classique. Seriez-vous aussi intéressée de jouer dans le style rock progressif ?

Si je devais faire ça en concert, je ferais appel à un groupe spécialisé dans ce style de musique. Je resterais à l'arrière, au synthétiseur.

Qui sont les compositeurs classiques dont vous aimez le plus la musique ?

Bien sûr, il y a Bach et Mozart. Tous les compositeurs qui ont laissé leur nom à la postérité sont de grands artistes, et leur musique m'a profondément influencée. Il y a aussi la musique romantique de Schumann et Rachmaninov, et les avancées modernistes de Ravel et Debussy. Stravinski m'a également inspiré, tout autant qu'il a influencé la musique de film. Je me suis aussi intéressée à l'influence de l'avant-garde sur les films et les jeux d'horreur.

Il y a un vrai sens du rythme dans la plupart de vos compositions, et il complète très bien l'action à l'écran. Avez-vous retrouvé un même sens du rythme dans les œuvres d'autres musiciens pour des formes d'art plus traditionnelles ?

L'orchestration de "Petrouchka" de Stravinski est tout à fait comparable. Toute la force du "Sacre du printemps" réside dans ses changements de rythme. L'utilisation variée de tous les instruments est magistrale. Je me suis rendue compte que j'y revenais très souvent.

Avez-vous un message pour les lecteurs qui apprécient votre musique depuis toutes ces années ?

Quand j'ai quitté Konami après vingt années de service, j'ai découvert que la musique de Castlevania était très largement appréciée à travers le monde. Je n'ai pas le temps de répondre à tous les courriers des fans, mais je les lis tous. Je parcoure tant bien que mal ceux en anglais, le dictionnaire à la main. Certains peuvent se demander ce qu'est devenue Michiru Yamane, mais je tiens à les rassurer. Je suis toujours associée à Castlevania. Créer un jeu vidéo que tant de monde apprécie n'est pas chose facile, et nul ne peut prédire l'avenir. Cela dit, j'ai tout à fait l'intention de continuer à me consacrer à la composition pour le plaisir des autres.

[Pour écouter des extraits du coffret Castlevania Best Music Collections BOX, visitez le site officiel.]

Interview : Masato Kouda (Monster Hunter)

2010-04-03T15:40:00.012+02:00

Si la série Monster Hunter a rencontré un tel succès au Japon, c'est grâce à son univers de fantasy peuplé de nombreuses créatures. Cependant, sa bande originale a aussi rencontré un franc succès, au point d'être arrangée plusieurs fois pour des concerts de jeu vidéo, notamment lors de l'événement célébrant les cinq ans de la série. Une grande partie des musiques de la série a été écrite par le compositeur Masato Kouda, autrement connu pour sa collaboration à Devil May Cry et aux derniers épisodes de la série Wild Arms. Kouda a également participé à la création du deuxième album des Star Onions, Sanctuary, qui propose des reprises acoustiques de Final Fantasy XI.

Masato Kouda est désormais membre d'un nouveau studio de création sonore installé à Tokyo, Design Wave. Dans cette interview, le musicien revient notamment sur sa place au sujet de cette société, ainsi que sur son travail sur Monster Hunter et sur sa collaboration aux Star Onions avec son ami Naoshi Mizuta.

Interview réalisée par Jeriaska, traduite du japonais par Takahiro Yamamoto et de l'anglais par Jérémie Kermarrec. Le texte en anglais est disponible sur GameSetWatch et en japonais sur Game Design Current.

M. Kouda, merci de prendre le temps de parler avec nous de votre nouveau studio. Les joueurs occidentaux ignorent souvent que la série Monster Hunter rencontre un tel succès au Japon qu'elle fait l'objet de concerts symphoniques. Quelle a été votre impression quand vous avez entendu la musique du jeu en concert ?

Depuis que j'ai commencé à composer, mon plus grand rêve était d'entendre ma musique interprétée par un orchestre. C'était très émouvant pour moi d'assister aux enregistrements du premier Monster Hunter au Victor Studio. Plus tard, mon rêve s'est concrétisé lors du concert Press Start: Symphonic of Games en 2006. C'était un tel honneur pour moi, mais comme je devais aussi jouer sur scène, il fallait que je reste en coulisses la plupart du temps. Au concert Press Start de 2008, c'était la première fois que j'écoutais ma musique en tant que membre du public. J'avais du mal à croire que c'était moi que j'entendais.

Qui a réalisé l'orchestration des musiques de la série ?

C'est Shirô Hamaguchi qui a adapté les thèmes de Monster Hunter pour orchestre. J'adore ses orchestrations pour Final Fantasy et Sakura Wars. Il reprend toujours les compositions de base avec énormément de soin. En plus, il invente des procédés auxquels je n'aurais jamais pensé moi-même, mais qui renforcent les détails du morceau. C'était surtout le cas avec Monster Hunter, pour lequel il a choisi de conserver mon emploi des accords.

Les musiciens ont beaucoup de mal à jouer les thèmes de Monster Hunter en mi bémol. Si vous baissez la note, cela devient bien plus facile à jouer. Cependant, il y a une grande différence de personnalité entre un ré et un mi bémol. Si je devais essayer de les décrire, je dirais que ré est comme une couleur primaire, alors que mi bémol serait plutôt vert foncé. M. Hamaguchi a respecté cette subtilité, c'est pour cela qu'il a gardé les arrangements en mi bémol.

C'est une observation intéressante. Vous faites toujours ce type d'association quand vous écrivez de la musique ?

Certainement. Je ne sais pas depuis quand je le fais, mais ce type d'impression me permet de mieux différencier les dièses et les bémols.

Quel rôle comptez-vous jouer au sein de votre société de design sonore, Design Wave ?

En ce qui concerne ma propre position dans la société, cela peut changer selon la situation. Cela dit, j'aimerais beaucoup jouer en concert plus souvent.

Y a-t-il d'un concert de jeu vidéo en particulier qui vous a laissé un grand souvenir ?

Quand j'ai joué sur scène au Fan Festival de Final Fantasy XI de 2008 à Santa Monica, la réaction du public était extraordinaire. C'était très différent du Japon, où le public écoute généralement la musique en silence. A Los Angeles, c'était incroyable car le public était très énergique, il nous encourageait en permanence. Même quand la musique était plus sombre, ou que c'était un morceau de fusion jazz-rock complètement à l'opposée des Black Mages par exemple, les gens réagissaient avec énormément d'enthousiasme. C'est ce type d'énergie qui me motive à jouer en public.

Vous aimeriez encore jouer à l'étranger ?

J'aimerais faire une tournée à plusieurs endroits. Ce serait vraiment amusant.

Est-ce que Design Wave va se concentrer uniquement sur la musique de jeu vidéo ?

La société ne se limite pas seulement aux jeux, mais cela reste notre priorité pour le moment. J'ai été rejoint par Masakazu Sugimori, qui était entré chez Capcom un peu après moi et qui a travaillé sur les musiques de la série Phoenix Wright.

Est-ce que vous rencontrez des difficultés quand vous composez ?

Ça peut arriver. C'est parfois un défi de travailler sur des suites, mais je trouve cela beaucoup plus difficile de se lancer dans un projet totalement nouveau. Je commence par réfléchir au type de style qui conviendrait le mieux, par exemple de la musique d'une certaine région du monde, ou bien de la musique orchestrale. En cours de route, je découvre le jeu plus en détails, et le plus souvent c'est différent de ce que j'avais imaginé. Dans le cas de Monster Hunter, par exemple, j'avais sous-estimé l'impact que le jeu aurait sur les joueurs. Pour moi, le concept était tout ce qu'il y a de plus modeste. Mais quand je l'ai vu tourner, j'ai été très impressionné. A ce moment-là, j'ai compris que la bande originale devait ressembler davantage à celle d'un film.

Qui sont les compositeurs de film que vous admirez ?

John Williams, sans hésitation. J'ai beaucoup appris sur la composition et l'arrangement grâce à lui. Quand j'ai entendu la musique des Dents de la mer et de la Guerre des étoiles pour la première fois, j'ai été soufflé. A chaque fois qu'il sortait un film pour lequel il avait composé, j'étais très impatient.

La première fois que j'ai vu un film d'Hollywood au cinéma, c'était Rencontres du troisième type. Dans ce film, il y a un OVNI qui communique avec les gens par la télépathie. Vous vous souvenir de la manière dont il se termine ? D'abord, la soucoupe volante émet une mélodie très simple, plus elle devient de plus en plus élaborée jusqu'à ce qu'elle s'en aille finalement. C'était parfait, tout simplement.

Comment se fait-il que vous, ancien employé de Capcom, ayez rejoint les Star Onions, un groupe de compositeurs de Square Enix ?

Naoshi Mizuta et moi sommes amis depuis qu'il est arrivé chez Capcom en 1994, la même année que moi. Nous sommes restés en contact, même après son départ pour devenir compositeur chez Square. Nous avons les mêmes goûts musicaux, et c'est sûrement pour cela qu'il pensait que je ferais un bon membre des Star Onions. Sur l'album Sanctuary, M. Mizuta a arrangé "Griffons Never Die" et "Wings of the Goddess", et j'ai ajouté quelques arrangements en plus. Ces pistes lui sont vraiment propres. D'ailleurs, c'est lui qui joue de la basse électrique.

Que pensez-vous des influences ethniques qu'a apporté Kumi Tanioka à ses bandes originales ?

Elle a vraiment trouvé un moyen différent de s'exprimer. Par exemple, dans Final Fantasy XI, son thème de Gustaberg est plein d'idées auxquelles je n'aurais jamais pensé. Sur le précédent album des Star Onions, j'ai arrangé la piste "Awakening", et j'étais fasciné par la structure de la musique. Elle sait vraiment comment apporter de la diversité dans la composition, et comment y intégrer des instruments ethniques.

Mme Tanioka a été très inspirée par son travail avec Roba House sur Final Fantasy Crystal Chronicles. Ce groupe de musicien est spécialisé dans les instruments de l'époque médiévale et de la Renaissance. Est-ce que vous les connaissez ?

Je n'ai jamais collaboré professionnellement avec Roba House, mais j'ai fait mes études à l'université de musique de Kunitachi, qui se trouve à Tachikawa. Comme les locaux de Roba House sont à côté de la station Tamagawa-Jousui, j'allais assister à leurs concerts.

Quelles ont été vos impressions quand vous avez travaillé sur l'arrangement de la chanson "Distant Worlds" ?

Cette chanson a été composée par M. Uematsu, l'homme qui a sans doute eu le plus d'influence sur moi quand j'ai décidé de me consacrer à la musique de jeu vidéo. Quand Final Fantasy IV est sorti, je me suis rendu compte que c'était un domaine vraiment unique, même si je n'avais jamais pensé que je pourrais en faire partie.

C'est la Super Nintendo qui a complètement changé ma vision du jeu vidéo, car elle permettait d'obtenir une musique de style orchestral. A cette époque, je jouais du clavier dans un groupe, alors je découvrais comment composer de la musique électronique. Quand j'ai entendu la musique de ces jeux, j'ai compris pour la première fois que ce ne serait pas une mauvaise idée de m'intéresser à cette industrie.

Quels souvenirs gardez-vous de Final Fantasy IV ?

Je me souviens de la scène avec les vaisseaux des Ailes Rouges au tout début du jeu. J'adorais le "Theme of Love", aussi. Et puis il y a eu l'incroyable scène de l'opéra dans Final Fantasy VI. J'aimais aussi le thème de Kefka, et surtout la façon dont il était repris dans le combat final. Si je me souviens bien, dans le combat final, il y a un passage très intense avec des cordes au milieu, non ? Ça m'a vraiment fait beaucoup d'effet.

Cette expérience s'est-elle retrouvée dans la façon dont vous avez traité "Distant Worlds" ?

Je n'ai pas eu de mal à imaginer l'arrangement de "Distant Worlds". Même avant de commencer à m'y mettre, je pouvais l'entendre dans ma tête. Si vous écoutez l'arrangement original, celui avec un orchestre et une soprano, il y a quelque chose de jazzy dans le traitement des accords. Je voulais faire ressortir cet aspect de la composition. C'est souvent un vrai défi d'arranger des cordes à la manière du jazz. C'est la raison pour laquelle j'ai choisi d'utiliser un quatuor et des instruments tels que le vibraphone, je pensais qu'ils pourraient faire ressortir l'aspect jazzy. C'est d'ailleurs pour cela que j'ai gardé la progression des cordes, mais en changeant les instruments la musique devient totalement différente.

D'ailleurs, l'arrangement original était de Takahito Eguchi. Pour être plus précis, M. Uematsu a composé la musique, M. Mizuta l'a arrangée, et M. Eguchi s'est occupé de l'orchestration. Ce morceau a vraiment fait l'objet d'un soin particulier. Je l'ai donc arrangé une nouvelle fois pour cet album.

En plus de votre travail sur Monster Hunter et auprès des Star Onions, vous avez participé à un album original intitulé Istoria ~Musa~, qui comprend neuf chansons en hommage aux neuf muses de la mythologie grecque. Comment est né ce projet ?

Je ne me souviens plus il y a combien de temps c'était, mais les musiciens de jeu vidéo qui ont participé à l'album se sont retrouvés un soir pour dîner et parler musique. Il y avait Kenji Itô, Yoshitaka Hirota et Akiko Shikata. C'est à ce moment-là que j'ai rejoint le projet. Quand on m'a expliqué le concept d'Istoria ~Musa~, j'ai trouvé que cela correspondait parfaitement au style de Mme Shikata, en tout cas selon ce que j'avais écouté d'elle.

La thématique des muses a bien sûr encadré mes arrangements, mais la personnalité et le style de Mme Shikata a joué un rôle tout aussi important. On m'a confié les muses de l'histoire (Clio) et de la tragédie (Melpomène).

Comment décririez-vous le style de vos arrangements au piano sur cet album ?

Le morceau au piano reflète un thème tragique. Plutôt que de le composer de manière énergique ou passionnée, j'ai voulu qu'il soit calme et discret. C'est pour cela que j'ai laissé de longs silences entre les notes. Je voulais que celui qui l'écoute en ressente l'aspect négatif, alors j'ai vraiment essayé de retenir chaque note de la piste.

Vous avez aussi arrangé quelques du jeu d'arcade Mega Man 2: The Power Fighters ?

Oui, trois thèmes de niveau.

Comment les avez-vous choisis ?

On m'a demandé si j'aimerais participer au projet, pour m'occuper des pistes qui n'étaient pas déjà prises. Comme j'étais satisfait de la sélection, c'était un vrai plaisir.

Comment avez-vous décidé des arrangements ?

J'ai changé les accors dans "Dive Man". J'ai repris la mélodie de base et j'ai modifié l'harmonie pour qu'elle corresponde plus à mes goûts. Pour "Pharaoh Man", j'ai choisi un rythme latino parce que j'ai pensé que ça correspondait bien. Enfin, pour "Stone Man", le début est très décontracté à la manière ce que pourrait jouer un saxophone.

Avez-vous apprécié de travailler avec d'autres musiciens sur ce projet précis ?

A cette époque, je n'étais dans la société que depuis deux ans, alors les autres avaient plus d'expérience que moi. J'ai pu voir comment ils travaillaient, et cela m'a beaucoup appris sur comment arranger ma musique. C'était une vraie chance de pouvoir comprendre les styles de chacun et leur manière de travailler.

Vous avez dit que vous aimeriez jouer en concert en rapport avec votre activé à Design Wave. Est-ce important de jouer dans un groupe pour revenir compositeur ?

Pour les arrangements, oui, c'est très utile. Vous comprenez mieux jusqu'où peuvent aller une guitare ou une batterie pour élaborer une atmosphère donnée. Jouer dans un groupe donne accès à ce type de compétence.

C'est donc quelque chose que vous recommandez à ceux qui veulent devenir musiciens ou compositeurs de jeu vidéo ?

Absolument. De nos jours, c'est assez courant de tout faire soi-même, de la composition aux arrangements. Dans la musique de jeu vidéo, c'est tout à fait naturel de s'occuper soi-même de l'encodage et du mixage. Cependant, ce n'est pas de cette manière que vous pouvez comprendre ce dont sont capables une guitare ou d'autres instruments. Pour révéler tout son potentiel en tant que créateur de musique électronique, il peut être essentiel d'avoir une connaissance approfondie des caractéristiques des instruments acoustiques.

[Vous pouvez importer l'album Monster Hunter 3rd Anniversary Commemorative Best Track sur Amazon.co.jp. Images : Capcom, Vagrancy et Square Enix.]

Interview : Normand Corbeil (Heavy Rain)

2010-03-15T19:11:00.001+01:00

Véritable révolution dans la narration de jeu vidéo, le jeu PlayStation 3 Heavy Rain, développé par le studio français Quantic Dream, dispose d'une bande originale à la fois poignante et intense écrite par le compositeur québécois Normand Corbeil. Le musicien avait déjà travaillé avec le réalisateur David Cage sur son précédent jeu, Fahrenheit, auquel le célèbre compositeur de musiques de film Angelo Badalamenti avait également participé. La bande originale de ce film interactif, qui a été enregistrée aux studios d'Abbey Road, est depuis peu disponible en téléchargement légal sur iTunes. Les acheteurs de l'édition collector peuvent quant à eux la télécharger grâce à un code inclus dans le boîtier. Dans cette interview, Normand Corbeil revient sur la façon dont il a traité par la musique les personnalités de chacun des quatre personnages principaux.

Interview réalisée par Jeriaska, traduite de l'anglais par Jérémie Kermarrec. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch.

Dans l'histoire de Heavy Rain, chaque personnage principal possède ses propres thèmes musicaux. Comment avez-vous décidé des facettes des personnages qui seraient rehaussées par la bande originale ?

Normand Corbeil : David Cage m'a donné des instructions très précises. Chaque personnage voit la vie d'une manière différente, et il considérait que c'était plus important que la façon dont ils agissent dans le jeu.

Pour Ethan, nous avons choisi le piano. Son thème est très humain, il inspire à la fois de la force et de la fragilité. Pour Madison, c'est un orchestre de chambre en formation resserrée, pour un résultat fort et chargé d'émotions. Jayden est enquêteur, il vit dans un monde triste, au bord de la folie, alors son thème est sombre. Il est joué par un orchestre symphonique, tout l'inverse de Madison. Enfin, le thème de Shelby se rapproche du film noir : une histoire de policiers, avec des cuivres et des flûtes qui donnent un aspect un peu jazzy.

Je ne veux pas en dire trop parce que je pense qu'il faut découvrir les thèmes soi-même. Les gens n'aiment pas qu'on leur donne trop d'indices. En plus, on ne sait jamais si ce qu'on dit en révèle trop sur l'histoire.

David Cage est lui-même musicien. Etait-ce plus facile pour communiquer avec lui pendant l'écriture des musiques ?

Je crois que le plus important est qu'il comprend comment un musicien travaille. Il ne se mêle jamais directement de la composition ou de l'orchestration. Plutôt que de parler de la musique en elle-même, il préfère discuter des personnages avec moi.

Est-ce que cela vous a donné plus de liberté dans vos choix artistiques ?

J'en suis convaincu. David sait exactement à quel moment il doit s'arrêter de parler. C'est aussi pour cela que c'est un plaisir de travailler avec lui.

Comment décririez-vous votre précédente collaboration avec Quantic Dream ?

J'ai été associé à Angelo Badalamenti, avec qui je travaillais déjà sur plusieurs projets à l'époque. Nous nous sommes rencontrés tous les trois à New York un après-midi, puis j'ai travaillé sur ce projet pendant un mois et demi. J'imagine que ce que j'ai fait leur a plu, vu qu'ils m'ont rappelé pour participer à Heavy Rain.

Badalamenti est surtout connu pour son travail sur les films de David Lynch. Quelle est la bande originale dont vous gardez le meilleur souvenir ?

C'est difficile à dire. Mulholland Drive est une partition très, très intéressante, et qui est typique d'Angelo. Je pense qu'il est l'un des plus grands compositeurs à l'heure actuelle. C'était un privilège de travailler avec lui et de le voir à l'œuvre.

Quand vous travaillez sur des jeux tels que Heavy Rain, est-ce que vous vous dites que vous faites de la musique de jeu vidéo ?

Non, en tout cas pas au tout début. Pour Fahrenheit, je pense que David est venu nous voir, Angelo et moi, parce qu'il ne voulait pas que les gens aient une vision trop restreinte du jeu vidéo, ou que les musiciens se soucient trop des différentes pistes. Il s'intéresse surtout aux émotions et à l'histoire. Bien sûr, comme il s'agit d'un jeu, nous devons enregistrer toutes les variations des thèmes, mais au tout début, c'est comme travailler sur un film.

Combien de pistes avez-vous enregistré, au final ?

Nous avons enregistré chaque piste en changeant l'ambiance et la durée directement auprès de l'orchestre, par exemple en demandant au clarinettiste de jouer la partie de la harpe. Nous avons procédé de cette manière car nous ne pouvions pas nous permettre d'organiser une autre session avec l'orchestre. En fin de compte, je leur ai rendu environ 250 pistes.

Mais même après cela, j'ai enregistré un solo de piano quand je suis revenu à Montréal. A chaque fois que vous entendez le piano seul dans le jeu, c'est moi qui joue. Cela a amené le nombre de pistes à près de 300. Quantic Dream avait vraiment de quoi faire, et ils m'ont dit qu'ils avaient tout utilisé dans le jeu.

Comment désigniez-vous ces pistes ?

Ils ont changé les noms pour la bande originale, mais pour moi, c'était du style "Ethan, Piano 1", "Ethan, Piano 2"... Nous n'avons pas eu beaucoup de temps. Tout devait être fait en deux mois. Nous avons commencé le 5 juin 2009, et avons fini à Abbey Road.

Avez-vous déjà enregistré aux studios d'Abbey Road auparavant ?

Je m'y rends régulièrement. J'ai l'habitude de travailler avec les musiciens, l'ingénieur du son Jonathan Allen et les assistants. J'adore travailler à Abbey Road car je sais que je peux me concentrer entièrement sur la musique. Ils se chargent de tout le reste. Ils prennent des notes à chaque fois que vous faites des suggestions. Si vous avez besoin d'écouter la 62e prise, ils la font jouer en un clin d'œil. Jonathan connaît tellement bien la musique que c'était comme s'il la co-produisait avec moi.

Le titre a été en développement pendant des années, pourtant l'emploi du temps musical semble avoir été plutôt serré. Est-ce que vous avez ressenti de la pression en travaillant sur Heavy Rain ?

Bien sûr. S'ils ont attendu la toute fin, c'est parce qu'ils n'étaient pas tout à fait sûrs de la musique qu'ils cherchaient. Comme il y a plein de façons de commencer, d'évoluer et de conclure l'aventure, il faut beaucoup plus de musique que dans un film. Il faut s'assurer que chaque partie du puzzle s'imbrique l'une dans l'autre.

C'était un peu fou, quand on pense que je m'occupais tout seul de la composition et de l'orchestration pour un orchestre symphonique, mais j'ai l'habitude de travailler de cette manière sur des films et des séries. C'était formidable, mais j'ai quand même demandé à avoir un peu plus de temps si jamais je travaille sur leur prochain jeu.

Le jeu offre au joueur des activités qui sont très différentes de ce que l'on trouve généralement dans le genre. Par exemple, guider Ethan alors qu'il joue avec son fils dans un parc. Pensez-vous que le format du film interactif permette au joueur de faire vraiment l'expérience de l'histoire et de comprendre les personnages ?

Je ne sais pas ce qu'en pense David, mais pour moi, oui. Les gens ne veulent pas juste s'asseoir devant la télé et ne rien faire. Ils veulent participer, et c'est ce que proposent les jeux s'ils sont bien réalisés. Certains n'adhèrent pas à Heavy Rain car ils sont habitués à avoir une touche pour sauter et une autre pour courir, mais pour beaucoup de monde je pense que c'était une expérience intéressante. Comme il faut faire tous ces choix, peut-être que certains se sentiront plus proches des personnages.

Pensez-vous que vous allez encore composer pour des films interactifs à l'avenir ?

Bien sûr. Ce serait dommage de ne pas utiliser cette technologie et d'approfondir cette forme d'art. Par rapport aux autres jeux, celui-ci est plus proche des thrillers sur lesquels je travaille habituellement, il est plus humain. Cette interactivité, le fait de savoir que quelqu'un peut choisir sa voie, c'est une vraie source d'inspiration pour moi. Cela offre de grandes possibilités en terme de narration et de composition. Heavy Rain n'est qu'un point de départ.

[Pour en savoir plus sur Normand Corbeil, visitez son site officiel. Images : Quantic Dream. La bande originale de Heavy Rain est disponible à l'achat sur iTunes.]

Interview : Keita Egusa (Pia-com)

2010-03-08T10:10:00.011+01:00

Depuis qu'il a croisé le chemin de Nobuo Uematsu et Hiroki Ogawa, le pianiste Keita Egusa est devenu un collaborateur régulier du label Dog Ear Records. Suite à la sortie son LP KALAYCILAR en 2008, Egusa s'est lancé dans le projet Pia-com, un album de reprises au piano de musiques tirées de jeux sortis lors des années 80. Parmi eux, Mappy, Salamander, Mother ou encore Final Fantasy II. Dans cette interview, il explique comment cet album est né, et revient sur son apparition lors du concert japonais Press Start, l'année dernière.

Keita Egusa

[Interview réalisée par Jeriaska. Traduction française : Jérémie Kermarrec. Images : Dog Ear Records. L'album Pia-com est disponible ici.]

Merci de nous rejoindre pour cette interview, M. Egusa. Dog Ear Records a publié votre album solo KALAYCILAR. Quel rôle a joué M. Ogawa dans cette sortie ?

Il y a deux réponses à cette question : une courte et une longue. Laissez-moi vous donner la longue. La plupart des idées qui ont mené à la piste principale de KALAYCILAR étaient dans ma tête depuis que j'ai découvert les Mikrokosmos de Béla Bartók, quand j'étais à l'université. A l'époque, je pensais même que ça ferait de la très bonne musique de jeu. J'ai commencé à me renseigner sur les chansons folkloriques de Hongrie, où est né Bartók, pour mieux comprendre leurs motifs. Je m'étais dit qu'un jour, j'aimerais essayer d'en arranger une avec mon propre style.

En 2000, j'ai rejoint un groupe qui interprétait de la musique turque et arabe. J'y ai découvert une chanson folklorique turque nommée KALAYCILAR. Nous jouions ces musiques dans le plus pur style turc, mais quand je me suis souvenu de l'impression que m'avaient laissé les Mikrokosmos de Bartók, j'ai commencé à en écrire un arrangement pour le groupe. Un arrangement qui serait un rappel de mes souvenirs de lycée. Voilà comment est née l'idée de l'album KALAYCILAR.

Nous avons joué cette chanson turque à plusieurs occasions, par exemple à des mariages. J'ai pu la jouer lors du mariage de M. Ogawa lui-même, et il l'a vraiment adorée. M. Uematsu a pu écouter l'enregistrement, et c'est comme cela qu'ils ont décidé de la publier avec le label Dog Ear Records.

Lorsque nous avons commencé à travailler sur l'album, nous avons convenu qu'il fallait deux autres pistes. J'ai donc arrangé une chanson folklorique marocaine, "Aisha", que M. Ogawa a encore une fois adoré. En plus de celle-ci et après de nombreuses recherches, j'ai décidé d'ajouter quelque chose de plus populaire, à savoir un arrangement de "Simoon" du Yellow Magic Orchestra. L'enregistrement s'est très bien passé, avec très peu de difficultés.

Vous avez joué du piano lors du dernier concert Press Start: Symphony of Games. Quelle impression gardez-vous d'avoir travaillé sur des musiques de jeux vidéo connues avec le Tokyo City Philharmonic Orchestra ?

C'était une expérience vraiment excitante. Les talents de nombreux arrangeurs rivalisaient les uns les autres sous les yeux du public. Le matériau d'origine avait un vrai sens pour ceux qui étaient des joueurs. Le choix des pistes et leur présentation ne pouvait pas être plus au service des fans, vous savez.

Je ne peux pas m'empêcher de penser qu'entendre des musiques de jeux électroniques lors d'un concert est une idée bizarre, surtout quand il y a un orchestre au grand complet. C'était vraiment amusant. Pour moi, ce type d'événement n'est pas seulement intéressant pour les gens familiers avec la culture des jeux vidéo, mais aussi pour ceux qui se pensent en dehors. Peu importe où on se situe, cela reste un concert extrêmement plaisant.

Lors d'une précédente interview, nous avons appris que votre père a participé à l'interprétation d'Anata wo Yurusanai sur PSP. Vous pouvez donc vous retrouver autour du jeu vidéo et y trouver du plaisir ?

Mon père a 70 ans, alors il appartient à une génération qui n'a pas connu les joies du jeu vidéo. Quand j'étais enfant, on jouait ensemble à des jeux de plateau : shôgi, Othello, flipper... C'est certes une vision bien plus générale du "jeu", mais s'il y a bien quelqu'un qui m'a appris à les apprécier, c'est mon père.

Pia-com est un album de reprises au piano de thèmes venant d'un certain nombre de vieux jeux. Quand vous étiez jeune, est-ce que vous faisiez déjà des arrangements au piano de ce style ?

Bien sûr ! Space Invaders faisait un tabac à l'époque où j'étais à l'école maternelle. En cours de musique, je profitais de la pause pour me glisser derrière le synthétiseur et jouer des musiques du jeu. Il y avait mes camarades qui m'écoutaient, c'était vraiment amusant. Je me suis rendu compte que jouer de la musique pour les autres était une vraie source de bonheur. Et c'est pour cela que je suis là aujourd'hui.

Comment avez-vous choisi les morceaux de Pia-com I ?

J'ai déjà eu la chance de jouer le thème de Mappy en public plusieurs fois auparavant. Quand nous avons commencé à réfléchir au concept de l'album chez Dog Ear Records, j'avais enregistré une version démo de cette piste, parmi quelques autres. Dès qu'ils l'ont entendu, ils ont dit : "C'est ça !". A vrai dire, j'avais déjà pensé à utiliser "Snowman" sur l'album KALAYCILAR, mais c'est parce que M. Ogawa m'avait demandé d'écouter la piste "Eight Melodies" de Mother.

Lors du concert Press Start, vous avez joué "Zanarkand", le thème d'ouverture de Final Fantasy X composé par Nobuo Uematsu. Vous avez aussi arrangé une piste de Final Fantasy II pour Pia-com. Quelle a été votre expérience en travaillant avec lui ?

Dès que je commence à jouer une musique de Uematsu, je ressens une sensation étrange, celle de pouvoir ressentir son univers. J'ai aussi pu jouer lors du concert Distant Worlds, et cela m'a permis de me familiariser avec un certain nombre de ses thèmes. Je n'avais pas arrangé moi-même la version de "Zanarkand" jouée à Press Start, mais il y a un très long solo de piano au début. Jouer tout seul du piano devant une salle remplie à craquer est certes une expérience angoissante, mais j'étais très heureux quand j'ai vu que le public avait apprécié mon interprétation.

Interview : Dog Ear Records

2010-03-08T09:47:00.008+01:00

2009 a été une année bien remplie pour le label Dog Ear Records de Nobuo Uematsu, et 2010 semble bien partie pour confirmer la tendance avec, notamment, l'arrivée tant attendue de la bande originale de Final Fantasy XIV. Dans cette interview, le directeur du label Hiroki "wappa" Ogawa revient sur les sorties de l'année passée et apporte quelques détails sur les nouveautés, dont l'album solo 10 Short Stories célébrant les 50 ans de Nobuo Uematsu, et qui sort cette semaine au Japon. Ogawa livre à cette occasion quelques anecdotes sur la naissance du projet. Et avec des sous-titres en français, s'il vous plaît.

Interview avec Hiroki Ogawa (1/2) from Jeriaska on Vimeo.

Interview avec Hiroki Ogawa (2/2) from Jeriaska on Vimeo.

Un grand merci à Jeriaska pour ces interviews toujours riches en informations. N'oubliez pas aussi d'aller lire l'interview de Keita Egusa, l'un des artistes produits par Dog Ear.

Le journal de Mitsuda en français

2010-01-17T23:14:00.007+01:00

Grâce aux efforts combinés de Denys Fontanarosa et Jonathan Khersis, le blog de Yasunori Mitsuda est désormais disponible en français ! Un privilège extraordinaire pour nous autres lecteurs francophones, car le journal du compositeur n'a jamais été traduit de manière quotidienne auparavant, et ce dans aucune autre langue. Dans ses billets, Mitsuda est loin de se limiter à des messages sur son travail de musicien, puisqu'il parle aussi de jeu vidéo, d'informatique, de cinéma, de culture japonaise, d'actualité... Une lecture très sympathique pour ceux qui aiment le compositeur. Pour lire tout ça, c'est par ici :

Le journal de Mitsuda

Mitsuda est également sur Twitter depuis peu, l'occasion pour lui de mettre son anglais balbutiant à l'épreuve. Mais si vous lui adressez un message, il se fait toujours un plaisir de vous répondre ! Il y a même indiqué avoir déjà enregistré plusieurs pistes du tant attendu album arrangé de Chrono Cross. (Au passage, notez que je suis moi aussi sur Twitter depuis quelques semaines, pour le compte de FFWorld)

Squaremusic Awards 2009

2010-01-17T19:24:00.000+01:00

2009 n'a pas vraiment été la meilleure des années du côté de Square Enix, toujours peu décidé à serrer la nouvelle génération dans ses bras. La sortie de Final Fantasy XIII offre bien sûr un coup de fouet à toute l'industrie du jeu vidéo (et autant à celle de la VGM, grâce à vous-savez-qui), mais uniquement à la toute fin de l'année... Il y a eu de très bonnes choses, mais bien rares tout compte fait. En vérité, la vitalité du genre est une nouvelle fois venue d'autres éditeurs. Allez, c'est parti pour mon verdict comme toujours tout ce qu'il y a de plus subjectif :

Bande originale de l'année
Sont nominées :
- Final Fantasy Crystal Chronicles Echoes of Time
- Final Fantasy Crystal Chronicles The Crystal Bearers
- Final Fantasy VII Advent Children Complete
- Hikari no 4 Senshi -Final Fantasy Gaiden-
Et le vainqueur est :
- Final Fantasy Crystal Chronicles The Crystal Bearers

Ah ça ! Que du Final Fantasy. C'est à cela qu'on reconnaît les années peu productives en terme de sortie, pas vrai ? Enfin, ce n'est pas pour autant que les jeux sont mauvais, encore moins les compositeurs. Les initiés à l'équipe sonore de Square Enix connaissent bien Hidenori Iwasaki, qui a montré toute l'étendue de son talent sur Front Mission 4 et, SURTOUT, 5. Si vous ne connaissez pas l'OST de ce dernier, je vous la conseille très chaleureusement. Cependant, Iwasaki n'a jamais vraiment percé au grand jour, faute de jeux plus prestigieux à son actif. La sortie de FFCC The Crystal Bearers est donc le moment idéal pour montrer qu'il n'a rien d'une mauviette. Et, devinez quoi, c'est un coup double puisque le jeu marque aussi l'arrivée sous les projecteurs de Ryô Yamazaki, son premier grand travail en tant que compositeur et non plus programmeur ! Sans Kumi Tanioka, la série Crystal Chronicles a-t-elle autant d'intérêt ? Mille fois oui ! Iwasaki et Yamazaki ont créé une vraie merveille : une bande originale en dynamite, riche de nombreux styles et en grande partie acoustique... Un rayon de soleil qui réchauffe le cœur.

Album arrangé de l'année
Sont nominés :
- Love SQ
- Piano Collections Kingdom Hearts
- Sanctuary / The Star Onions
- Star Ocean: The Last Hope Arrange Soundtrack
Et le vainqueur est :
- Sanctuary / The Star Onions

Victoire par K.O., je le crains. Attentif aux réactions des fans de Final Fantasy XI, le compositeur Naoshi Mizuta a décidé de produire un nouvel album arrangé d'un genre totalement différent du premier : finie l'electro-pop sympathique mais quelque peu superficielle, place à la beauté simple mais enveloppante des instruments acoustiques. Sanctuary est un trésor que l'on garde près de soi quand la douce brise nous caresse délicatement la peau, les jours de soleil. C'est le souffle apaisant d'une promenade imaginaire dans Vana'diel, arrangée avec un grand talent par Takahito Eguchi (vous, ici ?!), Masato Kôda, Masakazu Sugimori et Naoshi Mizuta, une bande d'amis qui aime ce qu'elle fait. Difficile de ne pas se laisser emporter, mais je crois bien m'être déjà assez étalé sur le sujet. Un petit mot tout de même pour le piano collections de Kingdom Hearts, fort plaisant, voire impressionnant dans certaines pistes. La paraphrase sur le thème de "Dearly Beloved" ? Ouf ! Takehiko Yamada n'est pas un amateur, si vous voulez mon avis.

Thème principal de l'année
Sont nominés :
- "Hikari no 4 Senshi Main Theme" (Hikari no 4 Senshi, Naoshi Mizuta)
- "The Legend Begins" (SaGa 2 Hihô Densetsu, Uematsu/Itô)
- "Main Theme" (FFCC Echoes of Time, Kumi Tanioka)
- "The Sacred Haven" (FFCC The Crystal Bearers, Hidenori Iwasaki)
Et le vainqueur est :
- "Hikari no 4 Senshi Main Theme"

J'aimais bien le principe de la catégorie "thème principal" déjà utilisé l'année dernière, alors nous y voilà une nouvelle fois... avec une excellente surprise de la part de Naoshi Mizuta. Alors que d'habitude, il n'est pas vraiment très fort pour les mélodies, le thème principal de Hikari no 4 Senshi est particulièrement bien trouvé. La bande originale elle-même est bonne mais sans plus, faute de profondeur... Par contre, cette piste est vraiment marquante, épique comme à l'époque des RPG old school. C'est d'autant plus étonnant quand on sait que Mizuta n'a pas connu l'époque NES/SNES en tant que compositeur, preuve qu'il est capable de s'approprier un monde auquel il n'a a priori jamais pris part. Qui plus est, c'est un plaisir de l'entendre dans un projet qui ne porte pas le nom de Final Fantasy XI.

Déception de l'année
Sont nominés :
- Blood of Bahamut
- SaGa 2 Hihô Densetsu Goddess of Destiny
- Star Ocean: The Last Hope
Et le vainqueur est :
- Star Ocean: The Last Hope

Il ne pouvait en être autrement. SaGa 2 est plaisant mais trop en retrait, certes, Blood of Bahamut nage dans l'ordinaire, d'accord, mais ils sont là. Oui, là. A un niveau acceptable. Au-dessus de la moyenne. Malgré leurs défauts ils conservent toute notion de dignité. On ne peut pas en dire de même de Motoi Sakuraba : je ne le pensais pas capable de sombrer plus bas encore dans la médiocrité, mais c'est arrivé. Après la bande originale prodigieuse de Star Ocean 3, remplie d'idées et de surprises, il y avait le bref espoir de trouver dans le 4 un souffle de réconfort après tant et tant d'OST informes. Star Ocean: The Last Hope n'a plus rien du dernier espoir, il est le naufrage par excellence. Oui, il y a une poignée de thèmes rock prog très sympathiques. Mais... Il est noyé sous des morceaux qui ne méritent même plus le titre de "musique". C'est du bruit, capharnaüm insupportable d'instruments vaseux, le néant mélodique, le vomi d'un ex-génie désormais vidé de sa substance. Avec l'espoir que l'Histoire oubliera cette funeste période dans sa carrière autrefois si géniale...

Compositeur(s) de l'année
Sont nominés :
- Hidenori Iwasaki & Ryô Yamazaki
- Naoshi Mizuta
- Kumi Tanioka
Et le vainqueur est :
- Hidenori Iwasaki & Ryô Yamazaki

Pour le travail formidable qu'ils ont accompli sur FFCC The Crystal Bearers. J'espère sincèrement que ce jeu va leur permettre de gagner en célébrité, car ils le méritent absolument. On a longtemps cru que Iwasaki était le compositeur principal, mais en réalité, Yamazaki a autant travaillé que lui (si ce n'est plus !). Pourtant, comme Noriko Matsueda et Takahito Eguchi en leur temps, ils arrivent à composer un ensemble cohérent, qui s'assume totalement même s'il verse dans un style complètement inattendu. FFX-2 balayait l'horizon d'attente de la série, Crystal Bearers fait de même. L'esprit acoustique du premier Crystal Chronicles est respecté dans plusieurs thèmes, mais pour le reste, ça déménage quand même bien plus ! Quel talent !

Prix de l'impatience 2010 et plus
Sont nominés :
- Final Fantasy Versus XIII (Yôko Shimomura)
- Final Fantasy XIV (Nobuo Uematsu)
- Nier (compositeur encore inconnu)
- The 3rd Birthday (Yôko Shimomura)
Et le vainqueur est :
- Final Fantasy XIV (Nobuo Uematsu)

Soyons bien clairs : j'ai volontairement omis Final Fantasy XIII car ce ne serait pas du jeu, et le jeu est sorti en décembre au Japon. Plus que quelques jours avant la sortie de la bande originale, mais je considère qu'il est préférable de la disqualifier pour le moment, et laisser place à des jeux pour lesquels l'impatience est moins palpable. Même chose avec Kingdom Hearts: Birth by Sleep qui vient à peine de sortir (et dont les nouvelles compositions sont formidables). Mon choix se porte finalement sur ce plaisir mêlé de surprise : le retour de Nobuo Uematsu sur sa série. Il a terminé l'écriture des musiques fin novembre, mais le jeu n'a toujours pas de date de sortie alors il faudra attendre avant de découvrir l'intégralité de son oeuvre. Tout ce qui a été révélé jusqu'à présent est empli de ce charme unique, une musique orchestrale belle et gracieuse. Ceci dit, Versus XIII et Nier méritent tout autant d'être impatient... Et ce même si le premier a très peu de chances de voir le jour en 2010.

Interview avec Hirokazu Tanaka

2009-12-18T11:33:00.006+01:00

Notre plus généreux donateur d'interviews, Jeriaska, a récemment publié une très intéressante discussion entre Baiyon (connu pour son travail sur les visuels et la musique de PixelJunk Eden) et Hirokazu "Hip" Tanaka. Tanaka n'est certes pas aussi connu que Nobuo Uematsu ou Kôichi Sugiyama, pourtant c'est l'une des plus grandes pointures de la musique de jeu vidéo des années 80. Il a travaillé sur le premier Metroid et Kid Icarus, mais aussi et surtout sur la série Mother et ses suites (le 2 étant connu sous le nom d'Earthbound en dehors du Japon). Alors que les compositeurs de l'époque se contentaient souvent de mélodies simples et entraînantes faute de qualité sonore satisfaisante, Tanaka explorait déjà les possibilités d'ambiance offertes par le support. Je n'ai pas traduit l'intégralité de l'interview, mais vous pouvez la lire en anglais :

GameSetBaiyon: 'An Audience with Hirokazu Hip Tanaka'

Voici le passage le plus intéressant, à mon avis :

En toute honnêteté, à l'époque, j'avais beaucoup de réserves concernant l'emploi de la musique dans les jeux. C'était assez gênant. La musique de fond se contentait de jouer en boucle, et je trouvais cela énervant. Je pensais que la partie sonore devait être plus du côté des effets sonores, parce que le joueur a un contrôle sur ces derniers. Le son du jeu aurait été plus uni. Je rêvais vraiment d'un jeu dans lequel la partie audio aurait été entièrement composée d'effets sonores.

C'est ce que j'avais en tête quand je travaillais sur Metroid. Mon idée était de ne pas avoir de musique vraiment mélodique avant la fin du jeu, pour que le joueur éprouve une vraie satisfaction de l'avoir terminé. Vous étiez devant ce jeu à la musique très sombre, vous passiez des semaines avant d'en voir le bout. Cette mélodie qu'on entend à la fin du jeu faisait vraiment office de récompense.

Je voulais que les gens ressentent cette impression. On me disait pourtant qu'il fallait une musique plus enjouée, parce que les jeux étaient censés être amusants. Après Dragon Quest, tout le monde s'attendait à entendre de belles mélodies dans les jeux, alors j'avais bien du mal à faire comprendre mon point de vue. De nos jours, on comprend enfin que la création sonore ne se limite pas à la "musique de jeu", mais nécessite la conception d'un véritable environnement grâce au son. Il aura fallu vingt ans pour qu'on me donne raison.

Interview : Hiroki Kikuta & Hitoshi Sakimoto

2009-11-25T23:57:00.003+01:00

Après la remarquable discussion entre Hiroki Kikuta et Yôko Shimomura, Jeriaska revient à la charge avec une nouvelle interview de Kikuta, mais avec Hitoshi Sakimoto cette fois-ci. Les deux musiciens, qui se connaissent eux aussi de longue date, reviennent notamment sur l'époque de Secret of Mana et Ogre Battle, quand ils exploraient tous les deux les possibilités sonores des consoles. Mais la discussion porte également sur leurs projets actuels et leurs méthodes de travail. Encore une fois, une lecture passionnante :

La musique de Hiroki Kikuta et Hitoshi Sakimoto

Notez au passage que la bande originale de Muramasa: The Demon Blade va sortir en CD le 16 décembre, publié directement par Basiscape, qui inaugurera à l'occasion son propre label. Cliquez ici pour en savoir plus. Comme vous pouvez le voir, tout le studio de Sakimoto a été mobilisé pour ce très beau jeu Wii, successeur spirituel d'Odin Sphere. Cette fois-ci, la musique est plus discrète, les rythmes plus omniprésents, le tout saupoudré d'instruments traditionnels japonais pour coller au style graphique. Sakimoto a d'ailleurs fourni un excellent thème principal, tout en nuances.

Critique éclair : Love SQ

2009-11-22T21:53:00.006+01:00

Love SQ
Compositions originales de Nobuo Uematsu, Yasunori Mitsuda, Yôko Shimomura et Kenji Itô, remixées par PE'Z, DE DE MOUSE, NOVOISKI, livetune, Sexy-Synthesizer, Good Luck Heiwa, note native, Muzik!, -Pia-no-jaC- et no.9. Cliquez ici pour plus d'informations.

Cet album hommage aux jeux de l'époque Square s'est révélé en septembre dernier au travers d'une excellente reprise jazzy du thème principal de Final Fantasy. Deux mois plus tard, le voilà au grand complet (déjà disponible sur iTunes). Cet avant-goût extrêmement charmeur cachait néanmoins un CD moyen, partagé entre des reprises très abouties et/ou audacieuses, et d'autres particulièrement pénibles. Chrono Trigger et Legend of Mana, pourtant œuvres de grande qualité, ont malheureusement fait les frais du travail agaçant d'arrangeurs tels que livetune, NOVOISKI et SEXY-SYNTHESIZER : des rythmes techno lourds, des instruments électroniques à l'effet proche du lavage de cerveau, des incursions de 8-bit qui agressent les oreilles. Le thème de fin et le medley Frog/Fanfare de Chrono Trigger deviennent rapidement insupportables. Muzik!, qui avait pourtant déjà fait acte d'horreur, s'en sort presque correctement en comparaison, avec un 8-bit plus planant. Le salut du disque vient des excellents arrangements de PE'Z, -Pia-no-jaC- et no.9 notamment. Ce n'est que du Final Fantasy, mais à travers des styles aussi variés qu'inspirés, ils ont réussi à rendre effectivement hommage à cette époque lumineuse. Le merveilleux "Prelude" qui clôt l'album en est la plus belle marque de respect.

Appréciation : moitié faible, moitié très bon

Cliquez ici pour acheter l'album sur Play-Asia

Critique éclair : Valkyria Chronicles (Anime)

2009-10-11T21:40:00.011+02:00

Valkyria Chronicles (Anime) Original Soundtrack
Composé et arrangé par Hitoshi Sakimoto. Pistes orchestrées arrangées par Nicole Brady, Jackson Harrison, Nova Pon et Christiaan Venter, interprétées par le Czech Film Orchestra dirigé par Jan Chalupecky. Cliquez ici pour plus d'informations.

La bande originale du jeu PS3 Valkyria Chronicles, sortie en 2008, était le premier travail en solo de Hitoshi Sakimoto après Final Fantasy XII. Après des prestations pénibles aux côtés de sous-fifres encore moins inspirés que lui, cet album était un vrai retour en force grâce à des mélodies épiques et des marches guerrières très inspirées, ainsi que de merveilleuses interventions de l'orchestre Eminence. Seul, Sakimoto est capable de développer son style avec une plus grande richesse. C'est ce que prouve une nouvelle fois la bande originale de Valkyria Chronicles, sauf qu'il s'agit ici de la série animée. Si vous avez aimé l'esprit lumineux et envolé de FFXII, vous devez absolument découvrir ce nouveau travail, qui s'en rapproche à plus d'un titre. Les cordes élégantes, le son chaleureux des instruments à vent, la touche rêveuse du piano, des rythmes malicieux : tout cela recrée l'atmosphère douce d'Ivalice, sauf que nous sommes bien en Gallia. Quelques magnifiques pistes orchestrées viennent renforcer le plaisir, autant dans les moments légers que dans les passages dramatiques. Une œuvre consistante et fournie, à l'image d'un Sakimoto épanoui et prêt à assumer son style. Avec aussi peu de reprises du jeu, on sent bien qu'il n'a pas pris ce projet pour un à-côté négligeable, que ses sbires auraient pu combler. Remarquable.

Appréciation : très bon

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Et ici pour la bande originale du jeu PlayStation 3

Interview vidéo : Soushi Yoshida (SQEX)

2009-10-11T16:27:00.003+02:00

Comme vous avez pu l'apprendre dans un précédent article, Square Enix a une nouvelle fois profité du Tokyo Game Show pour distribuer un album sampler de leurs prochaines sorties en CD. Jeriaska et Miyu, qui ont eu la chance de se rendre au salon, ont pu recueillir le commentaire de Soushi Yoshida, le producteur de la branche musicale de Square Enix. Il offre quelques détails intéressants sur ces sorties à venir, à commencer par exemple avec Love SQ (que j'ai présenté sur FFWorld). Voyez cette version sous-titrée en français :

Interview avec Soushi Yoshida - TGS 2009 from Jeriaska on Vimeo.

Je m'excuse pour le petit souci de sous-titrage à 2 minutes 15. Voici ce que M. Yoshida dit normalement :

Le premier s'appelle Love SQ, et si vous êtes fans de la société Squaresoft, alors je pense que ça va vraiment vous plaire.

Une autre vidéo interview de ce type devrait être mise en ligne prochainement, et je suis certain qu'elle intéressera beaucoup certains de ceux qui me lisent...

Nier, Drakengard dans l'âme ?

2009-09-27T19:03:00.012+02:00

Nier, à prononcer "near" en anglais, est le prochain fruit de la collaboration entre cavia et Square Enix. A vrai dire, c'est une histoire assez compliquée... Le jeu sort sous le simple nom de Nier en Amérique et en Europe, sur PlayStation 3 et Xbox 360, mais il est divisé en deux versions au Japon : Nier Gestalt sur Xbox 360 (identique au jeu prévu en Occident) et Nier Replicant sur PlayStation 3 (avec un design des personnages plus japonais). Square Enix a déjà publié des jeux développés par cavia auparavant, en la personne des deux Drakengard sur PlayStation 2 (ils portaient le nom de Drag-on Dragoon au Japon). Je m'excuse sincèrement si vous n'avez rien compris à ce premier paragraphe.

Pour ceux qui ont aimé les deux Drakengard, les premières images de Nier sont tout à fait réjouissantes tant l'esprit cruel et malsain de la série semble s'y retrouver. Bien sûr, il faudra attendre la sortie l'année prochaine pour juger de la pertinence de cette comparaison. S'il y a bien un domaine où la réjouissance est également de mise, c'est la musique. Les premiers échos de la bande originale de Nier sont en effet excellents, à commencer par la fascinante chanson du site officiel japonais :

Le site européen propose lui aussi un fond sonore intéressant, tout autant que la bande annonce dévoilée lors du Tokyo Game Show, que vous pouvez voir sur ce lien.

Si vous ne connaissez pas les musiques de Drakengard, c'est l'occasion rêvée. Chacun des deux jeux possède une approche tout à fait unique et remarquable. Le premier est de loin le plus original. La bande originale, signée Nobuyoshi Sano et Takayuki Aihara, est même l'une des plus étonnantes de toute l'histoire de la VGM, à tel point qu'elle a provoqué de nombreuses réactions, autant négatives que positives. Sano et Aihara ont enregistré plusieurs grandes œuvres de la musique classique avec le Tokyo New City Orchestra puis, dans leur studio, les ont découpées en courts extraits qu'ils ont ensuite recomposé de manière répétitive. Parmi ces oeuvres, on trouve notamment du Dvořák, Bartók, Holst, Mozart, Tchaïkovski, Wagner... Le résultat était d'une incroyable fureur. Au début du jeu, les pistes gardent un semblant d'ordre, de mélodie, malgré leurs rythmes guerriers, mais à la fin, elles sombrent dans une folie terrifiante, dans un chaos dénué d'espoir.

A ma demande expresse, Jeriaska a profité de son interview avec l'équipe de Korg DS-10 pour demander à Nobuyoshi Sano son sentiment sur ce projet totalement unique dans sa carrière. La réponse du musicien fait plaisir à lire :

Je voulais travailler sur un concept musical que j'avais trouvé chez les Chemical Brothers. Ils ont utilisé le son d'une guitare mais l'ont assemblé sur un fond de techno. En règle générale, il semble acquis que la guitare n'a pas sa place dans la techno. En réfléchissant à cela, j'ai imaginé reconstruire de la musique orchestrale à la manière de la techno.

Le concept de base de Drakengard est que le joueur est submergé par une vague d'ennemis qu'il doit abattre, et que l'histoire devient de plus en plus chaotique au fil de la progression. J'ai cherché à exprimer cette impression à travers la musique. Mais pour les joueurs qui s'attendaient à des musiques de RPG classiques, c'était une déception. Ils se plaignaient que la musique était répétitive et désagréable. Certaines critiques étaient, on peut le dire, très dures.

Cela dit, depuis peu, j'ai commencé à recevoir un certain nombre de réactions positives. Bien que la bande originale soit toujours une niche, il est satisfaisant de constater que de plus en plus d'avis reflètent les intentions originales du compositeur. En ce qui me concerne, j'aime toujours l'originalité et l'intensité de la musique. Si quelqu'un me demandait d'utiliser à nouveau de style, surtout s'il s'agissait d'une bande originale de film, j'arrêterais tous mes autres projets pour me concentrer uniquement sur celui-là.

La chanson thème, captivante, se fondait parfaitement dans le reste de la bande son. 尽きる (tsukiru, être épuisé), composée par Sano lui-même, est interprétée par Eriko Hatsune dans sa version japonaise. La version anglaise, renommée "Growing Wings", a été enregistrée par la doubleuse Kari Wahlgren (sous son pseudonyme Kay Jemsen), puis arrangée par Masashi Yano dans Drakengard 2, où elle devient une complainte plus mélodieuse, plus mélancolique.

Un changement tout à fait à l'image du reste de la bande originale. Nobuyoshi Sano a quitté son poste de (re)compositeur pour assurer la production sonore du jeu. Les musiques de cinématiques, discrètes, ont été écrites par Takayuki Aihara et Masashi Yano, mais n'ont jamais eu le droit à une sortie sur CD. Les pistes des phases de jeu étaient de loin les plus impressionnantes. Composées par le duo Aoi Yoshiki, formé par les musiciens Aoi Yuu et Yoshiki Matsumoto, ces pistes se détachent du chaos du premier épisode au profit de morceaux plus harmonieux. Cela ne les a pas empêché d'exprimer toute la violence du jeu, mais avec une ampleur proprement formidable : voyez 運命 (unmei, destin), extraordinaire thème de boss, 無明の渓谷 (mumyô no keikoku, la vallée des ténèbres), marquée par le désespoir, ou, bien sûr, 禁断の序曲 (kindan no jokyoku, le prélude interdit), l'impressionnant poème symphonique qui ouvre le jeu.

Si Nier sait proposer un tel degré d'intensité, et malgré les faiblesses qu'il semble afficher déjà, il pourrait bien devenir le Drakengard de cette génération : un jeu aux défauts manifestes, mais tellement puissant dans son parti-pris qu'il est une référence.

Cliquez ici pour acheter la B.O. de Drakengard 2 sur Play-Asia. Les deux volumes de la bande originale du premier sont malheureusement épuisés depuis longtemps.

Square Enix Sampler Vol.4

2009-09-25T17:15:00.007+02:00

Comme tous les ans maintenant, la branche musicale de Square Enix offre un aperçu de ses prochaines sorties à tous ceux qui achètent des albums sur leur stand au Tokyo Game Show. Le premier du genre était sorti en mai 2007, lors de la Square Enix Party, et proposait une piste de Vielen Dank avec quelques semaines d'avance. Le second donnait un avant-goût de FFTA2 et FFIV DS (j'en avais parlé à l'époque), le troisième de The Last Remnant et Dissidia. Ce quatrième volume est de loin le plus généreux de tous, puisqu'il annonce la sortie de plusieurs disques ! Voyons cela piste par piste :

1. Final Fantasy XI Les Guerriers de la Déesse (TGS 2007)
Au Tokyo Game Show d'il y a deux ans, Square Enix montrait une superbe vidéo de la dernière extension de FFXI, Les Guerriers de la Déesse. Mais quelle était notre déception quand nous avons noté l'absence de la musique sur la bande originale sortie quelques mois plus tard. Square Enix corrige ici le tir (si on veut, vu l'exclusivité du disque). Il aurait été dommage de ne pas avoir ce beau passage héroïque et ces choeurs magiques en CD, le tout bien sûr signé Naoshi Mizuta.

2. Hikari no 4 Senshi -Final Fantasy Gaiden-
Naoshi Mizuta toujours avec ce seul et unique extrait du prochain dérivé de Final Fantasy sur DS. Seul et unique car nous n'avons pas entendu un seul morceau du jeu en dehors de celui-ci, qui doit être le thème principal : il est notamment sur le site officiel du jeu et de la bande originale. J'avoue qu'il est excellent, avec un côté old school aussi assumé que réussi (on ne peut pas en dire autant du jeu), et sa mélodie inhabituellement prenante pour du Mizuta. Le CD de la bande originale est prévu pour le 4 novembre prochain. Pour en savoir plus, c'est par ici.

3. FFCC The Crystal Bearers
Les Final Fantasy se suivent et ne se ressemblent pas sur ce sampler. Mais il faut dire que Crystal Bearers, premier "vrai" épisode sur Wii, est en lui-même tout à fait différent des autres grâce à son système de jeu en apparence très libre. La partie musicale a été assurée par Hidenori Iwasaki, qui a reçu l'aide de Ryô Yamazaki à la composition et l'arrangement. Kumi Tanioka n'est pas totalement absente, puisqu'elle a composé au moins une nouvelle piste (peut-être une chanson), et que Iwasaki devrait reprendre certains thèmes des précédents épisodes.

La piste du sampler est un pot-pourri de plusieurs musiques, chacune durant 30 secondes. Le premier est le thème country que l'on entend à partir de 13 secondes dans cette vidéo. Il s'enchaîne de manière tout à fait inattendue par un magnifique thème orchestré, qui s'arrête et revient à la toute fin de la piste pour un final fantastique (vous pouvez l'écouter en version synthétique à la fin de la dernière bande annonce). Entre ces deux bouts, une piste rock absolument géniale. Cet album, prévu pour le mois de décembre, devrait bien claquer la gueule, si vous voulez mon avis !

4. Love SQ
Plongeons maintenant dans les vraies nouveautés. Cette quatrième piste est tirée d'un projet intitulé "Love SQ" dont nous apprenons l'existence ici. Le site officiel du projet n'est pas plus explicite, mais les informations dont nous disposons suffisent à penser qu'il s'agit d'un disque d'arrangements de vieux jeux Square, comme le montre l'image de fond du Twitter associé. La piste sur ce CD est une excellente reprise jazz du thème principal de la série Final Fantasy par le groupe japonais PE'Z. Et je dis bien "excellente", pleine d'entrain, avec des improvisations savoureuses. Le site de PE'Z annonce la sortie d'un CD contenant le thème principal de FFIV pour le 25 novembre prochain, on peut penser qu'il s'agit de ce Love SQ franchement très prometteur. (J'aimerais bien savoir, après, s'ils ne confondent pas le thème de FFIV avec le prologue, à savoir la piste du sampler.)

5. C+D
Encore plus mystérieuse, cette piste est une reprise électronique de "Calling" et "Déjà vu" de The World Ends with You (d'où le titre). Elle est liée à un projet nommé "8bit Sound Project choBIT", choBIT étant la personne/le groupe responsable (en tout cas selon le CD) de la composition et de l'arrangement de la piste. Est-ce donc un Takeharu Ishimoto déguisé ? Les chants des pistes originales sont modifiés par ordinateur pour avoir l'air robotiques, un rythme électro s'y ajoute et des sonorités 8bit enrobent le tout. Malgré tout, ce n'est pas désagréable à écouter, mais j'aimerais bien savoir où cela va nous mener car ce type de musique s'est plusieurs fois révélé dangereux dans les albums publiés par Square Enix (muZik, ça vous dit quelque chose ?).

6. Sinister Sundown (Take 0)
Surprise totale ! Cette piste n'est autre que le premier extrait de Piano Collections Kingdom Hearts 2nd Album, la suite du CD sorti en mai dernier. Pas encore de date de sortie, encore moins de liste des pistes reprises, mais donner un extrait aussi tôt est déjà très généreux. Etant donné le "Take 0", on peut imaginer que ce n'est qu'un enregistrement temporaire. Il n'empêche que cette reprise au piano du thème de combat de la cité du crépuscule est une vraie réussite, très énergique. Et si ce deuxième piano collections se permettait des quatre mains ? Et des audaces aussi magistrales que la paraphrase sur "Dearly Beloved" ? Nous verrons cela en temps voulu, et à mon avis ce ne sera pas avant le début de l'année prochaine. Oh, et c'est Yôko Shimomura en personne qui produit, comme le premier.

7. 閃光 (senkô, éclair) de Final Fantasy XIII
Le meilleur pour la fin, si j'ose dire. C'est la première fois qu'une musique de Final Fantasy XIII est reproduite sur un CD, et rien que pour cela, on lui pardonnerait presque de ne pas être une piste totalement inédite. Je dis ça parce qu'il s'agit en réalité du thème de combat, auquel ont été greffés les bouts d'un thème de cinématique que l'on pouvait entendre dans la démo jouable sortie en avril dernier. Après une introduction musclée, le vrai thème de combat se lance, et... non, vraiment. Cela fait maintenant plus de trois ans que nous connaissons cette musique, mais rien n'y fait : elle reste toujours aussi fantastique. Une montée en puissance finement calculée, traversée par ce violon qui, quelques secondes plus tard, fait éclater un refrain de furie. Si jamais vous n'avez pas encore entendu Masashi Hamauzu faire son travail de génie, vous pouvez toujours écouter cet enregistrement de la démo. Ce n'est pas exactement la piste du sampler, mais la vache, qu'est-ce que c'est bon.

Merci beaucoup à Jeriaska !

Critique éclair : FFVII AC Complete

2009-09-20T21:55:00.004+02:00

Final Fantasy VII Advent Children Complete Reunion Tracks
Composé par Nobuo Uematsu (musiques originales), Tsuyoshi Sekito, Keiji Kawamori (ACC) et Takeharu Ishimoto (On the Way to a Smile), arrangé par Tsuyoshi Sekito, Keiji Kawamori, Kenichirô Fukui, Kazuhiko Toyama, Shirô Hamaguchi (ACC) et Takeharu Ishimoto (OTWTAS). Cliquez ici pour plus d'informations.

Histoire que tout soit en CD, Square Enix a choisi de sortir un petit album bonus visant à combler les trous apparus dans la bande originale originale suite à la sortie de Final Fantasy VII Advent Children Complete. Le film étant plus long d'environ 30 minutes, il a fallu allonger ou compléter la bande son. Les 13 premières pistes de cet album en sont le résultat. Certaines sont des reprises du film original avec quelques passages additionnels, d'autres sont des arrangements totalement nouveaux. Les pistes allongées ne sont pas les plus intéressantes, car les ajouts sont rarement cruciaux. On redécouvre néanmoins avec joie des thèmes aussi monumentaux que "The Chase of Highway". "Sign", elle, n'a pas été simplement complétée de quelques secondes, mais a été totalement réinventée avec une orchestration sombre et un chœur glacé tout à fait prodigieux. Du côté des nouveautés, Kazuhiko Toyama, qui orchestre depuis quelques années les musiques de la compilation FFVII, a arrangé le thème principal du jeu et celui d'Aerith. Le premier est remarquable : son orchestration filandreuse rappelle la douceur ombragée de l'originale, mais sans aucune envolée héroïque.

La deuxième partie du disque comprend les pistes composées par Takeharu Ishimoto pour l'OAV On the Way to a Smile - Episode: Denzel, soit 17 minutes de musique. Moins inspiré que dans Crisis Core, le compositeur a néanmoins trouvé un thème principal très joli, tout en douceur, présent dans la piste 陽だまり (hidamari, la lumière du soleil). Les notes du piano (joué par Rieko Mikoshiba) apportent précisément de beaux rayons de soleil. Les pistes sombres sont assez faibles en comparaison, les reprises de Nobuo Uematsu elles aussi. Comme toujours, c'est quand le rock n'est pas loin qu'Ishimoto devient incontestablement brillant : la piste 約束 (yakusoku, promesse), ballade délicieuse menée par le piano, est ainsi un vrai bonheur.

Au final, Reunion Tracks n'est pas vraiment indispensable par rapport à l'OST originale de FFVII Advent Children, mais c'est de la qualité malgré tout. Les amateurs d'Ishimoto ne pourront sans doute pas se retenir de vouloir posséder sa modeste contribution. Malgré des faiblesses évidentes, son travail est de bonne facture.

Appréciation : bon

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Last Ranker : quelques infos en plus

2009-09-17T21:13:00.003+02:00

Maintenant que le jeu est officiellement en développement, de nouveaux détails au sujet de Last Ranker (annoncé ici) ont fait leur apparition. Dans un message sur son blog, Yôko Shimomura a déclaré qu'une partie de la bande originale a été enregistrée en Europe. Certains enregistrements ont apparemment eu lieu à Stockholm, avec un petit ensemble. Elle rapporte également que Hiroyuki "Chopin" Nakayama jouera du piano. Sa dernière collaboration avec Shimomura remonte au début de l'année, quand il a joué sur le piano collections de Kingdom Hearts. C'est la première fois depuis 15 ans que Shimomura travaille avec Capcom sur un nouveau jeu. Pour cela, elle écrit qu'elle est très honorée de faire partie du projet. Je suis toujours impressionné quand je me souviens qu'elle a composé les thèmes de personnage de Street Fighter II.

En ce qui concerne le type de musique auquel nous devons nous attendre dans Last Ranker, Yôko Shimomura avait à l'origine envie d'écrire des pistes de style opéra, mais le réalisateur Kazuya Niinou a rejeté l'idée en indiquant qu'il préférait des chansons "qui en jettent" (sic), capables d'accentuer la puissance des combats. En réalité, comme le jeu se concentre en grande partie sur la bataille, Niinou a voulu que les thèmes de combat constituent le point fort de la bande originale.

Un site provisoire a été lancé aujourd'hui, mais il ne propose aucune musique de fond.

More details about Last Ranker (announced here) have just emerged now that the game is officially on tracks. In a new post on her blog, Yoko Shimomura announced that part of the soundtrack was recorded in Europe. Some sessions took place in Stockholm, or so it seems, with a small orchestra. She also wrote that Hiroyuki "Chopin" Nakayama will be playing the piano. His last collaboration with Shimomura was earlier this year, when he played the piano for the Kingdom Hearts piano collections album. It is the first time in 15 years that Shimomura is working with Capcom on a new game and, as such, she also writes about how honoured she feels to be part of the project. I always feel amazed when I remember she is responsible for the character themes in Street Fighter II.

As for the type of music one should expect in Last Ranker, Yoko Shimomura originally intended to write opera-like tracks, but game director Kazuya Niinou rejected the idea, stating that he was more interested in "awesome sounding" (sic) songs that would enhance the effect of the battles. Actually, most of the game is devoted to fighting, so Niinou wanted the battle themes to be the highlight of the soundtrack.

A teaser website has been launched today, but doesn't feature any BGM.

Last Ranker : Shimomura est là

2009-09-15T17:01:00.005+02:00

Capcom vient tout juste de dévoiler un nouveau RPG pour PSP développé par Image Epoch, Last Ranker. Le jeu, qui n'est pas encore daté, propose une équipe prestigieuse au sein de laquelle on trouve Kazuya Niinou, producteur d'Etrian Odyssey, et le scénariste Kazushige Nojima, connu pour son travail sur Final Fantasy. Bien sûr, pour les mélomanes, la plus grande nouvelle vient du nom de la compositrice : Yôko Shimomura ! Pas encore de site officiel, mais les premières infos sur la bande originale sont prometteuses. Dans une courte interview avec le magazine Famitsu, Shimomura indiqué que l'on entendrait des chansons pendant les scènes de combat. Voilà une pratique à la mode depuis peu, Masashi Hamauzu ayant annoncé que Final Fantasy XIII comportera des thèmes chantés pendant les phases de jeu. Hé bien, Mme Shimomura, pourquoi ne pas faire de même pour Versus XIII ?

Capcom has just unveiled a new, Image Epoch-developed PSP RPG called Last Ranker. The game, not dated yet, will feature a prestigious team of creators such as Etrian Odyssey producer Kazuya Niinou and scenario writer Kazushige Nojima, of Final Fantasy fame. Of course, for music lovers, the greatest news comes from the name of the composer: Yoko Shimomura! No official website for now, but the first few details about the soundtrack sound quite promising. In a short interview with the Famitsu magazine, Shimomura said the game would feature vocal tracks during battle scenes. This has certainly become quite trendy lately, as Masashi Hamauzu said Final Fantasy XIII would have vocal tracks during gameplay sequences as well. Hey, Shimomura-san, why not try this for Versus XIII as well?

Interview : Hiroki Kikuta & Yôko Shimomura

2009-08-22T15:38:00.004+02:00

C'est une interview que j'ai pris un plaisir fou à traduire, et qui sans doute vous procurera un plaisir fou à lire. Quand deux des plus grands musiciens de la VGM, tous deux anciens de Square, se retrouvent après plusieurs années chacun de leur côté, cela donne un entretien amical et profondément nostalgique. C'est ainsi que Jeriaska a réussi à réunir Hiroki Kikuta (Secret of Mana, Sôkaigi) et Yôko Shimomura (Legend of Mana, Kingdom Hearts), qui ont beaucoup de choses à se dire, parfois même à s'avouer. A lire absolument :

Le monde magique de Hiroki Kikuta et Yoko Shimomura

Critique éclair : 7th Dragon Piano & Strings

2009-07-02T18:12:00.006+02:00

Live Music by Piano and Strings: 7th Dragon Super Arrange Version
Musique composée par Yûzô Koshiro, arrangée par Norihiko Hibino, interprétée par Norihiko Hibino, Yuichiro Onuki, Chieko Amano, Minori Yamazaki, Shuji Narikawa, Naoko Sato, Minako Takizawa, Junichi Takagi et Saburo Tanooka. Cliquez ici pour plus d'informations.

Cette collaboration fidèle entre Yûzô Koshiro et Norihiko Hibino fait un bien fou à la VGM depuis quelques mois déjà. Après avoir revisité les musiques d'Etrian Odyssey avec une grâce folle, les deux musiciens remettent ça pour 7th Dragon. La bande originale, signée Koshiro, n'était pas follement intéressante à cause d'un penchant orchestral souvent fade. Mettez tout cela entre les mains de Hibino, dont les talents à l'arrangement ne sont désormais plus à prouver, et vous découvrez des mélodies que vous ne soupçonniez même pas. Les cordes, la flûte, le piano, la guitare, les percussions : cet ensemble enrichi offre une nouvelle unité sonore aux musiques du jeu, et révèle leur potentiel avec une incroyable beauté. La troisième piste s'élance avec un rythme militaire qui aurait pu sembler repoussant dans la bande originale, mais s'envole ensuite vers l'extase pure. Le tango, imparable pour les oreilles en quête de chaleur, est insufflé avec génie dans les thèmes de combat. Un brin de jazz par-ci, des inspirations arabisantes par-là (avec le saxophone de Hibino himself !), et même des touches de bossa nova dans la piste 12, ces mêmes touches qui illuminaient l'album arrangé d'Etrian Odyssey. Et puis, il y a "Jungle Navigation". Elle tombe, impromtue, au milieu de ces mille plaisirs. Dans sa magie contemplative, ce thème déjà fantastique à l'origine devient ici une souffle naturel apaisant. Vraiment, cet album est merveilleux. Prenez-le avec Sanctuary pour partir en vacances. Vous reviendrez... ému.

Appréciation : excellent

Cliquez ici pour acheter l'album sur Play-Asia

Mitsuda colore la lumière

2009-07-02T17:22:00.005+02:00

Excusez-moi, monsieur Mitsuda. Vous êtes sûr que vous n'avez pas mieux à faire ? Ou alors est-ce là un moyen de nous faire patienter, en vu de l'album arrangé que tout le monde attend ? Toujours est-il que Procyon Studio est sur le point de publier une compilation de chansons écrites par Yasunori Mitsuda au fil de sa carrière. Colours of Light -Yasunori Mitsuda Vocal Collection- piochera ainsi dans Xenogears et Xenosaga, Chrono Cross, Sailing to the World ou encore Kirite. C'est un gage de qualité, certes, mais le disque ne compte aucune exclusivité en CD (pas même le thème principal de World Destruction, malgré sa rareté). Ceux qui n'y connaissent rien pourront cependant se jeter dessus.

1. Sailing to the World de The Seventh Seal (Sailing to the World).
Interprète : Koko Komine.
2. Promise with Winds ~ Petals' Whereabouts de Kirite.
Interprète : Eri Kawai.
3. Time's Arm de World Destruction.
Interprète : Czech Philharmonic Children's Choir.
4. Pain de Xenosaga Episode I.
Interprète : Joanne Hogg.
5. CREID de Creid (Xenogears).
Interprète : Eimear Quinn.
6. Stairs of Light de Creid (Xenogears).
Interprète : Tetsuko Honma.
7. Kokoro de Xenosaga Episode I.
Interprète : Joanne Hogg.
8. - Ring - de Soma Bringer.
Interprètes : Eri Kawai, Koko Komine et Tamie Hirose.
9. Silver Leica de Ten Plants.
Interprète : Noriko Mitose.
10. STARS OF TEARS de Xenogears.
Interprète : Joanne Hogg.
11. Spring Lullaby de Creid (Xenogears).
Interprète : Tetsuko Honma.
12. SMALL TWO OF PIECES de Xenogears.
Interprète : Joanne Hogg.
13. Reincarnation de The Seventh Seal (Sailing to the World).
Interprète : Koko Komine.
14. The Name of Our Hope de Kirite.
Interprète : Eri Kawai.
15. RADICAL DREAMERS de Chrono Cross.
Interprète : Noriko Mitose.

La sélection n'est pas forcément parfaite : j'aurais personnellement remplacé "Promise with Winds" par "The Azure" du même album, car c'est pour moi la plus fantastique chanson de Kirite, et peut-être la collaboration la plus rayonnante entre Mitsuda et Eri Kawai. Et entre Mitsuda et ses précieux musiciens, qu'il s'agisse d'Akihisa Tsuboy au violon ou de Laurie Sogawa à la flûte. Mais je m'égare.

Colours of Light est annoncé pour le 26 août au Japon au prix de 2940 yens, référence SBPS-0015. J'imagine que VGM World l'aura dans son catalogue d'ici peu. Tout ça en attendant... vous savez quoi...

Un été SaGa, 2

2009-07-01T12:02:00.008+02:00

Petit complément au précédent article. Entretemps, Square Enix a renouvelé le site officiel du box SaGa, et autant dire qu'ils n'ont pas fait les choses à moitié puisqu'il est possible d'écouter des extraits pour chacune des 509 pistes du coffret. Pour visiter le site, par ici ! La partie "Music List", dans laquelle toutes les pistes sont présentées, est très bien organisée : on peut trier les morceaux par jeu, par type (dans l'ordre : thèmes d'ouverture, de fin, thèmes principaux ou de personnages, chansons / thèmes de combat / thèmes de carte, de cinématiques et de véhicule / jingles et autres) ou par compositeur (Nobuo Uematsu, Kenji Itô, Chihiro Fujioka, Ryuji Sasai et Masashi Hamauzu).

C'est assez méchant pour Tsuyoshi Sekito, qui a a très largement participé à Romancing SaGa -Minstrel Song- et qui n'est pas même crédité pour la piste qu'il a composé, "イスマス城襲撃" (isumasu shiro shûgeki, "l'assaut du château d'Isthmus"). En ce qui concerne la partie "Special" du site, elle ne propose qu'une vidéo promotionnelle pour le coffret, mais devrait accueillir des extraits des interviews qui figureront sur le DVD. On peut d'ailleurs voir chacun des intervenants dans la vidéo, dans l'ordre : Nobuo Uematsu, Kenji Itô, Chihiro Fujioka, Ryuji Sasai, Masashi Hamauzu, Tomomi Kobayashi (illustratrice de la série) et Akitoshi Kawazu (créateur de la série).

Quant à la bande originale du remake DS de SaGa 2, sa date de sortie a finalement été fixée au 9 septembre, soit quelques jours avant le jeu.

Table ronde : la VGM indépendante

2009-06-28T11:15:00.008+02:00

La musique de jeu vidéo, ce n'est pas seulement les grands compositeurs que nous connaissons tous. Tout comme les produits qu'elle renforce ou illustre, cette musique peut être issue de la scène indépendante, auquel cas le public qu'elle touche est réduit, mais toujours passionné. Il arrive parfois que certaines productions indépendantes brisent leurs chaînes pour être largement exposées ; c'était par exemple le cas de l'excellent Flower. Mais les musiciens de cette scène ont souvent des choses intéressantes à dire, au-delà même de leur domaine, et c'est ce que vous allez constater en lisant cette table ronde entre plusieurs de ces artistes :

Vincent Diamante est désormais reconnu pour son travail sur Cloud et Flower, les jeux évocateurs de Jenova Chen. Il est actuellement professeur au département média de l'University of Southern California.
Chris Schlarb fait partie du groupe I Heart Lung avec lequel il est parti en tournée au début de l'année. Il travaille en ce moment sur Night Game, un jeu WiiWare réalisé par Nicalis.
Shaw-Han Liem est à l'origine de la série d'albums I Am Robot and Proud, pour laquelle il était en tournée au Japon à la fin de l'année dernière. Il travaille actuellement sur un projet avec le créateur de jeu vidéo Jonathan Mak (Everyday Shooter).
Baiyon est le directeur artistique et musical de PixelJunk Eden et de son extension Encore. Il était invité cette année à la Game Developers Conference de San Francisco pour présenter son travail sur le titre de Q-Games. Il est accompagné de Ryojiro Sato, musicien, à l'interprétation anglais-japonais.

Deux visions du rapport entre le son et l'image sont peu à peu développées lors de la discussion, chacune avec ses propres arguments, toujours pertinents et largement justifiés. C'est long, il faut bien le reconnaître, mais c'est diablement intéressant.

Schlarb, Baiyon, Ryojiro Sato, Shaw-Han et Diamante

Interview réalisée par Jeriaska, traduite du japonais par Ryojiro Sato, de l'anglais par Jérémie Kermarrec. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch et en italien sur Gamesource.it et en japonais sur GAME Watch.

GameSetWatch : Pour commencer cette discussion sur la rencontre entre la musique indépendante et le jeu vidéo indépendant, j'ai une question. Je voudrais savoir si vous avez en tête des exemples, dans l'histoire du jeu vidéo, de jeux innovants où le gameplay permettait de réaliser des improvisions musicales.

Vincent Diamante : Je me souviens de ce jeu, Ballblazer. C'était de Lucasfilm, quand ils ne s'étaient pas encore renommé LucasArts, au milieu des années 80. C'était un jeu de sport à la première personne, et quand on jouait, un solo de jazz était généré. A l'époque, certains tests disaient que la bande originale ressemblait à du John Coltrane poussé dans ses derniers retranchements. Il était sorti sur PC et sur Nintendo. Je me souviens d'y avoir joué à l'époque, quand j'étais jeune étudiant en musique. Je me disais, "cette musique est vraiment différente". C'était magique.

Chris Schlarb : Ballblazer ? Il faut que j'y jette un œil.

GSW : Chris, dans votre interview au sujet de Night Game, vous citiez la spontanéité de PaRappa the Rapper. Pour vous, c'était la première fois qu'il était possible d'improviser ou de faire des riffs dans un jeu ?

Schlarb : PaRappa était le premier jeu à m'avoir donné cette impression merveilleuse. J'en parlais parce j'étais très impatient à l'idée de voir le créateur de PaRappa à la remise des prix hier soir. Dans PaRappa, on peut quasiment faire ce qu'on veut. On peut ajouter du rythme pour jouer en polyrythmie.

Shaw-Han : C'était possible à n'importe quel moment du jeu ?

Schlarb : Oui, parce qu'il ne suffisait pas de jouer le rythme. Tu pouvais aussi diviser le rythme en plusieurs parties, et l'environnement du jeu changeait en temps réel.

Je me souviens d'une fois, je faisais le niveau avec Maître Oignon, et ça commençait à m'agacer. Soudain, le plafond s'est effondré et PaRappa arrivait dans le ciel ! Ça ne m'était jamais arrivé avant. J'avais l'impression qu'il se passait quelque chose de totalement inédit. C'était absolument génial.

La plupart des jeux sont trop linéaires quand il s'agit de composition. Moi, je ne viens pas du jeu vidéo à l'origine, alors quand je compose, je pense plutôt à des choses modernes comme les travaux d'Eno, Reich ou Cage, et je ne m'inspire pas nécessairement des autres jeux.

GSW : Baiyon, avez-vous déjà écouté les musiques de toutes les personnes ici réunies ?

Baiyon : J'ai joué à Flower. J'ai déjà parlé avec Shaw-Han sur MySpace, mais je ne connaissais pas Chris.

GSW : Chris a composé les musiques de Night Game, un nouveau jeu WiiWare. Toutes les pistes sont acoustiques, et elles ne tournent jamais en boucle. Il y a plusieurs morceaux pour chaque monde, certaines font 30 secondes, d'autres durent plusieurs minutes. Entre elles, il y a des silences à la durée aléatoire.

Schlarb : Tu as vu les illustrations de Night Game ? Elles s'inspirent des ombres chinoises.

Baiyon : Ah, oui, je les ai vues.

Chris Schlarb

GSW : Que pensez-vous du fait d'ajouter du contenu à vos jeux ? Si par exemple on vous disait : "Nous voulons plus de niveaux dans Night Game".

Schlarb : Ça m'est arrivé. Quand j'ai commencé à travailler sur Night Game, il devait y avoir dix minutes de musique. Il y avait deux mondes, ce qui faisait cinq minutes par monde. Au départ, c'était un jeu gratuit, car Nifflas en a fait plein par le passé. Mais cette chose qui devait être simple à l'origine est plus tard devenue un jeu WiiWare. Le volume a donc augmenté, et comme je l'ai expliqué, la chose la plus difficile était que j'avais déjà travaillé sur le petit jeu, et que je ne m'étais donné aucune limite dans les instruments. C'est devenu très difficile par la suite. Si je m'étais limité à une palette de cinq ou six instruments, alors le reste serait passé comme une lettre à la poste.

Le projet étant plus gros, les possibilités étaient plus nombreuses. Je pouvais faire ce que je voulais, et mon imagination était encouragée par les visuels, qui changeaient à chaque monde. C'était difficile car je devais apporter de nouveaux instruments, comme le trombone, le marimba, la mandoline, l'euphonium... Il y en avait de plus en plus. J'ai évité d'utiliser des cordes, cela dit. Il y avait juste une contrebasse. Le plus difficile était de savoir quand m'arrêter, parce que je suis passé de dix à cinquante minutes de musique. Cela m'a bien pris huit mois, dans mon temps libre.

Maintenant, je sais donner des limites à l'orchestration : je peux composer pour un ensemble de musique de chambre. Sinon, jusqu'où peut-on aller ? Les limites sont parfois une bonne chose. Tu définis d'abord un groupe d'instruments, puis tu laisses ton esprit travailler sous cette contrainte. Au départ, je croyais qu'il y avait vraiment que deux possibilités avec la musique de jeu, à savoir soit le son rétro 8-bit, soit des trucs de style orchestral.

Diamante : Mais tu sais, la musique 8-bit, ça me fait penser à la fusion jazz-rock japonaise. La musique 8-bit, que le musicien le sache ou non, ça nous ramène jusqu'à des groupes tels que Casiopea ou T-Square.

Schlarb : En effet. Je crois que, dans ma tête, je me voyais mal correspondre à l'un de ces styles. Je ne sais pas programmer. Je pense plutôt que je suis bon pour la texture, pour l'écriture d'arrangements pour ensemble, pour utiliser les instruments et les musiciens là où il le faut.

Avec Night Game, je pensais que le jeu devait pouvoir respirer. Dans la plupart des jeux, il y a du son, des effets visuels partout et tout le temps. Dans Night Game, il n'y a pas de temps limite, alors je voulais créer une sorte de flux et de reflux. La musique viendrait, puis s'en irait, pour être remplacée par les bruits d'ambiance. La musique reviendrait alors, donnant un coup de fouet subliminal au joueur. Il ne remarquerait pas que la musique a disparue, disons plutôt qu'il le sentirait au lieu de l'entendre.

Diamante : Dans Flower, la musique fait très jeu vidéo, et elle est continue. Dans le niveau cinq, il y a des pauses d'une ou plusieurs minutes dans l'accompagnement musical.

Baiyon : Oui, et c'est très intéressant.

Vincent Diamante

GSW : Vincent, comment réagiriez-vous si l'on devait faire une suite ou ajouter du contenu à télécharger pour Flower ?

Diamante : Flower possède sa propre histoire, et pour moi elle est terminée. Cela pourrait être une nouvelle saga, j'imagine. Moi, ça m'irait. Mais s'ils devaient faire des niveaux en plus entre ceux qui existent déjà, ça ne conviendrait pas, à mon avis. La progression de la musique dans l'histoire est déjà définie. Il me faudrait réfléchir très longuement si je devais écrire une nouvelle partition pour ce contenu glissé au milieu de la progression déjà établie.

GSW : Vous n'avez jamais considéré que la musique de Flower était la continuation de celle de Cloud, votre précédent projet pour thatgamecompany ?

Diamante : Certains éléments de Cloud, comme les illustrations de Jenova, montraient déjà des fleurs. Cela m'a bien sûr inspiré, mais je n'y pensais pas directement. Les thématiques que j'ai établi ont beaucoup de choses en commun. Cloud se suffit à lui-même, notamment au sujet de la construction de la musique et de son orchestration.

GSW : Aujourd'hui, Vincent et moi sommes allés à la conférence de Hitoshi Sakimoto, à la Game Developers Conference. Comme vous le savez, c'est l'un des compositeurs de RPG les plus connus au Japon. Après la discussion, Vincent est allé se présenter et lui a dit, la voix basse, "je viens d'écrire ma propre bande originale pour un jeu console, Flower". Les yeux de Sakimoto se sont illuminés. Il a répondu : "Flowery ? Vous voulez dire Flowery ? J'y ai joué !"

C'est un bon exemple pour prouver que généralement, les musiciens indépendants de jeu vidéo ne se rendent pas compte du degré de reconnaissance de leur travail.

Diamante : Oui, j'étais très surpris.

Schlarb : C'est génial. Ecrire de la musique pour ces jeux, c'est un processus à la fois long et isolé. Ce genre de reconnaissance est vraiment précieux. J'ai travaillé sur Night Game pendant un an sans que personne n'en entende parler. Je ne recevais aucune réaction.

Diamante : Et ce sont des jeux qui rendent beaucoup de gens curieux. Quand j'ai vu Night Game pour la première fois, j'ai voulu en savoir plus. Autant chez les consommateurs que ceux qui travaillent sur des jeux depuis longtemps, il y a certaines personnes qui s'intéressent vraiment aux musiciens qui cherchent à briser les barrières, à changer les choses.

GSW : Dans la musique de Flower, il y a plusieurs couches, qui se superposent ou disparaissent selon ce qu'il se passe à l'écran. C'est une technique efficace en terme d'émotions. La musique répond subtilement aux actions du joueur.

Baiyon : En tant que musicien, je pense que la musique s'auto-suffit. Contrairement à la composition pour un jeu, j'aime donner à la musique sa propre personnalité. L'interactivité peut limiter les possibilités musicales.

Schlarb : Je te comprends ce que tu veux dire. Mais je pense que dans Flower, c'est quelque chose d'intéressant. La musique répond au joueur, alors que dans Night Game, c'est le joueur qui répond à la musique. Ces deux idées m'intéressent tout autant.

Baiyon : Les jeux musicaux permettent presque au joueur de composer réellement. Je trouve cela intéressant, mais si tu peux créer d'une certaine manière de la musique dans le jeu, ça n'est pas vraiment différent de si tu as vraiment composé la musique. En tant qu'artiste, il est plus satisfaisant de faire de la musique en dehors d'un jeu. Quelle différence cela fait-il avec une bande originale déjà créée ?

Diamante : Chacune a sa propre valeur, je pense. Quand on se concentre uniquement sur l'interprétation, que ce soit un joueur qui joue ou de vrais musiciens en train de faire de la musique, cela peut dépasser toutes sortes de possibilités. Fut un temps, tout le monde avait un piano chez soi. Les gens achetaient des partitions de chansons populaires pour les jouer eux-mêmes. Le résultat ? Il dépendait du pianiste, du chanteur et de s'ils étaient doués ou non. Ils ont peut-être des instructions, mais la musique qu'ils produisent est bien la leur. Si je l'écoutais, je pourrais penser que ce n'est pas joué comme il le faut, mais que ce n'est pas grave, tant que c'est leur musique. C'est la même chose avec le jeu vidéo, il appartient plus au joueur qu'au développeur.

Baiyon : Je pense qu'il existe une interaction entre la musique du compositeur et l'expérience vécue par le joueur. Cela ne se limite pas seulement à appuyer sur un bouton ou entendre un son. Je suis persuadé qu'on peut donner au joueur une meilleure structure dans la musique. Cela dit, j'ai vraiment adoré jouer à Flower.

Shaw-Han : Pour moi, il n'existe pas de musique qui ne soit pas interactive. La musique est toujours interactive. Comme pour n'importe quelle discussion, comme il s'agit de moyen de communication, il y a le son qui arrive dans tes oreilles, puis il y a ce qu'il se passe dans ton cerveau quand tu entends ce son. Chaque personne aura une réaction chimique différente ou je ne sais quoi dans sa tête pour agrémenter cette expérience.

Schlarb : C'est intéressant, parce que les deux approches se justifient. Les deux m'intéressent. Avec Night Game, je voulais plutôt créer un environnement que le joueur ne peut pas modifier. Que ce soit dans le style visuel ou dans les énigmes, tout est très structuré. L'ordre dans lequel les morceaux sont joués est aléatoire, tout comme la présence des silences. C'est au joueur de réagir à tout cela. C'est en cela que le jeu n'adapte pas aux réactions du joueur.

Je trouve que l'approche choisie par Baiyon, où la musique est séparée du jeu, est vraiment intéressante. D'un autre côté, Vincent a choisi de traiter le jeu et la musique comme une entité unique. Mais j'aime vraiment chacune de ces idées. Sera-t-il possible, à l'avenir, de combiner les deux pour que les jeux semblent vivants, tout en imposant leurs environnements ou leurs ambiances ?

Shaw-Han : Je pense que c'est important, peu importe l'endroit du spectre où l'on se situe. Quand je fais de la musique sur CD, c'est la mienne, c'est moi qui commande. Si j'écris de la musique pour un jeu, l'idée est qu'elle doit soutenir la mécanique de jeu. Si cette dernière vous demande d'explorer un monde aux possibilités infinies à chaque instant, alors l'idée de faire une bande originale qui change selon vos décisions peut aider à soutenir l'impression générale du jeu. Mais si c'est un jeu dans lequel il faut se battre contre le reste du monde, alors une musique plus rigide se justifie. La musique est une représentation du système de jeu. Je trouve cela intéressant de jouer avec cette relation entre les deux.

Baiyon : J'ai aussi travaillé sur la partie visuelle du jeu. Pour moi, musique et jeu ne faisaient qu'un. Je laissais simplement mon inspiration me mener là où elle devait aller.

Schlarb : Quand tu es artiste, c'est très facile à faire. Tu es la source de tout.

Baiyon : Comme vous faites tous de la musique, vous me comprenez sans doute. Quand c'est difficile, cela devient moins intéressant car ce n'est plus très amusant. Avec ce type de processus, il faut que l'on possède certaines facilités et que l'on ait confiance dans son travail.

Baiyon

GSW : Avez-vous éprouvé des difficultés avec PixelJunk Eden ?

Baiyon : Pas du tout. J'ai écrit la musique à ma façon, et je n'ai jamais pensé qu'il fallait la changer en cours de développement. La seule chose qui m'a posé problème, c'étaient les effets sonores. Avec ma musique, je cherche toujours à donner du plaisir aux gens, mais souvent, dans les jeux vidéo, les effets sonores détournent l'attention. Faire des explosions pour forcer le joueur à se dépêcher, c'était vraiment nouveau pour moi. Techniquement, je ne sais pas si l'on peut parler de "musique de jeu vidéo". A mon avis, ce genre n'existe pas.

GSW : Alors comment décririez-vous la techno minimaliste que vous avez utilisé dans PixelJunk Eden ?

Baiyon : Disons du 120 à 130 battements par minute.

*rires*

GSW : Dans PixelJunk Eden, existe-t-il des références spécifiques entre la musique et le style visuel ?

Baiyon : Cela peut sembler confus, mais ce jeu m'a aidé à réunir mes recherches artistiques et musicales. Mon but n'était pas nécessairement de faire que la musique s'adapte à l'image. C'est juste venu naturellement. Le but était d'offrir aux joueurs des expériences nouvelles au fil de la partie.

Shaw-Han : Tu as commencé par les visuels ou par la musique ?

Baiyon : J'ai fait les deux en même temps. En fait, je les faisais tout en parlant au téléphone, et j'utilisais l'autre oreille pour écouter la musique de quelqu'un d'autre.

*rires*

Baiyon : C'est une triste constatation, mais quand on compose sa propre musique, on ne peut pas écouter d'autres musiques en même temps car on n'a que deux oreilles. J'étais surpris quand je m'en suis rendu compte. Avec l'art visuel, on peut regarder une image et écrire en même temps. C'est un processus quasi simultané. Par contre, ce type d'expérience n'existe pas avec la musique. L'ouïe n'équivaut pas la vue.

Diamante : Moi, je vois la musique de jeu vidéo de deux façons. La musique de jeu vidéo existe, bien sûr, mais quand j'étais à l'université, j'ai beaucoup travaillé sur ce domaine qu'on appelle "game music", dans lequel les orchestres, au lieu d'avoir des partitions, reçoivent des instructions. Sur la feuille du clarinettiste, il serait écrit, par exemple : joue ce motif si tu entends le violoniste faire quelque chose sur cette note.

Quand je compose ma musique, j'essaie de personnifier la PlayStation ou l'ordinateur. J'imagine que dans la machine, il y a des musiciens, et je veux qu'ils apprécient autant la musique que moi. Je me sens lié à la technologie, je veux qu'elle aime ce que je lui donne à faire.

Je suis toujours attentionné envers l'interprète, et parfois cet interprète est la PlayStation. Je peux décider de me forcer à faire des choses précises, ou forcer un musicien ou un ami, alors je ne peux pas composer sans garder l'interprète en tête, peu importe qui est cet interprète.

Schlarb : Est-ce que vous avez joué à Bloom, sur iPhone ? J'ai des enfants de sept et onze ans, et je les laisse y jouer quand je les conduis quelque part. Et ils y jouent pendant... une heure. Ils trouvent des choses vraiment intéressantes, auxquelles je n'aurais pas pensé moi-même.

Shaw-Han Liem

GSW : Shaw-Han, comment votre expérience de programmeur transparaît-elle dans les albums I Am Robot and Proud ?

Shaw-Han : Eh bien, j'ai passé mes années de lycées dans des groupes punk. Je suis ensuite allé à l'université, j'ai appris à utiliser des ordinateurs, et les deux se sont un peu chevauchés. J'imagine que pour tout le monde ici, l'ordinateur est le meilleur outil de composition dont ils disposent. Ça a été inventé pour avaler des chiffres, et c'est devenu une interface musicale géniale, pas vrai ?

GSW : J'imagine que vous et Baiyon devez vous produire dans les mêmes clubs de Kyoto. Vous vous souvenez de l'endroit où vous avez joué pendant votre tournée Uphill City ?

Shaw-Han : Je ne m'en souviens pas. C'était un peu comme le Metro...

Baiyon : Le Club Metro ?

Shaw-Han : Voilà.

Baiyon : Je m'y produis une fois par mois. Nous nous sommes rencontrés là-bas, mais tu ne t'en souviens peut-être pas. Je t'ai rencontré grâce à un ami, au bar, après ta partie. Tu avais l'air épuisé. Je t'ai demandé "tu es fatigué ?" et tu m'as répondu "oui".

Shaw-Han : Je crois que je suis passé à 4 heures du matin. C'était de la folie.

GSW : Shaw-Han réalise lui-même la partie visuelle de ses concerts. Pouvez-vous nous expliquer plus en détails votre travail ?

Shaw-Han : Pour la partie visuelle de mes concerts, j'ai besoin d'un MIDI translator. Tous ceux qui jouent d'un instrument dépendent d'un utilitaire MIDI, puis un ordinateur reprend toutes ces informations pour les retranscrire. J'utilise un traitement de données, qui me permet en fait de reproduire la rapidité de mon jeu sur le clavier.

Schlarb : C'est toi qui génère toutes ces données...

Shaw-Han : Voilà. Tous ceux qui sont sur scène, par exemple le batteur, génèrent des données. Mon idée est que cela fait un moment que je joue de la musique en concert, et que j'ai toujours trouvé qu'il y a une chose : quand vous regardez un type jouer de la guitare, il y a une très forte connexion visuelle et physique avec le public. On le voit jouer avec son bras, puis on entend le son qui sort des hauts-parleurs.

Schlarb : C'est la réaction de cause à effet.

Shaw-Han : Oui, et avec un concert électronique, on n'a pas toujours ce type de connexion. Je joue du clavier, mais je ne bouge pas beaucoup. Mon idée est d'introduire un élément capable de créer cette connexion visuelle. C'est un peu le principe de cause à effet, mais à l'envers. Avec la guitare, c'est ce qu'on voit qui provoque le son.

GSW : Baiyon, qu'avez-vous pensé après avoir terminé PixelJunk Eden et que vous avez appris qu'il y aurait de nouveaux niveaux dans l'extension Encore ?

Baiyon : Après la sortie de PixelJunk Eden, j'ai mieux compris ce dont les programmeurs sont capables. Pour Encore, la réflexion derrière la musique n'a pas vraiment changé, mais en ce qui concerne la partie visuelle, j'ai pu donner plus de détails aux programmeurs. Des petites choses, comme par exemple faire briller une plante quand on saute dessus. Les détails sont plus précis.

GSW : Travailler en équipe, qu'est-ce que cela change, par rapport au travail seul ?

Baiyon : Bien sûr, comme c'est du travail en équipe, il faut savoir communiquer avec les autres. Avant la production de PixelJunk Eden, je dessinais et je faisais de la musique. Quand on est un artiste solo, on se concentre sur le contrôle que l'on a du médium artistique. Mais j'ai trouvé que c'était trop ennuyeux, parce que cet exercice était trop facile à maîtriser.

C'est pour ça que j'ai voulu dépasser mes limites. Un jour, je suis allé dans une boutique de matériel d'art, j'ai fermé les yeux, et j'ai choisi des couleurs au hasard. Même si au final je n'avais choisi que du vert, j'ai pris ces couleurs pour peindre une fois chez moi. Cela a ajouté une note d'imprévu dans mon travail.

Mais c'est devenu ennuyeux. A l'époque j'étais encore étudiant, et ce que je faisais, c'est que quand quelqu'un allait jeter ses couleurs à la poubelle, je demandais si je pouvais les avoir. Si un étudiant qui avait finit une peinture laissait derrière lui de la gouache qu'il n'avait pas utilisé, je m'en servais pour mon propre travail.

Schlarb : On en revient à tes limites et, d'une certaine manière, jusqu'à quel point elles peuvent t'inspirer.

Shaw-Han : Je pense que plus vite on sait se servir d'un outil, plus tôt on commence à devenir créatif. Si l'outil est plus facile, il est plus rapide d'arriver au moment où l'on a tout essayé, et où il faut commencer à faire marcher son cerveau. Avant, on se demande "comment est-ce que je peux faire ça ?" Une fois ce cap franchi, c'est plutôt "bon, qu'est-ce que je veux faire ?"

Baiyon : Recevoir des réactions de la part des joueurs, c'est une expérience inédite pour moi. Chacun des joueurs a un sentiment unique quand il est devant ce jeu. J'ai pu constater de mes propres yeux la différence entre la façon dont j'imaginais qu'ils allaient jouer, et la réaction des testeurs quand ils découvraient le jeu pour la première fois. Ces testeurs avaient une impression différente de celle que je voulais leur offrir. C'était une expérience très intéressante.

Diamante : Ces réactions t'ont-elles fait changer d'avis ? Est-ce que tu as fait table rase et cherché à faire quelque chose de totalement nouveau, ou tu as simplement apporté quelques modifications çà et là ?

Baiyon : Lorsque les testeurs ont joué pour la première fois, ils ont dit que les plantes n'avaient pas l'air en vie. Ils avaient raison, alors j'en ai parlé aux programmeurs, pour voir s'il était possible de changer la forme et la couleur des plantes.

Schlarb : Il t'est arrivé la même chose, Vincent ?

Diamante : Oui, j'ai reçu des réactions de la part des joueurs et des programmeurs. Je ne pouvais pas changer ma musique. Quand je termine un morceau, je crois vraiment en son potentiel. S'ils cherchent quelque chose d'autre, je ne touche à rien, je leur donne tout simplement une toute nouvelle musique.

Baiyon : Je crois qu'il y a un lien très fort entre la musique et la technologie. De nos jours, tout le monde a son propre studio à la maison, et peut donc faire de la musique. Mais en réalité, ceux qui font vraiment de la musique sont rares.

Schlarb : Il faut pouvoir exprimer son univers.

Baiyon : Par exemple, quand tu choisis des samples de saxophone, c'est beaucoup plus excitant si tu sais comment jouer de cet instrument. Faire de la musique devient alors quelque chose de très intense.

Schlarb : Ce n'est que quand tu as atteint le niveau où tu es capable de créer facilement un moyen d'expression avec les instruments virtuels que tu peux commencer à faire quelque chose de véritablement personnel.

Baiyon : Je crois que cela devient dangereux, quand tu trouves un outil informatique tellement pratique que tu ne cherches même plus à explorer d'autres possibilités. L'important ne vient pas forcément de la technologie, ou de telle ou telle méthode de composition.

Schlarb : A mon avis, ce danger existe avec chaque instrument. N'importe qui peut prendre une guitare et jouer n'importe quoi, ou bien faire quelque chose qui n'a absolument aucune saveur avec un tenori-on.

Diamante : Enfant, je me disais que quand je serai grand, il y aurait beaucoup de personnes faisant de la musique. En fait, de nos jours, ils font surtout des blogs ou des vidéos pour YouTube. C'est assez surprenant, parce que faire des vidéos demande une technologie plus complexe.

Schlarb : Il est intéressant de constater que les gens sont plus intéressés par la compréhension et l'utilisation de la technologie que par l'envie d'en repousser les limites. Sur Internet, il y a énormément de choses inutiles. Les bloggeurs racontent ce qui leur passe par la tête, mais ne cherchent pas à devenir le nouveau Hemingway. La prolifération de la technologie semble encourager l'arrivée de ces contenus inutiles.

Shaw-Han : On dirait bien qu'il y a deux façons de voir les choses. Il y a ceux qui ont eu la chance de trouver une chose pour laquelle ils sont prêts à se dépenser sans compter, que ce soit pour le dessin ou la musique, ou autre chose. Ce que tu fais ne sera peut-être pas la meilleure musique du monde. Vous voyez ce que je veux dire ? Mais faire un morceau vraiment nul, c'est mieux que de toute ta vie te dire "je ne pourrais jamais faire ça".

Le nombre de choses inutiles par rapport aux choses intéressantes est bien sûr élevé, mais c'est une question de choix : soit on passe sa vie à penser que la musique, ce sont les autres qui la font, et qu'on va se contenter d'une coupe de cheveux ou de vêtements cool, soit on se décide à prendre la manette en pensant "hé, je peux faire de la musique..."

Je trouve qu'il y a quelque chose de remarquable dans ce type d'instant, quand on comprend que faire de l'art, ça n'appartient pas qu'aux autres.

Schlarb : Je suis bien d'accord avec toi.

Baiyon : Les limites qu'on s'impose peuvent être source d'inspiration. Après toutes ces expériences, je me suis rendu compte que j'aimais les choses aléatoires dans mon travail. Pour moi, l'important, c'est de pouvoir être fier de ma musique au final.

Shaw-Han : Je pense que, surtout avec la musique électronique, il faudrait y songer plus que ça. Avec un instrument acoustique, le côté aléatoire vient du contact physique avec l'objet.

Schlarb : Voilà. La façon dont tu règles ton instrument...

Shaw-Han : Quelle est la longueur de tes ongles quand tu joues de la guitare ? C'est cet aspect aléatoire qui donne de la physicalité au jeu. Avec des outils électroniques, c'est parfois tellement stérile. Quand tu charges ta chanson aujourd'hui, c'est exactement la même que si tu l'avais chargée hier. Les paramètres audio sont exactement les mêmes. Introduire ce côté aléatoire vient du fait que parfois, on aimerait entendre quelques erreurs. Après tout, l'erreur est humaine.

Baiyon : Se sentir soi-même en jouant de la guitare, moi, c'est une idée qui ne me dit rien. Je te force à me regarder en train de jouer, alors que ça ne devrait pas forcément se passer comme ça. Avec la musique électronique, tu peux te détacher des éléments visuels qui ne sont pas nécessaires à la musique.

Schlarb : Mais cela enlève ce qu'il y a de toi dans la musique.

Baiyon : Avec la peinture, je me demande toujours si j'ai vraiment besoin de toutes ces couches, toutes ces lignes. Si tu utilises un ordinateur, tu peux outrepasser beaucoup des difficultés de la peinture à l'huile. Je me demande juste si c'est vraiment nécessaire, s'il y a pas une solution plus efficace. Si tu fais une erreur sur ton ordinateur, tu peux simplement revenir en arrière. Tu ne gardes que ce dont tu as vraiment besoin.

Diamante : Je dirais que la peinture est en trois dimensions. Il lui faut une certaine densité, parce que c'est à partir de là qu'on lui donne du sens. Le peintre peut faire ce qu'il veut, mais je comprends vraiment les peintres qui acceptent que le sens que l'on donne à leur peinture n'est pas nécessairement celui qu'ils voulaient donner. Il peut se passer des choses pendant la création, et cette création est belle, d'une certaine manière. Le résultat est cette chose que le peintre a extrait de lui-même, et qui dépasse l'humanité. L'illustration restera longtemps après sa mort.

Schlarb : Quand on pense à quelqu'un comme Pollock, tout ce qu'il faisait était basé sur la physicalité. Lui-même n'aurait pas pu comprendre la profondeur et la complexité de son travail. Il y a un parallèle intéressant à faire avec le fait qu'un tel caractère aléatoire peut être simulé par une machine, alors même qu'elle ne possède pas la pensée humaine. Par équivalence, le monde électronique a cette part de propreté, et le monde physique, de désordre.

Shaw-Han : Ce que nous disons là revient à ce spectre de possibilités dont nous parlions plutôt. Dans le jeu vidéo, le fait est qu'on peut choisir si le joueur a une emprise ou non sur les choses. Parfois, cela peut se révéler intéressant de ne pas pouvoir contrôler quelqu'un, de simplement se retrouver au milieu d'un événement. Parfois, c'est vraiment super quand la chose que tu tiens dans ta main réagit à ce que tu fais.

En tant que personnes qui réalisent ces expériences, à certains moments nous pensons : "je veux que ce soit ma chanson". Sur le projet suivent, nous pouvons nous intéresser plutôt, par exemple, à la collaboration avec le joueur sur une chanson. Selon l'intention recherchée, nous pouvons nous déplacer sur ce spectre de possibilités.

Schlarb : Cette idée de "contrôle", selon moi, est extrêmement abstraite. J'en reviens à l'art visuel, parce que je pense à Mark Rothko. Ses peintures sont vraiment énormes. Si j'ai bien compris, il a fait ça pour donner l'impression à celui qui les regarde qu'il ne peut pas les contrôler. Une personne devant ces peintures se doit donc se rester humble. Je pense que nous reproduisons ce rapport dans l'interaction entre les gens et la musique. Soit nous dictons une conduite particulière, soit nous laissons le joueur contrôler ce que nous avons créé.

Shaw-Han : Oui, par exemple dans Guitar Hero, la musique est ton ennemie. Le but, on peut dire, est de la vaincre. Dans Flower, ton comportement et la musique fusionnent. Peu importe dans quelle partie du spectre de possibilités tu te places, cela s'exprime toujours dans ces décisions.

Baiyon : Je suis persuadé que des ordinateurs ne peuvent pas imiter mon travail. Je ne veux pas dire qu'il est complexe, mais plutôt qu'un ordinateur ne saurait décider quelle couleur ou quel trait convient le mieux selon moi. Quand tu regardes une peinture, tu ressens simplement quelque chose, peu importe qui l'a réalisée.

Shaw-Han : Pour moi, cette idée de physicalité dans la musique et de pourquoi c'est stimulant est liée au risque. Il y a toujours la possibilité que ce soit nul. Quand tu vois cinq musiciens en concert, tu te dis qu'à n'importe quel moment, tout peut se casser la figure. Ce risque rend les choses intéressantes. Ces cinq musiciens ont peut-être joué la même chose la nuit dernière, mais tu sais très bien que ça ne peut pas être exactement la même chose.

Baiyon : Le manque total de contrôle peut être intéressant, mais alors tout le monde tente le contrôler. Une fois qu'on a atteint ce contrôle, il y a toujours le besoin de passer à autre chose, quelque chose de nouveau.

[Images : Nicalis, Q-Games, Darla Records, Sony Computer Entertainment. Photos : Jeriaska.]

Un été SaGa

2009-06-26T22:04:00.006+02:00

Si vous êtes un fan incontesté de la saga SaGa (il en existe ?), vous n'avez sans doute pas raté l'annonce spectaculaire de Square Enix, il y a quelques semaines : la société compte en effet publier un coffret de 20 disques, ni plus ni moins, regroupant purement et simplement toutes les musiques de la série, soit environ 500 morceaux. 21 disques, en vérité, puisqu'un DVD contenant des interviews sera également de la partie. Le prix est évidemment à la hauteur de cette démesure : 21.000 yens, soit plus de 150 euros. C'est le plus gros coffret musical jamais commercialisé par Square Enix, et l'un des plus conséquents de l'histoire de la VGM (pour l'anecdote, Namco a failli sortir une compilation de 39 CD il y a 4 ans). Sortie prévue le 26 août prochain au Japon. Vous pourrez le faire importer, bien sûr, mais sachez qu'avec 1,7 kilos au compteur, les frais de port risquent d'être salés. Le site officiel du bijou est accessible à cette adresse, et le contenu est détaillé sous la jaquette :

CD1 : Makaitôshi SaGa, 1989, Nobuo Uematsu
CD2 : SaGa 2 Hihô Densetsu, 1990, Nobuo Uematsu et Kenji Itô
CD3 : Jikû no Hasha SaGa 3, 1991, Ryuji Sasai et Chihiro Fujioka
CD4 : Romancing SaGa, 1992, Kenji Itô
CD5 : Romancing SaGa 2, 1993, Kenji Itô
CD6 à 8 : Romancing SaGa 3, 1995, Kenji Itô
CD9 à 11 : SaGa Frontier, 1997, Kenji Itô
CD12 à 14 : SaGa Frontier 2, 1999, Masashi Hamauzu
CD15 et 16 : Unlimited: SaGa, 2002, Masashi Hamauzu
CD17 à 20 : Romancing SaGa -Minstrel Song-, 2005, Kenji Itô

Square Enix aurait même pu pousser le vice jusqu'à y ajouter les différents albums arrangés de la série, ce qui aurait ajouté quatre disques au total. Auquel cas il aurait fallu se dispenser de la mention "Original Soundtrack" sur le boîtier, mais rien n'est impossible. Il est assez ennuyeux de constater que la branche musicale de la société se refuse toujours à rééditer la bande originale d'Unlimited SaGa à part, ce qui est un vrai crime contre la VGM de qualité. Peut-être en verrons-nous la couleur à l'occasion de la promotion autour de la sortie de la bande originale de Final Fantasy XIII ? (pardonnez-moi, je rêve déjà !)

Ce coffret compte néanmoins un grand absent. Et pour cause : le jeu en question n'est pas encore sorti. SaGa 2 Hihô Densetsu: Goddess of Destiny est le remake sur DS du deuxième épisode de la série, et Square Enix vient tout juste d'annoncer sa date de sortie japonaise. Ce sera le 17 septembre. Mais que les mélomanes se rassurent, la société vient aussi d'annoncer qu'une bande originale sera publiée à part. Le lancement est fixé au 9 septembre prochain, et les précommandes vont commencer le 30 juin. Comme il n'y a qu'un seul disque, l'addition est déjà bien plus légère : 2500 yens (environ 18 euros). Et le poids est normal.

Les musiques originales étaient composées par Nobuo Uematsu et Kenji Itô, et c'est ce dernier qui a été appelé par les développeurs pour mettre tout ça à jour. Il y a un extrait sur le site officiel de l'album, ainsi que sur celui du jeu (une reprise de Uematsu).

Final Fantasy XIV, par Nobuo Uematsu

2009-06-05T15:12:00.009+02:00

C'est la grande nouvelle de l'E3 pour les férus de VGM, à n'en point douter. Nobuo Uematsu a ainsi été désigné pour composer l'intégralité des musiques de Final Fantasy XIV, le nouveau MMORPG événement de Square Enix, prévu actuellement sur PlayStation 3 et PC. Et je dis bien l'intégralité, puisque le musicien ne sera assisté d'aucun autre compositeur (au moins pour la version de base du titre), comme le confirme le blog de Dog Ear Records. Le dernier épisode sur lequel le musicien a travaillé en solo était Final Fantasy IX, sorti en 2000 au Japon. Pour rappel, il devrait aussi écrire la chanson thème de Final Fantasy XIII. Ce dernier est prévu pour fin 2009 au Japon, alors la chanson sera peut-être révélée au cours des prochains mois ! En attendant, son successeur Masashi Hamauzu n'a sans grande surprise produit que des merveilles, comme on a pu le constater dans la démo jouable.

Yoshitaka Amano est là lui aussi !

Mais je m'égare. Pour en revenir à FFXIV (j'ai du mal à croire que je parle de ce jeu !), le site américain IGN tient de la bouche même des développeurs de Square Enix que Nobuo Uematsu va explorer une grande variété de styles. Les premiers extraits disponibles versent dans un style épique tout à fait approprié pour ce type d'aventure. Voyez la première bande annonce du jeu ainsi que le site officiel. Le jeu est prévu pour le courant de l'année 2010 en sorte simultanée au Japon, en Amérique et en Europe. Vivement de nouveaux extraits !

Interview : Hiroki Ogawa (Dog Ear)

2009-06-01T10:16:00.005+02:00

Hiroki Ogawa est à la tête de Dog Ear Records, le label fondé par Nobuo Uematsu. Il est plus connu sous le pseudonyme de wappa, qu'il utilise sur le blog du label, mais il a aussi organisé les concerts de Lost Odyssey et Blue Dragon, ainsi que des Black Mages. Afin de rapprocher le public des musiciens, Dog Ear Records s'est lancé dans une série de spectacles au Japon, nommée Shinzoku Kaigi. La deuxième représentation s'est tenue récemment, et le public pouvait y rencontrer le quatuor CELLYTHM. Cet ensemble de violoncellistes interprète des reprises de groupes de rock, mais aussi de thèmes de la série Final Fantasy. Actuellement, Hiroki Ogawa travaille sur la bande originale de Guin Saga, la série animée dont la musique a été écrite par Nobuo Uematsu. Dog Ear Records vient également de publier sur iTunes le premier single du prochain album solo du compositeur, "Here Comes Conga Boy".

Interview réalisée par Jeriaska, traduite du japonais par Ryojiro Sato, de l'anglais par Jérémie Kermarrec. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch et en italien sur Gamesource.it.

Parmi les projets de Dog Ear Records, un DVD du concert Darkness and Starlight des Black Mages a récemment été publié au Japon. Avez-vous eu à surmonter des défis lors de l'organisation de son concert ?

Pour ce concert, nous avons proposé la musique de l'opéra de Final Fantasy VI. Il y avait près de vingt acteurs sur scène, ce qui n'arrive pas très souvent. Auparavant, il n'y avait que les Mages et le public. Nous ne pouvions répéter que dans un petit studio, et tout le monde était serré. Le jour du concert, c'était la première fois que tout le monde jouait sur scène ensemble.

Malgré ces défis, l'opéra a été un franc succès. Vous pouvez le voir en regardant le rappel, "Neo EXDEATH", que les musiciens étaient vraiment heureux d'avoir pu y arriver.

Le DVD n'est pas zoné, ce qui permet de l'importer facilement. Comptez-vous le distribuer en dehors du Japon ?

Pour le DVD, je n'en suis pas sûr, mais j'aimerais le négocier. On me le demande à chaque fois que je vais à l'étranger, pour la tournée Distant Worlds.

Quelles sont les principales différences, selon vous, entre des concerts comme Darkness and Starlight des Black Mages et les spectacles Shinzoku Kaigi ?

Le planning des concerts des Black Mages est très serré, le public se concentre sur ce qu'il se passe sur scène. Les spectacles Shinzoku Kaigi, en revanche, ont une ambiance plus chaleureuse, alors nous n'avons pas besoin de nous tenir au planning. Le spectacle devait durer deux heures, mais nous avons débordé de près de trente minutes.

L'ambiance de ce type de rencontre dépend du public, et c'est pour cela que nous les organisons. Cela donne l'occasion de communiquer directement avec le public, jusqu'à faire la queue pour se serrer la main après.

L'expression Shinzoku Kaigi signifie "rencontre familiale". Qu'est-ce qui selon vous a motivé l'idée de cette série d'événements ?

Nous avons organisé le premier Shinzoku Kaigi en novembre dernier à Daikanyama [un quartier de Shibuya, à Tokyo]. La salle de concert pouvait accueillir environ mille personnes, mais la prochaine fois nous en attendons 250 à la salle DUO de Shibuya.

Cet événement permet à la fois de promouvoir les artistes dont la musique a été distribuée par notre label, et d'offrir un spectacle mémorable à ceux qui viennent les écouter. Parmi les participants se trouvaient Suika Yonezawa, une chanteuse dont les premiers titres ont été publiés sur iTunes. Il y avait aussi Manami Kiyota, connue pour sa participation à Final Fantasy Song Book mahoroba.

Ensuite, CELLYTHM a joué, puis il y a eu une discussion menée par Tsutomu Narita, un arrangeur qui a travaillé sur Guin Saga. A la fin de l'événement, il y a eu une présentation organisée par Michio Okamiya et Kenichiro Fukui des Black Mages.

La bande originale de Guin Saga devrait sortir le 24 juin. Comme il s'agit d'un anime, est-ce un projet différent pour Dog Ear Records ?

La musique de Uematsu pour Guin Saga est très réussie. Bien sûr, la principale différence entre les jeux et les animes vient du fait que dans les premiers, la musique joue en boucle. Par exemple, dans un jeu, une piste se lance quand vous entrez dans un village. Mais comme les créateurs ne peuvent pas savoir quand vous allez quitter ce village, la musique est fait de telle sorte qu'elle joue indéfiniment. En revanche, dans les animes, la production contrôle ce qu'il se passe à la seconde près. Pour cela, le processus de base de la composition est très différent entre les jeux et les animes.

Comment se fait-il que Dog Ear Records travaille avec Aniplex pour la bande originale ?

Nous avons reçu une demande de [Henry] Goto, d'Aniplex, l'un des producteurs de Guin Saga. Il cherchait obstinément le compositeur idéal pour le projet et, un jour, il a entendu le thème de combat de Lost Odyssey dans les bureaux d'Aniplex. Il a appris qu'il était signé Nobuo Uematsu, de la série Final Fantasy, et a stipulé que c'était le son idéal pour le projet.

Vous écrivez sur le blog de Dog Ear Records sous le surnom Wappa. Y a-t-il une différence entre vos tâches en tant que Wappa et en tant que M. Ogawa ?

Ce n'est pas vraiment important, mais vous savez peut-être que les Japonais aiment ajouter "ppa" et "cchi" à la fin des surnoms ? Il se trouve que dans l'un de mes précédents jobs, on m'appelait "Ogawappa". Vous savez tout.

Je crois que je suis connu à la fois en tant que Wappa et en tant qu'Ogawa. Certains croient peut-être que ce sont deux personnes différentes. (rires) En fait, il y a une histoire derrière cela. Quand j'ai commencé à travailler pour la société, nous avons pensé, pour des raisons d'organisation, qu'il fallait séparer les activités de répondre aux demandes des clients et d'écrire sur le blog. J'ai donc utilisé deux noms pour ces tâches séparées. Mais maintenant, on me connaît plus en tant que Wappa, et j'espère que de plus en plus de personnes en dehors du Japon me connaîtront ainsi aussi. (rires)

Vous avez parlé de CELLYTHM. On associe rarement le violoncelle au hard rock, mais plusieurs de leurs pistes sont des reprises des Black Mages. Comment avez-vous décidé que ce quator convenait à des arrangements hard rock de la série de Square Enix ?

CELLYTHM a débuté quand nous réfléchissions à la première partie du concert Darkness and Starlight des Black Mages. Ante [de Final Fantasy Remix] était déjà prévu, mais il nous fallait un autre groupe.

Un peu avant, Uematsu avait découvert Apocalyptica, un groupe de heavy metal finlandais qui comprend trois violoncellistes et un batteur. Il aimait le résultat et a donc eu l'idée de trouver un ensemble de violoncelles. Il adore les grandes possibilités offertes par cet instrument, et ses ressemblances avec la voix de l'homme. L'idée était de trouver quatre femmes capable de jouer des morceaux de rock avec le violoncelle, pour couvrir le répertoire des Black Mages et de quelques groupes de rock et années 70 et 80.

L'un des critères clés était qu'elles devaient pouvoir jouer de manière agressive, quelque chose de plutôt inhabituel pour les joueurs de musique classique. Finalement, nous avons choisi un homme et trois femmes pour composer le groupe. Ils ont joué trois arrangements de Final Fantasy lors de la première partie des Black Mages.

Qui a arrangé la musique des Black Mages pour le violoncelle ?

Pour le concert, tous les arrangements étaient signés CELLYTHM. Pour leur album, Cellythm - Those Who Distorted, les arrangements ont été réalisés par L.Gallardo d'Anata o Yurusanai, Narita de Guin Saga et Okamiya des Black Mages.

L'album sera-t-il disponible sur iTunes, comme les précédents sorties de Dog Ear Records ?

Nous avons récemment réfléchi à cette possibilité. Notre priorité reste de distribuer notre musique en dehors du Japon.

Que pouvez-vous nous dire de NOBIYO Uematsu and the Dog Ears, le prochain projet sur lequel travaille Dog Ear Records ?

C'est un album joyeux dont l'une des compositions devrait contenir des paroles que Uematsu a écrit quand il était au collège. Dans le travail, il n'est pas toujours possible de faire ce que l'on veut vraiment. C'est la raison pour laquelle, pour ce projet, Uematsu écrit la musique qu'il veut écrire.

L'album devrait aussi être accessible pour un jeune public. Uematsu s'inspire du style de ses premières compositions pour toutes les pistes de l'album. Nous en sommes à la préparation, mais l'une des pistes écrites récemment ["Here Comes Conga Boy"] est terminée et disponible sur iTunes.

C'est à 100% ce que Uematsu veut faire actuellement. Cela fait plus de vingt ans qu'il écrit de la musique de jeu vidéo, alors après tant d'années de labeur, ce type de projet devient particulièrement précieux. C'est pour cela que je pense qu'il apprécie vraiment ce projet.

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[Images : Aniplex Records et Dog Ear Records. Photos : Jeriaska]

L'été selon Nobuo Uematsu

2009-05-29T19:56:00.005+02:00

Je ne sais pas pour vous, mais aujourd'hui vendredi 29 mai, le temps est magnifique par chez moi. C'est donc avec un plaisir de circonstance que j'ai téléchargé le premier single du futur album solo de Nobuo Uematsu, un disque intitulé 10 Stories. Il avait déjà été évoqué par le compositeur il y a quelques semaines dans une interview (voir le forum), mais c'est désormais du sérieux. Tel que l'indique le site officiel du single, Nobuo Uematsu a composé et écrit les paroles de toutes les chansons de ce nouveau projet. La première chanson se nomme "Here Comes Conga Boy", et pour dire les choses simplement, ça dépote pas mal.

La chanson est disponible dans le monde entier via iTunes (pour la France, cliquez ici !). Comme le champ Artiste est resté en japonais (ça aide pour vendre, faut dire), sachez que le petit groupe qui se cache derrière ce concentré de joie porte le nom de NOBIYO Uematsu and the Dog Ears. Totalement Katamari Damacy dans l'esprit, cette première chanson laisse espérer un album très festif. Il ne reste plus qu'à espérer connaître la date de sortie du disque entier dans un futur proche.

Critique éclair : Sanctuary

2009-05-28T18:18:00.009+02:00

Sanctuary / THE STAR ONIONS
Musique composée par Naoshi Mizuta, Kumi Tanioka et Nobuo Uematsu, arrangée par Takahito Eguchi, Masakazu Sugimori, Masato Kôda et Naoshi Mizuta. Cliquez ici pour plus d'informations.

Le premier album des Star Onions n'était pas toujours du meilleur goût, il faut bien l'admettre. Je passe sous silence les désastres signés Masato Kôda (ne l'accablons pas). Mais le reste avait souvent un côté synthétique trop prononcé, pas forcément en accord avec l'univers de Vana'diel, aux inspirations médiévales et exotiques. Naoshi Mizuta a rectifié le tir avec ce deuxième album, au nom lui-même évocateur : Sanctuary. On ne sait plus trop ce à quoi correspond le nom du groupe, puisque seul Mizuta joue d'un instrument sur le disque, mais cela n'a pas vraiment d'importance... Sanctuary est une franche réussite, portée par le son tantôt apaisant, tantôt mystérieux des instruments acoustiques. Le synthétiseur est banni, c'est tout juste si les deux dernières pistes rappellent à certains égards le côté electro-pop du dernier album. Entre les ballades portées par la flûte ou la guitare ("Voyager" et "Gustaberg", fantastiques), les ambiances lugubres mais fascinantes où se glisse parfois l'accordéon ("Xarcabard" et le thème de Promyvion) et les fusions tango-rock-acoustique totalement jouissives ("Fighters of the Crystal" et "Rapid Onslaught -Assault-" !), le disque a beaucoup à offrir. A écouter et réécouter sans cesse en cette fin de printemps où la chaleur nous gagne à nouveau.

Appréciation : excellent

Voyez également mon article sur FFWorld, pour en savoir plus.

Cliquez ici pour acheter l'album sur Play-Asia

Persona 4, interview avec Shoji Meguro

2009-05-06T15:00:00.012+02:00

C'est la semaine dernière qu'est sorti au Japon le remake sur PSP du premier Persona, publié par Atlus. Pour la première fois, le compositeur Shoji Meguro est en charge de la réalisation. En ce début mai sort également, en Amérique cette fois, le nouvel épisode de la série Devil Summoner, Raidô Kuzunoha VS. King Abaddon. La bande originale est composée par Meguro lui-même. En août de cette année, trois morceaux de Persona 4, écrits par le compositeur, figureront au programme du concert Press Start: Symphony of Games au Tokyo Metropolitan Art Space à Ikebukuro. Dans cette interview, Shoji Meguro revient sur Persona 4, et tout particulièrement sur l'utilisation des chansons à la fois dans les cinématiques et les combats, ainsi que sur le rôle joué (ou non) par le scénario du jeu.

Interview réalisée par Jeriaska, traduite par Ryojiro Sato. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch, en italien sur Gamesource.it et en japonais sur Game Design Current.

M. Meguro, merci de vous joindre à nous pour discuter de la bande originale de Persona 4. Shin Megami Tensei: Devil Summoner 2 va bientôt sortir en Amérique. La bande originale joue-t-elle un rôle essentiel dans la création de l'ambiance de l'ère Taishô, au début du XXème siècle au Japon ?

Shoji Meguro : Les musiques de la bande originale ne visent pas toutes à représenter l'ère Taishô, à travers des instruments traditionnels japonais ou des mélodies spécifiques. La série Raidô dispose d'une atmosphère unique, et quand j'ai réfléchi aux musiques, j'ai voulu correspondre à cette atmosphère.

Dans le thème d'ouverture, c'est le shakuhachi qui permet de définir la période. Il s'agit d'une flûte en bambou à embouchure libre. Je crois que pour la plupart des gens, elle produit un effet immédiat. Je trouve que cet instrument seul suffit à reproduire l'atmosphère de l'ère Taishô.

Certains sites tels que Gamasutra et Kotaku ont décelé la thématique de la personnalité refoulée dans Persona 4. Cette thématique semble évoquée dans les titres des pistes, "Pursuing My True Self" et "Reach Out To The Truth". Avez-vous délibérément cherché à refléter le leitmotiv de l'aveuglement à son propre égard ?

On peut dire qu'il existe un lien entre la logique absolue et la bande originale de Persona. A propos de mon travail en tant que compositeur, le thème d'ouverture "Pursuing My True Self" m'a d'une certaine manière aidé à souligner la psychologie des personnalités explorées par la bande originale.

Si en apparence, les protagonistes se conduisent calmement, en réalité ils sont en conflit. Le thème de combat "Reach Out To The Truth" exprime la forte détermination de ces personnages alors qu'ils cherchent à triompher de leurs conflits intérieurs.

"Reach Out To The Truth" sert d'accompagnement aux combats à l'intérieur du Midnight Channel. La chanson fera partie du programme du concert Press Start: Symphony of Games, une première pour la série. Comment avez-vous travaillé avec la chanteuse Shihoko Hirata pour insuffler autant de dynamisme émotionnel dans la chanson ?

J'ai commencé par chercher une chanteuse capable de représenter le contexte de Persona 4, et c'est comme cela que j'ai rencontré Shihoko Hirata. Sans aucune hésitation, j'ai été convaincu que Mme Hirata devait faire du projet. En ce qui concerne le résultat dans la bande originale, j'ai pu lui faire confiance et ainsi lui laisser exprimer le degré d'émotion très difficile que la chanson exigeait.

En écrivant "Pursuing My True Self", connaissiez-vous les éléments de l'histoire tournant autour d'un mystérieux assassinat ou bien des conflits intérieurs des personnages ?

J'ai écrit la musique de l'ouverture avant, mais j'avais bien reçu un aperçu très schématique du scénario. Pour cette raison, composer une bande originale ressemble à l'écriture d'une histoire. D'abord, il faut absolument avoir en tête l'impression générale, puis ensuite s'intéresser aux petits détails tels que la mélodie de chaque piste. Personnellement, je bâtis un cadre pour me guider dans mon avancée. Ce n'est qu'ensuite que je commence à composer. Les petits détails s'ajoutent en même temps que l'histoire se développe, et que les dialogues parlés sont enregistrés.

La bande originale semble avoir été encore mieux accueillie que ce qui était attendu. Comment expliqueriez-vous le succès de cet album ?

Quand le moment est venu de publier l'album, une très grande attention a été apportée à chacune des pistes. Les chansons, en particulier, ont été corrigées pour que la balance soit optimale. La masterisation a été optimisée pour l'enregistrement en 24 bit/48 kHz.

Plus d'informations sur la B.O. de Persona 4

Qui a écrit les paroles de ces chansons ?

C'est le travail de Reiko Tanaka. Nous avons travaillé sur trois chansons ensemble depuis Persona 3. Ses paroles en anglais sont excellentes.

Selon une interview dans le magazine Play, votre première piste pour Atlus était "Aria of Soul", le thème de la Velvet Room du premier Persona. Comment avez-vous conçu le remix de la chanson dans la bande originale de Persona 4, publiée par Aniplex Records au Japon, et comment aimeriez-vous arranger la piste à l'avenir ?

"Aria of Soul" se retrouve sous la même forme dans Persona 3 et 4. J'ai trouvé que la chanson avait été très bien reprise dans le précédent épisode. C'est pour cela que les prochains arrangements devraient être similaires en terme de structure. J'ai une petite idée pour les prochaines évolution du thème, mais c'est encore un secret. (rires) "Electronica in Velvet Room" a été ajoutée dans la bande originale en tant que piste bonus, elle n'a donc aucun lien avec le jeu.

Pour conclure, vous avez dit dans une précédente interview que vous avez étudié la construction mécanique à l'université. Cette formation a-t-elle bénéficié à votre travail dans le domaine de la musique électronique ?

Jusqu'à mon arrivée à l'université, je savais que je voulais devenir scientifique (au lycée, je m'étais concentré sur les mathématiques et la science), et je m'intéraissais beaucoup à la technologie. A l'époque, je trouvais cela naturel que cet intérêt concerne aussi les instruments de musique électronique.

Pour quelqu'un qui s'intéresse à la composition pour les jeux vidéo, c'est un avantage certain de se retrouver dans un bâtiment rempli d'ordinateurs. En ce sens, mon expérience de la programmation depuis le lycée a été extrêmement utile.

[Images : Atlus. Vous pouvez acheter la bande originale de Persona 4 en import sur Amazon.co.jp.]

Interview vidéo avec Noriyuki Asakura

2009-04-30T18:42:00.003+02:00

Vous avez peut-être déjà lu l'interview avec Noriyuki Asakura publiée il y a quelques semaines. Si vous désirez voir l'homme répondre en personne aux questions, c'est possible, grâce à cette vidéo qui reprend l'interview, avec quelques petites informations inédites en guise de bonus. Et, bien sûr, un accompagnement musical permettant de cerner la fameuse "musique progressive asiatique" théorisée par le musicien.

L'ombre de Tenchu from Jeriaska on Vimeo.

Neurovision, par Mitsuto Suzuki

2009-04-13T22:47:00.003+02:00

Mise à jour : Neurovision est à nouveau disponible sur le store français d'iTunes ! Cliquez ici pour le télécharger (7,92 euros). Et n'oubliez pas que vous pouvez aussi retrouver In My Own Backyard en cliquant ici.

Ce Mitsuto Suzuki est un sacré numéro. Un ancien de Konami arrivé chez Square Enix en 2006, il n'est officiellement "que" programmeur du synthétiseur, en charge notamment de Project Sylpheed, Sigma Harmonics et, en ce moment-même, Final Fantasy XIII. Mais il fait depuis lors son petit bonhomme de chemin, contribuant d'abord généreusement aux trois Square Enix Music Official Bootleg avant de lâcher une bombe en novembre 2007 : In My Own Backyard, un album solo distribué via iTunes par Square Enix. Certes, cette bombe était finement préparée par les official bootlegs, mais le style unique du musicien a littéralement éclaté au grand jour. Je me souviens encore d'avoir perdu ma mâchoire devant "Sound of Dream", merveilleuse chanson planante dont le nom tient définitivement sa promesse.

Plus d'informations sur Neurovision

Le revoilà en ce début d'année 2009 avec un deuxième album solo qui se place dans la continuité directe du premier. Neurovision est lui aussi publié sur iTunes par la société qui l'emploie. Dix nouvelles pistes inédites qui explorent plus profondément encore les inspirations électroniques de cet étonnant faiseur d'ambiance. Tout n'est peut-être pas de très bon goût, encore que cela dépende largement des préférences de chacun, mais il y a des moments magiques qui valent sans conteste le déplacement. Dans les morceaux chantés, l'influence Daft Punk est plus que jamais omniprésente : voix robotiques qui se répondent indéfiniment les mêmes mythologies spatiales (piste 9, "Recall"), chant monochorde ni vraiment masculin, ni vraiment féminin (piste 1, "Neuro vision") ou chœurs aussi diffus que pénétrants (piste 7, l'excellente "Something"), il serait difficile de ne pas remonter jusqu'au groupe français.

C'est cependant la partie instrumentale de Neurovision qui est la plus magique. La recette est pourtant bien similaire : Suzuki est un adepte de la musique électronique douce et planante, toujours voilée par une sorte de flou rêveur auquel il est difficile de résister. "Spring coat" et "Seasons of Change" sont de loin les meilleurs morceaux. Le premier est un long crescendo aquatique, tandis que le second s'offre un rythme plus vif et un final façon voix automatique à l'imaginaire futuriste si peu attendu (on dirait même la logorrhée new age de la station de radio "The Journey" de GTAIV). A noter que "Seasons of Change" forme un enchaînement frappant avec "Something", que j'ai déjà qualifiée d'excellente mais qui mériterait bien plus de superlatifs pour illustrer la beauté cotonneuse et subtilement rétro de ses passages les plus intenses.

Mitsuto Suzuki

"Neuro vision", "Dream real" et, surtout, "Realize" se lancent dans un style beaucoup plus orienté techno que musique électronique, ce qui les rend malheureusement assez superficielles. Non, le musicien ne réussit pas à nous marquer autant qu'avec ses ambiances tantôt glacées, tantôt aériennes. La reprise de "Clear" d'In My Own Backyard figure très bien ce style enchanteur. Et si... et si Mitsuto Suzuki composait un jour dans ce style pour un jeu vidéo ? Tout laisse à penser que ce serait le jeu qui serait porté par la musique, et non l'inverse. Il a déjà donné à Dissidia une reprise cristalline toute justifiée du fameux "Prelude" de Nobuo Uematsu. Bon, un Final Fantasy, ce n'est peut-être pas le meilleur choix pour ce style. Eh bien, nous verrons quel développeur de Square Enix sera le premier prêt à faire ce pari.

Interview Kenji Ito et Masahiro Sakurai

2009-04-10T21:18:00.003+02:00

Le 21 février 2009 s'est déroulé, à la salle Uchisaiwaicho Hall de Chiyoda, Tokyo, un événement en honneur de la musique de Kenji Ito : "gentle echo meeting". Le spectacle, organisé par le studio Harmonics International, consistait en un petit concert suivi d'une discussion. Un groupe formé de cinq musiciens (dont Kenji Ito au piano et à la guitare) a interprété cinq pistes issues du répertoire du compositeur, et notamment de sa contribution au monde du RPG japonais.

Entre les pistes, Kenji Ito a pris le temps de discuter avec Masahiro Sakurai, le réalisateur de la fameuse série Smash Bros. de Nintendo. Sakurai est une figure très connue au Japon, notamment suite à sa participation à la série de concerts Press Start: Symphony of Games. Dans cette interview, Kenji Ito et Masahiro Sakurai sont rejoints par Koji Suga, de Harmonics International, pour discuter de l'organisation de cet événement.

L'interview, conduite à l'origine en anglais par GameSetWatch, est disponible en français sur Squaremusic, en japonais sur Game Design Current et en italien sur Gamesource.it.

Critique éclair : Star Ocean 4 OST

2009-04-04T21:01:00.006+02:00

Star Ocean -The Last Hope- Original Soundtrack
Musique composée et produite par Motoi Sakuraba. Cliquez ici pour plus d'informations.

C'est étrange, mais j'ai eu de l'espoir jusqu'au bout. Comme si Infinite Undiscovery m'avait ensorcelé. La chute a été d'autant plus difficile. Pourtant, c'était à prévoir : accablé par le travail, Sakuraba n'a vraiment plus le temps de se réinventer, ni même de réfléchir. La bande originale de Star Ocean 4 se noie dans son propre style, qui n'est désormais rien de plus qu'une auto-parodie involontaire du compositeur. Ces pistes orchestrales bourrées de cuivres pénibles, ces bouillies spectaculaires en apparence mais d'un vide cosmique, ces morceaux sans aucune mélodie captivante ; tous sont d'un terrible ennui et n'ont pas même un semblant de saveur. Il n'y a même pas une "grande" piste pour porter le reste. Seul le penchant progressif de Sakuraba parvient à le sauver : entre les horreurs se niche une petite collection de déchaînements à la sauce rock progressif tout à fait magnifique. Depuis "Blood on the Keys", premier bijou, jusqu'à l'apothéose "Brilliant Rose", en passant par des merveilles semble-t-il sorties d'une époque où Sakuraba était génial ("Night of the Chase" ! "Don't Be a Hero" !), il y a tout juste de quoi avoir un brin d'espoir. Non, non, je n'ai rien dit. L'espoir, je l'ai déjà eu. C'est fini désormais. Et tri-Ace qui se prépare à annoncer un nouveau RPG. Nous n'avons pas fini de regretter Motoi Sakuraba, avec un grand M et un grand S.

Appréciation : très faible

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Critique éclair : FFCC Echoes of Time

2009-03-02T20:24:00.001+01:00

Final Fantasy Crystal Chronicles Echoes of Time OST
Musique composée et arrangée par Kumi Tanioka. Synthétiseur programmé par Yasuhiro Yamanaka. Cliquez ici pour plus d'informations.

En 2003, Kumi Tanioka nous avait tous épaté avec la merveilleuse bande son de Final Fantasy Crystal Chronicles, portée par le son pénétrant de ses instruments anciens. Quelques années plus tard, le constat était amer avec Ring of Fates, deuxième épisode de cette série réservée à Nintendo... Bien que justifié par la compositrice, l'aspect orchestral de la bande originale s'était révélé très fade. Echoes of Time, dernier épisode en date, ressemble visuellement à une copie carbone de Ring of Fates. Et pourtant, musicalement parlant, c'est une toute autre histoire : libérée d'un scénario pseudo-dramatique, Tanioka s'est replongée dans les racines rêveuses de la saga. Place à une instrumentation plus pimentée (dans les limites du possible, nous sommes sur DS), avec notamment beaucoup de flûte de pan, d'étonnants solos de cornemuse, quelques accompagnements à la guitare acoustique, des percussions entraînantes... L'ambiance globale est très séduisante. Les thèmes de combat font partie des plus réussis : les deux pistes "Boss" du CD1 se démarquent par l'utilisation de la cornemuse, tandis que sur le CD2 se trouvent deux morceaux remarquables, l'un mystique (piste 5, à la "Awakening" de FFXI), l'autre d'un rock gothique aux sonorités curieusement nostalgiques (piste 18, on dirait presque le final de "Dancing Mad"). Un grand bravo à Tanioka pour ce retour en force !

Appréciation : bon

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Questionnaire de Denys : Noriyuki Iwadare

2009-02-28T22:50:00.000+01:00

Profitant d'un voyage d'étude d'une année au Japon, un étudiant français en musique a demandé à des compositeurs japonais mais aussi français de répondre à un même questionnaire. Après les réponses de Yasunori Mitsuda, voici celles de Noriyuki Iwadare, musicien reconnu notamment pour son travail remarquable sur la série Grandia, mais aussi pour des séries moins connues telles que Lunar et Langrisser. Plus récemment, il a activement participé aux musiques de Phoenix Wright et de ses suites.

Comment voyez-vous l'avenir de la musique de jeu vidéo ?

Le cinéma a enfin été reconnu comme patrimoine culturel environ 100 ans après sa naissance. Je pense qu'il en sera de même en ce qui concerne les jeux dans, disons 80 ans.

La musique de jeux a bien souvent évolué au gré des contraintes techniques, et s'est « formée » sur le tas, à travers les essais et les erreurs des compositeurs. On y trouve aussi bien des morceaux techniques utilisant par exemple les synthèses PSG et FM, que des morceaux élaborés avec une orchestration magistrale. Je pense que le point commun entre tous ces types de morceaux, c'est le concept de « boucle » musicale.

Les morceaux actuels se contentent d'être joués en boucle, mais dans l'avenir, il ne fait aucun doute qu'on passera d'une musique répétitive attribuée à chaque lieu (ou niveau), à une musique réceptive à l'environnement, qui se modifiera en conséquence.

Comment voyez-vous l'avenir du métier de compositeur de musique de jeu ?

La situation actuelle est malheureusement difficile car les droits d'auteurs sur les morceaux sont définis par le facteur « temps d'écoute ». En effet, la durée d'écoute des morceaux est complètement dépendante du joueur, donc on ne pas dire que les auteurs touchent ce qu'ils devraient à l'heure actuelle. Tant que ce problème ne sera pas résolu, l'avenir des compositeurs de jeux reste incertain.

Quelle est, d'après vous, la part de composition pure dans l'emploi du temps d'un compositeur de musique de jeu ?

Pour moi, composer, c'est une réflexion tout au long de la journée et je pense qu'il en est sans doute de même pour la plupart des gens qui composent. Dans les faits, je compose beaucoup de nuit.

Le temps est-il d'ailleurs votre principal ennemi ?

C'est vrai qu'il est toujours bon d'avoir beaucoup de temps devant soi, mais avec des délais imposés, il est plus simple pour moi d'organiser mes repères et ainsi achever quelque chose. Il faut consacrer du temps pour l'élaboration de morceaux d'images (et il arrive souvent de ne pas pouvoir le faire), en dehors de cela, je ne considère pas la limite de temps comme un problème.

En général, vos premières esquisses sur un morceau sont plutôt harmoniques, mélodiques ?

Vous voulez certainement parler de l'ordre dans lequel je crée les accords et la mélodie. Je compose en principe à partir d'une mélodie, il arrive cependant que cela ne soit pas le cas. Un fois celle-ci composée, je décide des accords, et une fois la structure générale du morceau déterminée, j'en termine l'arrangement.

On voit assez rarement les compositeurs être impliqués dans des jeux de rythme/musique. Les interfaces tactiles (Tenori-on, pads Korg, etc.) étant de plus en plus courantes en MAO, aimeriez-vous créer un projet utilisant par exemples les fonctionnalités de la Wii, DS ?

Ce n'est pas prévu, malheureusement.

Lorsque vous avez le choix, préférez-vous la flexibilité des instruments virtuels et du MIDI ou bien le naturel de vrais instruments enregistrés ?

Chacun a ses avantages et ses limites. J'aime bien les deux et les utilise en fonction des besoins.

Quels sont les morceaux les plus difficiles à composer ?

Je pense que tout nouveau morceau, quelle que soit sa catégorie est difficile à imaginer et à créer. Chaque morceau étant unique, chaque fois que je compose un nouveau morceau je trouve cela difficile !

Que deviennent vos morceaux non retenus pour un jeu ?

Je les garde. J'ai déjà un immense stock de morceaux et s'il est vrai qu'il m'arrive de temps en temps de les utiliser pour d'autres jeux, cela reste rare car j'imagine les morceaux en fonction de chaque environnement spécifique au projet.

Votre sentiment sur :

L'édition des disques de musique de jeu : Vous voulez sans doute parler des soundtracks. Je pense que c'est une bonne chose car elles permettent aux joueurs d'écouter les morceaux qui passent inaperçus pendant le jeu. C'est aussi un plaisir pour les compositeurs que de garder ses créations sous une forme concrète.

Les concerts de musique de jeu : J'ai eu récemment la chance de participer à un concert orchestral de jeux (Tokyo Philarmonic) et un concert de Gyakuten Saiban. Je souhaite vraiment qu'il y ait de plus en plus de concerts de ce type, orchestraux ou non.

Les albums arrangés : Je suis toujours plus à l'aise avec les musiques originales, mais les albums arrangés sont aussi intéressants, je pense qu'il faut qu'il y en ait de plus en plus. Chaque fois que je termine un morceau, je me dis que j'ai réalisé une musique parfaite ! Mais avec le recul, je trouve toujours des points qui auraient pu être améliorés. J'espère donc arriver à réaliser des musiques parfaites, c'est-à-dire des morceaux qui sont convaincants à mes yeux.

Pouvez-vous, s'il vous plaît, nous dire deux mots de vos projets récents ou à venir ?

Un album nommé « Message » est sorti le 24 décembre 2008. Il s'agit d'un projet passionnant de collaboration entre des compositeurs de jeux vidéos et des chanteuses d'Animé. Je vous invite à écouter les extraits à cette adresse. Je participe aussi à un projet de simulation amoureuse prévu l'année prochaine sur PS2 « Academy », à un jeu DS « Gyakuten Kenji » et à d'autres projets dont je ne peux malheureusement pas parler à l'heure actuelle. Vous pouvez consulter les sites web pour plus de détails.

Selon vous, quelle place occupe le jazz dans la musique de jeu vidéo ?

Beaucoup d'artistes introduisent déjà des éléments de Jazz dans leur créations, et, la musique de jeux étant véritablement ouverte à tous les genres, je pense que cela ne pose aucun problème du moment que ça colle à l'ambiance du jeu. J'étudie le Jazz moi-même petit à petit.

Un mot pour la fin ?

Merci beaucoup pour ces moments de réflexion agréable. Continuons nos efforts pour faire connaître davantage la musique de jeux à travers le monde ! Merci !

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Décembre 2008.
Questions de Denys Fontanarosa. Merci beaucoup à monsieur Iwadare d'avoir accepté de répondre à ce questionnaire et à Kahori Ezaki de le lui avoir transmis. Encore une fois merci à Jonathan Khersis pour son excellente traduction !

Quand Takeharu Ishimoto s'ennuie (2)

2009-02-22T21:00:00.008+01:00

Je vous parlais il y a quelques semaines des passe-temps musicaux de Takeharu Ishimoto. Il se trouve qu'il y a maintenant un mois, tout ceci s'est "matérialisé" sous la forme d'une sortie iTunes de la chanteuse SAWA, qui interprète toutes les chansons en solo d'Ishimoto. 333, ou Three Three Three, est le nom de cet album, qui regroupe les pistes disponibles sur le MySpace du compositeur, mais aussi celui de la chanteuse. Petite déception tout de même, "Please don't leave me" et la jolie version unplugged de "Stay Away" n'y trouvent pas place. Enfin bon, il reste "Nowhere" (toujours aussi démente) et une poignée de titres inédits de qualité, comme la très douce "One Thing". Pour un peu moins de 8 euros, ça vaut franchement le coup. En tout cas si vous aimez Ishimoto, qui a composé toutes les pistes (et qui joue de la guitare). Quiconque a aimé The World Ends with You devrait s'y sentir en terrain connu.

Acheter l'album 333 sur iTunes (7,92 euros)

Interview avec Vincent Diamante

2009-02-18T16:30:00.008+01:00

Flower est le nouveau projet de thatgamecompany, une équipe de designers qui s'est constituée alors qu'ils étaient encore étudiants en médias interactifs à l'University of South California. Ce titre, disponible en téléchargement sur le PlayStation Network, propose au joueur de s'envoler dans le ciel pour se laisser porter par le vent et faire éclore des fleurs. Les contrôles sont d'une simplicité déconcertantes : il suffit d'incliner la manette Sixaxis de la PS3 pour changer de direction, et d'appuyer sur un bouton pour accélérer. La musique joue un rôle central dans le jeu, et c'est Vincent Diamante qui l'a composée. Ce diplômé de l'USC a réussi à écrire une bande son aussi douce que pénétrante, et ce en superposant des couches d'instruments qui évoluent selon les mouvements du joueur dans les niveaux. Steve Johnson, du studio Sony de Santa Monica, l'a accompagné dans son travail en dirigeant la partie sonore du titre. Dans cette interview, Diamante raconte son expérience sur ce jeu aussi unique que formidable.

Interview réalisée par Jeriaska. Le texte original est disponible en anglais sur GameSetWatch, également traduit en russe sur Game-OST.ru et en italien sur Gamesource.it.

Quand avez-vous rencontré pour la première fois Jenova Chen, le co-fondateur de thatgamecompany ?

Jenova était artiste sur un projet de l'University of South California auquel j'avais collaboré auparavant, Dyadin. C'était un jeu d'action réalisé par une équipe différente, et basé sur le jeu multijoueur en réseau. D'ailleurs, il a été présenté à l'Independent Games Festival un an avant Cloud. C'était un projet collaboratif, alors il ne portait pas vraiment la marque d'un designer en particulier, contrairement à Cloud.

Comment décririez-vous la vision qu'avait Jenova de Cloud ?

Cloud et Flower sont très proches en ce sens qu'ils tiennent vraiment à cœur à Jenova. Il demandait à l'équipe de se souvenir de ces moments où l'on s'allonge dans l'herbe pour regarder le ciel. Cela me rappelait quand j'étais enfant, et que je trouvais les nuages vraiment chouettes. Dans Flower, on peut voler au-dessus des vallées, ou dans les canyons. C'est un rêve que j'avais aussi quand j'étais enfant, celui de pouvoir voler.

Dans Flower, les instruments rappellent les éléments naturels, comme par exemple quand le vent fait sonner des carillons. Comment avez-vous procédé pour donner un aspect si distinctif à ces instruments ?

Je voulais que les instruments soient indépendants les uns des autres, et ce même lors du troisième niveau, où il y a un effort d'orchestration de la part de chacun d'eux. J'ai passé beaucoup de temps à écouter chaque piste pour m'assurer que chaque morceau soit agréable quand il est isolé. Si ce n'était pas le cas, alors il ne me restait plus qu'à revoir ma copie.

J'ai aussi passé beaucoup de temps à examiner le level design dans Maya pour comprendre comment chaque élément était organisé. C'est en sachant comment fonctionnaient chacune des parties du système de jeu que j'ai pu réaliser une bande son adaptée.

Vous avez déjà dit que votre intérêt du jeu vidéo remonte à l'époque du Commodore 64. Flower n'a rien à voir avec l'aspect synthétique de la musique de jeu vidéo traditionnelle, au profit d'un son plus acoustique, plus organique. Vous appréciez autant ces deux types de son ?

Absolument. J'ai commencé avec des mods sur Amiga, puis j'ai eu un PC avec une carte Sound Blaster pour pouvoir utiliser S3Ms. J'aime vraiment repousser les limites offertes par chaque format. Je considère le Commodore 64 comme un instrument, à la manière d'un piano ou d'un violon. Il dispose de ses propres sons, de son propre langage.

Quand avez-vous commencé à travailler sur Cloud ?

Beaucoup de ceux ayant travaillé sur Cloud en 2005 étaient en train de faire leur Master de Beaux Arts en médias interactifs à l'University of South California. Nous étions 25. De ce fait, il y avait un grand climat de confiance entre nous tous. Jenova Chen devait obtenir son diplôme une année avant moi. Au départ, le game design de Cloud était très flou, et la musique était l'un des premiers éléments à être complètement achevé.

Quels logiciels avez-vous utilisé pour la musique ?

Principalement Cakewalk Sonar et Miroslav Mini. C'était l'année où Synful est sorti, et j'étais vraiment très impatient. D'un point de vue technique, j'étais beaucoup plus intéressé par un synthétiseur que par une grande banque de sons. Vous pouvez télécharger la bande originale de Cloud gratuitement. Pour Flower, j'ai utilisé Sonar encore une fois, une version améliorée des sons Miroslav, et une version plus récente de Synful pour l'orchestre de base.

En tant que joueur, y a-t-il des éléments de Flower qui vous plaisent particulièrement ?

Tout le monde dit que Flower n'est pas un jeu, mais une expérience... Pourtant, il propose beaucoup de bonnes idées de jeu. Des choses simples, par exemple le fait d'utiliser le vent pour indiquer les objectif. C'est tellement plus élégant que le balisage qu'on trouve dans les jeux d'aventure, actuellement.

Du point du vue du musicien, quelle influence a eu le choix de mettre la manette Sixaxis au cœur du système de jeu ?

Le choix de la Sixaxis pour les déplacements était là depuis le début. Le fait de pouvoir incliner la manette pour voler a évidemment grandement influencé la musique. C'est un mode de contrôle vraiment doux, on peut même avoir l'impression de se laisser porter par l'air. Cette impression a vraiment influencé la façon dont j'ai utilisé les instruments à vent.

L'élément de base de la bande son est cet instrument unique que l'on entend car on fait éclore une feuille. Avez-vous associé une fleur à un son précis ?

Oui. Dans le troisième niveau, les fleurs roses produisent un bruit de chorale, tandis que les fleurs blanches ont un son de carillon. Les instruments sont liés à une couleur précise dans le niveau, à savoir ceux qui sont présents dans la librairie sonore que j'ai utilisé pour les musiques. J'ai pu y ajouter divers traitements supplémentaires avant qu'ils ne deviennent des sons de fleurs, mais la base était toujours un instrument de musique, tel qu'il se trouvait dans mon séquenceur.

Quand on traverse rapidement un passage où il y a une multitude de fleurs, on entend un enchaînement des instruments, qui interagit avec la musique de fond. Avez-vous pu choisir l'emplacement des fleurs, afin de vous assurer que cette interaction soit harmonieuse ?

J'ai vraiment eu mon mot à dire. Je pouvais demander aux artistes de rapprocher ou d'éloigner les fleurs quand il y en avait une série, ou bien de remplacer les fleurs rouges par des blanches pour obtenir un meilleur son.

Y avait-il des spécifications précises pour les instruments à utiliser dans la musique de fond ?

Je n'ai pas utilisé d'instruments aigus, comme le piccolo. Si j'avais besoin de faire de l'aigu, je choisissais des instruments plus graves, comme la flûte basse et le basson.

Ces spécifications ont-elles changé dans les derniers niveaux du jeu, quand par exemple on passe de niveaux de jour à ceux de nuit ?

Dans le premier niveau, il y a une guitare, un piano et des cordes. C'est une instrumentation plutôt facile. Les responsables du level design savaient d'une certaine manière ce qu'il fallait faire. Musicalement parlant, la complexité augmente quand on passe du premier au troisième niveau. Le quatrième niveau revient à un schéma simple, comme le premier. Je l'imaginais comme une sorte de redémarrage. Il n'y a que de la guitare, du piano, des cordes et de la clarinette. L'intensité recommence ensuite à monter, jusqu'au sixième niveau.

Le sixième niveau vous a demandé plus de travail ?

Plutôt, oui. Je voulais que l'aspect interactif et la construction de chaque couche sonore fonctionnent de la même manière que dans les niveaux précédents, mais l'instrumentation était beaucoup plus complexe. J'ai énormément réfléchi à quels instruments mettre ensemble. Comme j'utilisais l'orchestre de manière beaucoup plus complète, c'était difficile à mettre en œuvre. C'est le seul niveau où j'ai utilisé un orchestre au complet. La boucle est aussi très longue, environ six fois plus que les autres pistes du jeu.

Il y a une partie du jeu où l'on est pris dans un courant d'air et que l'on traverse un canyon. A ce moment-là, la progression est linéaire. Cet aspect linéaire vous a-t-il permis de structurer plus profondément la musique de fond ?

J'ai écrit ce morceau précis avant de voir le canyon dans le jeu. J'ai voulu composer quelque chose de vibrant, de joyeux. Le tempo est plus rapide, les instruments plus proches les uns des autres. Avant que je découvre ce moment du jeu, je crois que nous n'avions que des collines vertes.

Quand avez-vous commencé à travailler sur la musique ?

Durant la phase de pré-production. L'équipe de thatgamecompany avait commencé à travailler sur des prototypes, sur PC. A ce moment-là, il fallait encore convenir de certaines mécaniques du système de jeu. Ils pouvaient compter sur moi pour influencer subtilement les niveaux et le style artistique avec ma musique, comme je l'avais fait avec Cloud. En fait, ils ont aimé être surpris, ça les a inspiré.

Etant un jeu sans mots, il doit être facile de le distribuer dans les autres régions du monde.

Il est même sorti au Japon et en Europe avant les Etats-Unis. J'ai jeté un oeil aux forums japonais, j'ai pu voir ces types publier leurs vidéos du jeu sur Nico Video, celles avec les commentaires qui traversent l'écran. Je suis content qu'ils apprécient la musique, surtout parce que ce sont ces excellentes bandes originales japonaises, celles de Star Fox et Zelda par exemple, qui ont bercé mon enfance.

Comptez-vous proposer la musique de Flower en téléchargement ?

Sony et moi sommes en train d'en discuter. La musique de Flower ne se prête pas très bien à l'écoute d'un album, chaque morceau étant vraiment interactif. Il y a peut-être des pistes avec des boucles, mais le joueur apporte toujours une nouvelle couche aux instruments déjà présents.

[Images : Sony Computer Entertainment.]

Interview avec Noriyuki Asakura

2009-02-15T15:00:00.009+01:00

Tenchu 4 sort ce mois-ci en Europe sur la Wii de Nintendo, et au cours du mois d'avril sur PSP. L'occasion de se pencher sur la bande originale de ce nouvel épisode d'une série d'infiltration à la sauce action qui a commencé sur PlayStation voici plus de dix ans. Dix ans, et "il" est toujours là. "Il", c'est Noriyuki Asakura, le compositeur qui avait à l'époque mis en musique les aventures de Rikimaru. Le voilà à nouveau exploitant ce style de musique aussi inattendu que réussi, du "progressif asiatique" qui rappelera à certains la délicieuse folie d'un Shadow Hearts -- cette folie rampante qui serait intimement liée à la culture japonaise. Un brin d'instruments traditionnels japonais, une touche classique pimentée par la guitare de Kiyotsugu Amano, des voix fantomatiques... Asakura nous offre un univers aussi attirant que pénétrant, oriental dans tous les sens du terme.

Interview réalisée par Jeriaska, traduite du japonais à l'anglais par Ryojiro Sato. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch, en japonais sur Game Design Current et en russe sur Game-OST.ru.

Noriyuki Asakura 朝倉紀行

M. Asakura, merci d'avoir accepté de discuter des musiques de la série Tenchu avec nous. Beaucoup de joueurs anglophones ont réagi à votre utilisation d'instruments en grande partie japonais dans le premier épisode en disant qu'ils correspondaient au rythme du jeu et qu'ils rendaient le mélange d'infiltration et d'action plus intense. Comment avez-vous trouvé un équilibre entre les instruments traditionnels japonais et des styles de musique plus modernes ?

Je ne voulais pas m'inscrire dans une approche similaire à celle de la plupart des histoires se déroulant dans le Japon historique, où l'on entend souvent des bandes originales d'ambiance inspirées par la musique impériale. J'ai donc cherché à m'extraire de la norme, à produire un nouveau standard dans la musique asiatique. Plutôt que de me limiter à la tradition japonaise, je me suis ouvert à des influences chinoises et thaïlandaises. Je me suis également servi de styles venus de l'Asie de l'ouest, notamment des musiques arabes que l'on trouve en Turquie. Mon objectif était de mélanger ces éléments divers et variés avec de la fusion jazz-rock à l'occidentale, et ce afin de surprendre les joueurs. J'ai cherché à créer un nouveau concept, à savoir de la musique progressive asiatique, tout comme au cours des années 70 vous trouviez du rock progressif.

Comment vous êtes-vous retrouvé à travailler sur le premier Tenchu, sur PlayStation ?

On m'a présenté à Masami Yamamoto, producteur chez Sony Computer Entertainment. Il était à la recherche d'un compositeur pour le projet. Il m'a donné une copie du scénario sur laquelle je me suis basé pour choisir une piste issue d'un précédent projet et qui me semblait convenir. On peut dire que ce morceau l'a beaucoup marqué, puisqu'il m'a demandé "est-ce que je peux l'utiliser ?".

Comme j'avais écrit cette piste pour un autre projet, j'ai dû négocier avec les détenteurs des droits. Finalement, ce morceau est devenu très important dans l'univers de Tenchu. Il s'agit de celui que l'on entend lors de l'introduction du jeu. Pour le reste de la bande originale, on m'a demandé de rester dans le même registre. Quand j'y repense, c'était une chance remarquable que la bonne piste soit tombée au bon moment entre les mains du producteur de Tenchu.

Bande originale du premier Tenchu

Pensez-vous que vos précédentes expériences dans le domaine de la musique de jeu vous ont préparé à ce projet ?

En ce qui concerne la musique de jeu vidéo, j'ai participé à la création de Crime Crackers, un jeu publié peu de temps après la sortie de la PlayStation. Sony commençait à dominer le marché, et ils m'ont demandé une bande originale à la qualité comparable à celle d'un film. Qui plus est, le budget n'était pas un problème.

Comme la qualité de la musique est nécessairement influencée par le budget, j'ai acheté de l'équipement haut de gamme afin de réaliser des expériences sonores. Le résultat était très travaillé, comme ils avaient pu l'espérer. Pour quelqu'un qui adore travailler avec des instruments acoustiques, comme moi, c'était une véritable bénédiction.

A ce moment-là, je ne m'étais pas encore rendu compte des qualités esthétiques de la musique asiatique. Mon appréciation nouvellement née est tombée au bon moment : je commençais tout juste à composer les musiques de Tenchu et de la série animée Rurôni Kenshin.

En quelle langue est le chant que l'on entend dans l'introduction du premier Tenchu ?

C'est de l'haoussa, une langue d'Afrique de l'ouest. J'avais envie d'invoquer "un sens de l'isolation au milieu d'une terre immense" et "un sentiment de solitude lors d'une prière au beau milieu d'un désert de sable". Ma première idée était d'utiliser de l'anglais, mais la langue ne me semblait pas convenir pour exprimer cette imagerie. J'ai ensuite essayé le japonais, mais c'était trop proche de notre langue de tous les jours. J'ai réalisé une multitude d'essais afin de rester fidèle à l'idée originale, et le haoussa s'est révélé être le meilleur choix.

J'en déduis que vous aimez voyager.

Oui, pour trouver de nouvelles idées et découvrir de nouvelles musiques. Je me suis rendu en Turquie et en Malaisie pour cela. Afin de trouver l'énergie nécessaire pour travailler dans l'industrie du divertissement, je préfère visiter New York et Los Angeles. Tout est une question d'équilibre. Quand je voyage, j'ai plutôt tendance à le faire seul.

Le personnage de Rikimaru est devenu l'un des archétypes du ninja dans le jeu vidéo. Comment avez-vous tenté de correspondre au personnage lors de la composition des musiques de Tenchu ?

Je dirais qu'il représente la masculinité à son paroxysme. Dans Tenchu 3, il y a une scène où il est entouré par une armée à tel point qu'on le pense définitivement perdu. J'ai nommé le thème d'ouverture du jeu "Fate ~SADAME~" pour souligner qu'il est déterminé à avancer, peu importe le nombre d'ennemis qui lui fait face. C'est comme cela que je vois le personnage.

Tenchu 4

Avez-vous déjà travaillé avec les interprètes auparavant ?

Nous avons formé un groupe, add'ua, composé d'un guitariste, d'un bassiste, d'une chanteuse et de moi-même. La chanteuse, vous le savez sans doute, est Yui Murase.

Tenchu est célèbre pour son style de jeu unique, mélangeant action et infiltration. Comment avez-vous réussi à maintenir un équilibre entre l'action et le suspense ?

En réalité, c'est également lié à l'idée de rock progressif. Les musiciens progressifs des années 70 ont cherché un moyen d'introduire de grandes variations dans l'atmosphère de leurs pistes en changeant régulièrement de ton. En cherchant à faire de même dans un contexte de musique asiatique, je me suis rendu compte qu'il s'agissait d'un même type d'expérimentation. Les changements brutaux dans l'intensité de la bande originale sont placés de telle sorte que le joueur y est plus attentif. Cela dit, l'aspect le plus important dans mon idée de musique progressive asiatique était que le résultat semble naturel.

Tenchu 4 est attendu comme un retour à l'esprit du jeu original. Etait-ce également un moyen d'explorer de nouveaux horizons ?

C'est en fait ce que le réalisateur m'a demandé, à savoir faire quelque chose de totalement nouveau tout en gardant l'image du premier Tenchu. Je me suis dit que c'était plutôt contradictoire ! (rires) C'était une demande curieuse. Pour relever ce défi, j'ai décidé d'ajouter de nouveaux instruments, d'essayer de voir si la batterie pouvait produire des effets différents, et d'ajouter un soupçon de musique classique. Rester fidèle à la tradition de Tenchu tout en étant dans un nouveau contexte, ce n'était pas chose facile.

Avez-vous participé à la préparation de la bande originale, publiée par Aniplex ?

Bien sûr. J'ai supervisé l'intégralité du processus.

Bande originale de Tenchu 4

Quels instruments avez-vous enregistré en studio ?

Sur cette bande originale, les violons jouent un rôle plus important grâce à la participation du groupe Gen Ittetsu Strings. Un habitué de Tenchu, Kiyotsugu Amano, a également offert son accompagnement à la guitare. La nouveauté est venue de l'utilisation du shinobue [une flûte japonaise au son aigu] et du shamisen. Auparavant, j'utilisais des échantillons sonores pour ces instruments, mais je me suis dit que d'inviter de vrais musiciens pour Tenchu 4 apporterait plus de fraîcheur.

Pouvez-vous nous parler des musiciens qui ont participé aux enregistrements ?

Hyakutaka Fukuhara joue du shinobue, et le shamisen est interprété par Yutaka Oyama, un maître de la nouvelle génération de joueurs de cet instrument. Le batteur est un de mes amis. Comme nous avons joué dans le même groupe quand nous étions plus jeune, il comprenait facilement ce que je voulais. Il y a d'ailleurs quelque chose qui m'inquiète parmi les jeunes compositeurs actuellement : peu d'entre eux ont fait partie d'un groupe, alors qu'il s'agit d'une expérience inestimable pour n'importe quel musicien. Cela vous apprend à communiquer en tant que musicien et développe votre esprit d'équipe. En répétant une musique avec son groupe, on apprend bien plus qu'en travaillant seul dans son coin. En ne travaillant que conformément à ses propres goûts, un musicien a peu de chances de se développer.

Peut-on s'attendre à des ajouts pour le futur portage sur PSP ?

La bande originale sera la même entre la Wii et la PSP. Cela dit, il y aura deux nouvelles pistes dans la version PSP. Elles possèdent des éléments de musique de classique en plus, ce qui les éloigne encore un peu plus de la norme. Elles reprennent des thèmes de style asiatique, mais on y trouve des évocations de musique classique. J'ai participé à un enregistrement aujourd'hui même, nous avons enregistré la batterie et les percussions. Cela donnera un côté "musique de film" à la bande originale.

Au final, quel aspect de Tenchu 4 avez-vous le plus cherché à souligner dans l'écriture de la bande originale ?

L'amour. Cela peut sembler trompeur, mais au travers de la série, l'un des thèmes les plus importants est celui de l'amour de Rikimaru envers les autres. En tant que compositeur, mon travail est de faire ressortir cet amour, qui exprime également un intérêt pour la figure que constitue Rikimaru. En ce sens, la signification profonde est bien l'amour.

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[Vous pouvez acheter la bande originale de Tenchu 4 sur Amazon.co.jp. Images : Ubisoft. Photographie : Jeriaska.]

Squaremusic Awards 2008

2009-02-13T23:07:00.001+01:00

Le temps passe, mes amis ! Nous voilà déjà au crépuscule d'une décennie fort chargée pour le jeu vidéo et sa musique. L'année dernière, j'étais fier de couronner le succès de ce "petit nouveau" bourré de talent, Takeharu Ishimoto ! Cette année, rien de tel. Si les "20 ans" de Yôko Shimomura n'étaient pas là, que serait cette année 2008 pour la branche musicale de Square Enix ? Eh bien la preuve que la société patauge lentement mais sûrement, à ne pas vouloir sortir de jeux de nouvelle génération un tant soit peu présentables, préférant privilégier les productions frustantes sur DS. Ah, pour entendre une VGM brillante, ingénieuse, raffinée, chaleureuse, magique, puissante, fraîche... il faut aller voir ailleurs.

Bande originale de l'année
Sont nominées :
- Sigma Harmonics Original Soundtrack
- Infinite Undiscovery Original Soundtrack
- The Last Remnant Original Soundtrack
- Dissidia -Final Fantasy- Original Soundtrack
Et le vainqueur est :
- Aucune

C'est terrible, mais le choix m'est impossible. De ces quatre "meilleurs" albums, aucun ne réussit à foutre une volée aux autres pour se faire respecter. De petits défauts sont toujours là pour nuire à leur possible victoire. Sigma Harmonics est trop court, malgré les moments hamauzuesque (un synonyme de génial), Infinite Undiscovery a bien ses moments de gloire mais ils se cachent entre deux beuarg spécial Sakuraba, The Last Remnant n'a que peu de saveur (mais bravo à Sekito, qui a réussi à coller au terne du jeu) malgré des thèmes de combat rock fort sympathiques, et Dissidia navigue entre arrangements moyens et à peine bons, malgré des passages très réussis. Finalement, Sigma Harmonics a peut-être le défaut le moins fatal, mais je n'ai pas envie de saluer un Hamauzu en petite forme. Pour trouver la vraie bande originale de l'année en matière de VGM, il faut voir ailleurs !

Album arrangé de l'année
Sont nominés :
- The Black Mages III Darkness and Starlight
- drammatica -The Very Best of Yoko Shimomura-
- Valkyrie Profile -Covenant of the Plume- Arrange Album
- Chrono Trigger Orchestra Extra Soundtrack
Et le vainqueur est :
- drammatica -The Very Best of Yoko Shimomura-

Une victoire absolument écrasante, qui plus est. Pour fêter ses 20 années dans la profession, Yôko Shimomura a trouvé l'album à sa mesure. Intense et gracieux, puissante et magique, drammatica est tout cela. Et même plus. Le titre est en réalité la meilleure illustration de l'album, et même de ce vers quoi la compositrice tend lorsqu'on la laisse remplir le silence. Des marches triomphales de Front Mission aux thèmes majestueux de Kingdom Hearts, en passant par les mélodies fatales de Live A Live ou la douce nostalgie de Legend of Mana, la musicienne a déjà à son actif des monuments de la musique de jeu. (On en oublierait presque la regrettable absence de Parasite Eve.) Enrobée dans une superbe interprétation orchestrale, son œuvre gagne une cohérence qui lui rend dignement hommage. Avant de s'achever sur la promesse d'une nouvelle merveille, dénommée Final Fantasy Versus XIII.

Thème principal de l'année
Sont nominés :
- "The Remains of Time" (Sigma Harmonics) par Masashi Hamauzu
- "Prelude to Liberation" (Infinite Undiscovery) par Motoi Sakuraba
- "The First Awakening" arrangée (The Last Remnant) par Tsuyoshi Sekito
- "DISSIDIA" (Dissidia -Final Fantasy-) par Takeharu Ishimoto
Et le vainqueur est :
- "The First Awakening" arrangée (The Last Remnant)

Si la bande originale manque cruellement de saveur, le thème principal est une petite merveille. En tout cas, dans sa version arrangée disponible uniquement dans l'édition iTunes de l'album. Drôle de choix, mais il faut dire que "The First Awakening" en tant que première piste de l'album physique semble incomplète. Les percussions sont là, les chœurs aussi, les cordes en accompagnement itou, mais il manque une mélodie guerrière pour couronner le tout. C'est pour cela qu'il faut se tourner vers cette version arrangée, qui l'y ajoute. Ou bien, mais ce n'est qu'un passage, il y a le début du "Finale" (de toute façon, le reste est aussi géant). Dans tous les cas, Sekito nous offre un thème principal d'une excitante violence... Il fallait bien ça pour un jeu aussi belliqueux.

Chanson de l'année
Sont nominées :
- "Somnus" (Final Fantasy Versus XIII) par Andrea Hopkins
- "Transformation" (The World Ends with You) par Andy Mitchell
- "Harmonia vita" (Sigma Harmonics) par Aya Hirano
- "Cosmos"/"Chaos" (Dissidia -Final Fantasy-) par Your Favorite Enemies
Et le vainqueur est :
- "Cosmos"/"Chaos" (Dissidia -Final Fantasy-)

D'habitude, les chansons thème sont les premières dévoilées. Viennent longtemps après les noms des compositeurs. Et pourtant, les chansons de Dissidia n'ont eu droit à absolument aucune publicité, simplement une rapide mention sur le site officiel de la bande originale ! La théorie la plus probable est qu'elles ont été enregistrées et ajoutées vers la fin du développement. C'est sans oublier la méconnaissance totale du groupe canadien Your Favorite Enemies au Japon. Les choses ont dû changer, maintenant que le jeu caresse le million d'exemplaires vendus... Quoiqu'il en soit, "Cosmos" et "Chaos" sont deux pistes réjouissantes, composées par un Takeharu Ishimoto en mode "rock émo". Mais non, ne fuyez pas. C'est Ishimoto. Encore une fois bravo, M. Bête-de-travail, il y a dans ces pistes une sacrée ambiance, ce qui est d'autant plus étonnant quand on sait qu'il s'agit de thèmes de combat !

L'album que tout le monde a oublié/préféré oublier
Sont nominés :
- Final Fantasy IV Original Soundtrack
- Piano Collections Final Fantasy XI
- Final Fantasy Remix
- Valkyrie Profile -Covenant of the Plume- Original Sound Track
Et le vainqueur est :
- Piano Collections Final Fantasy XI

L'album fantôme. Joli quand on l'écoute, oublié quelques instants après. Certes, j'entends dire que c'est Final Fantasy Remix que l'on a "préféré oublier", mais là où cet album a du caractère (un peu trop, au goût de beaucoup), le piano collections de FFXI n'a rien de passionnant. Et ce malgré une sélection judicieuse, même si on peut lui reprocher d'ignorer les morceaux les plus "anciens" (autrement dit, ceux qui étaient aussi l'œuvre de Kumi Tanioka et Nobuo Uematsu). Quelques instants après la fin du disque, on a déjà d'autres mélodies en tête...

Prix de l'impatience 2009
Sont nominés :
- Dragon Quest IX (Kôichi Sugiyama)
- Final Fantasy XIII (Masashi Hamauzu)
- Kingdom Hearts: Birth by Sleep (Yôko Shimomura)
- The 3rd Birthday (Yôko Shimomura)
Et le vainqueur est :
- Final Fantasy XIII

Evidemment. Malgré tout l'admiration que j'ai pour Kôichi Sugiyama et la profonde affection que j'éprouve pour le travail de Yôko Shimomura, ils ne peuvent rien à côté de ce que Masashi Hamauzu concocte en secret depuis près de trois ans... Peut-être avons-nous trop d'espoir ? Mais tout ce qu'il a fait par le passé était touché par le doigt de Dieu (Sigma Harmonics, je t'absouds). Il n'y a pas de raison que cela s'arrête en si bon chemin. Et l'ouverture récente du site officiel du jeu démontre que tout ce que l'on peut attendre a de fortes chances d'arriver. Premier avant-goût de son travail le 16 avril prochain, date de l'arrivée de la démo japonaise. Et tant pis si le président de Square Enix éjecte le jeu de cette année 2009 vers la suivante d'une pichenette méprisante.

Spécial : Meilleur album de Motoi Sakuraba
Sont nominés :
- Forest of glass
- Star Ocean: First Departure Original Soundtrack
- Star Ocean: Second Evolution Original Soundtrack
- Tales of Symphonia: Knight of Ratatosk Original Soundtrack
- Tales of Vesperia Original Soundtrack
- Tales of Series Battle Arrange Tracks
- Tales of Series Piano Arrange Tracks
- Infinite Undiscovery Original Soundtrack
- Valkyrie Profile -Covenant of the Plume- Original Sound Track
- Valkyrie Profile -Covenant of the Plume- Arrange Album
- Tales of Hearts Original Soundtrack
Et le vainqueur est :
- Forest of glass

J'étais presque tenté de faire un grand coup du genre "aucun vainqueur !" tellement Motoi Sakuraba nous a usé cette année. Onze sorties à lui tout seul (et je n'ai pas inclus les albums promotionnels ou certains travaux collectifs) en l'espace d'un an, c'est ce que font certains compositeurs de VGM en une décennie. Bon, bon, c'est vrai, les deux Star Ocean, c'est de la triche. Les cinq Tales of, par contre... Cette série, qui s'apparente plus à une vidéoludicorrhée, s'accapare le compositeur à tel point qu'il se trouve obligé d'écrire la même chose faute de temps pour réfléchir. Le pire, c'est que c'est contagieux. Fort heureusement, Infinite Undiscovery survit au massacre et s'avère être son meilleur travail de l'année côté bandes originales, même s'il est à des années-lumière de ce qu'il a pu produire par le passé... Finalement, Forest of glass est la seule vraie respiration au sein de ces cuivres boueux et de cette débauche de vide. Avec un simple piano, le virtuose se réveille, et de ses doigts magiques coulent des paysages de verre à la touchante délicatesse. Avec l'espoir effacé que Star Ocean: The Last Hope nous surprenne...

Koshiro × Hibino, Sekaiju no OngaQ

2009-02-07T23:22:00.001+01:00

J'ai été extrêmement impressionné par la compréhension que Norihiko Hibino avait de ma musique. (Yûzô Koshiro)

Certaines collaborations sont le fruit du hasard, mais le génie qu'elles engendrent n'a rien de fortuit. La rencontre entre Yûzô Koshiro et Norihiko Hibino fait partie de ces collaborations aussi inattendues que profondément géniales. Koshiro et Hibino se sont croisés pour la première fois pendant l'organisation du premier concert Hyper Game Music, en 2007. Rapidement est née l'idée de travailler ensemble sur un projet. Il n'a pas fallu attendre longtemps : en septembre 2007 sortait le premier Super Arrange Version de la saga DS Sekaiju no Meikyû (connue sous le nom d'Etrian Odyssey en dehors du Japon). Tout est produit par Hibino, et la plupart des pistes sont arrangées par des membres de son studio GEM Impact (Takahide Ayuzawa, Yoshitaka Suzuki et Takahiro Izutani). Résultat ? Formidable. Quelques reprises d'une beauté inouïe, "Labyrinth I" (le saxophone !) et "Labyrinth V" (le violon !) notamment.

Yûzô Koshiro arrangé par Yoshitaka Suzuki, "Labyrinth I" (VGMdb)

Aaah, "Labyrinth I"... Le genre de musique légère qu'une âme en quête d'évasion ne peut refuser. Je sais que là, je parle surtout pour moi, mais j'imagine que Koshiro lui-même n'a pas été insensible à tant de magie. De cette collaboration fructueuse, le compositeur a par la suite commenté :

Je me suis rendu compte que Hibino n'est pas simplement un très bon arrangeur, mais que c'est également un producteur hors pair qui est capable de gérer les musiciens afin de réaliser les meilleurs enregistrements possibles, peu importe la situation. Je lui fais vraiment confiance. (Yûzô Koshiro)

Une confiance qui a duré, à tel point que le deuxième épisode de la série Sekaiju no MeiQ s'est lui aussi vu doter d'un album arrangé. Hibino, qui n'avait pas eu le "courage" de travailler sur les arrangements du premier album, a cette fois-ci mis la main à la pâte. Résultat ? Formidable. Le premier "Labyrinth I", arrangé par Yoshitaka Suzuki, y laisse place à un nouveau "Labyrinth I" remanié par Hibino, et dont la chaleur acoustique lave encore une fois la noirceur de nos esprits fatigués à coup de rayons de soleil et de paysages verdoyants. Cet arrangement est tellement magnifique qu'il a tracé la route pour un nouvel album... que le monde a voulu : Koshiro, charmé par les reprises acoustiques du CD ; Hibino, persuadé qu'il existe un public pour ce type de musique reposante ; et surtout Masatoshi Nakamura, le producteur de la maison de disque 5pb Records, qui a courageusement choisi d'éditer ces CD.

Yûzô Koshiro arrangé par Norihiko Hibino, "Labyrinth V" (VGMdb)

Tout ceci nous mène donc à ピアノと弦楽器の生演奏による (piano to gengakki no namaensô ni yoru), ou "Live Music for Piano and Strings", si vous préférez. Le but d'Hibino était simple : faire comme "Labyrinth I" de l'album arrangé de Sekaiju no Meikyû 2, mais avec toutes les pistes de l'album. Il faut dire que les deux précédents albums d'arrangements proposaient aussi des pistes rock parfois peu commodes (voyez les reprises de Jeff Curry !). Eh bien non, cette fois-ci, tout est calme et reposant. 50 minutes de piano, de violon, de violoncelle et de guitare, avec un brin de percussions : relaxation garantie. Et qui ose parler d'ennui ? L'homme impatient.

Cette collaboration a heureusement de l'avenir. Il y a quelques mois, Hibino n'a pas caché son intérêt pour l'une des oeuvres fondatrices de Koshiro, à savoir Actraiser. Que pourrait-il en faire ? Pensez très fort à "Filmoa" ! Koshiro, de son côté, n'a pas écarté la possibilité d'un album arrangé pour 7th Dragon, son prochain jeu (prévu sur DS pour le 5 mars au Japon). En attendant, on ne peut que se laisser une nouvelle fois transporter par l'imaginaire sylvestre de Sekaiju no Meikyû revisité par Hibino & friends.

Interview avec Yasunori Mitsuda, encore

2009-01-17T18:41:00.005+01:00

Décidément, Yasunori Mitsuda est du genre harcelé depuis quelques temps. Déjà interviewé par Jeriaska et moi-même il y a quelques mois, le compositeur a répondu l'été dernier à un questionnaire que lui a envoyé Denys, de Nintenon. Et c'est avec un plaisir fainéant que Squaremusic accueille ce questionnaire très intéressant car moins banal que la plupart des interviews touchant uniquement à l'actualité du musicien.

Lire l'interview de Yasunori Mitsuda en français
Read the interview with Yasunori Mitsuda in English

Ci-dessous se trouve le texte original en japonais. J'en profite pour saluer tous nos lecteurs japonais, qui ne comprennent sans doute pas un mot de ce que je viens d'écrire. Ah, vous voyez, c'est bien utile d'avoir l'air aimable...!

【Denys Fontanarosa】　
ゲーム音楽は、今後どのように展開していくとお考えでしょうか？

【光田】
非常に難しい質問ですね（笑）。
というのが、現時点ではもう“ゲーム音楽”という括りが
あまりないですし、ある種の特徴なども無くなったように思うからです。
（もちろん、これは音楽という視点から見た場合の話ですが）
一昔は“ピコピコ音”という擬音で表されていましたが、
今のゲーム音楽は一般的な音楽とまったく変わらないクオリティーなので、
そうした“ゲーム音楽”らしい表現すら出来なくなりました。
単にゲームで使われているから“ゲーム音楽”ということぐらいですからね。
進化というのは必要な事ですし、良いことでもあるのですが、
不便というのもまた必要で、制約があるがゆえに、
思いがけないものが出来たり、新たな発想が生まれたりします。
そうした意味で、技術的、ゲーム的に“ゲーム音楽”というものは
それほど急激な発展はしないと思いますが、逆に一般的な音楽との差が
無くなりましたので、ゲーム以外ではもっと盛り上がるのでは
ないでしょうか。
たとえば、全世界でコンサートが頻繁に行われるようになったり、
グラミー賞にゲーム部門が出来たり、「YouTube」や
日本の「ニコニコ動画」などのネットでゲーム音楽を使った新たな
エンタテインメントが生まれたりと、いろいろな展開はありそうですね。

【D.F.】
ゲーム音楽の作曲家の将来を、どのように展望しておられるのでしょうか？

【光田】
どうでしょう。現在でもゲーム音楽の作家たちがアニメの音楽をやられたり
映画を手がけたり、はたまた、アイドルの曲を書いたりしていますので、
ゲーム音楽作曲家というより、１アーティストという立場で見られて
いくと思っています。
逆に言えばそれだけ色々なチャンスがあると言うことですので、
最終的に何がやりたいのか、しっかりと目標があれば実現できる
時代になってきたのかなとも思います。

【D.F.】
作曲家として様々な作業や用件を抱えておられると思いますが、
限られた時間の中で作曲に専念される作業は、どの位のパートを
占めているのでしょうか？（一日に何時間位、作曲のために時間を費やしておられるのでしょうか？）

【光田】
もちろん日によって違いますが、１０時間ぐらいは
作曲をしているのではないでしょうか！？

【D.F.】
作曲家にとって、時間というのが最大の障害物でしょうか？（常に締め切りに追われておられるのでしょうか？）

【光田】
そんな事はないと思います。
締め切りがないと、いつまでもダラダラと作業をしてしまいそうですので
締め切りは必要だと思います。
ただ、１年中締め切りに追われると辛いですけどね（笑）。
何事も程よくがいいですね・・・。

【D.F.】
一つの作品に取り掛かる時、和声的音階で始められるのでしょうか、それとも旋律的音階でしょうか？

【光田】
僕の場合はほとんど両方です。
作曲には「メロディー」「リズム」「ハーモニー」が必要ですが
この全てを同時に作るようにしています。

【D.F.】
VST インストゥルメントやMIDI の変幻自在な音と、
本物の楽器を使って録音された音のうち、もし選択なさるとすれば、どちらを好まれるでしょうか？

【光田】
どちらも大好きです。
ただ大切な事は生楽器であれ、シンセサイザーであれ、
何を表現したいのかが重要だと思っています。
ですので、作っていく楽曲がシンセサイザーに合いそうならシンセサイザーを使いますし、
生楽器が合うのなら生楽器を使います。もちろん、両方を組み合わせることも多々あります。
これは曲次第ですね。

【D.F.】
曲作りが最も難しいのは、どのような種類の曲でしょうか？

【光田】
いわゆるＢＧＭと呼ばれているものですね。
ＢＧＭとは“Background Music”の略ですが、僕はこのＢＧＭという
表現がとても嫌いなのです。
要するに主張はせず、ただ後ろで画面の邪魔をせず、ただ鳴っていればいい
という感じの音楽を作るのが一番苦手です。
それなら音楽は入れない方が良いと思うんですけどね。

【D.F.】
作曲なさった曲目があいにくゲーム音楽用に採用されなかった場合、
その曲目をどのように処理なさるのでしょうか？

【光田】
どのようにも処理されません（笑）。
そのまま消えてなくなってしまいます。

【D.F.】
次の事項について、御感想をお聞かせ下さい。

－ゲーム音楽のディスク版

【光田】
ゲームシーンが思い出されて、ゲームをプレイした人にとっては
サントラが発売されると嬉しいんじゃ～ないですかね。
個人的には、いままで頑張ってきた証が残るわけですから、
嬉しいですね。

－ゲーム音楽のコンサート

【光田】
コンサートはコンサートの良さがありますので、
これからどんどん全世界で開催してもらいたいですね。
個人的にも小さなライブハウスで演奏はしたいです。

－編曲されたアルバム

【光田】
最近では上記にも書きました通り、ゲーム中の曲が一般的な
音楽と変わらなく（音質的に）なってきましたので、
プラットフォームによっては必要はないかと思っています。
ただ、全く違った切り口で、一度原曲を解体し、再度組み立てていく
おもしろさはありますね。
その場合、もちろん時間が必要なんですが・・・（＾＾；）。
時間があればいろいろとやってみたい事はありますね。

【D.F.】
光田様にとって、完璧な音楽とはどのようなものでしょうか？（作曲したいと思っておられる音楽は？）

【光田】
ずっと頭の中で鳴っている音楽（雰囲気）はあるのですが、
いまだに表現出来ていません。それは無ジャンルです。
この世にない、不思議な音楽なのです。
それが表現出来たとき、僕は完璧なものが出来たと思うでしょうし、
僕の音楽人生は終わりを告げるのかもしれません。
でもそう簡単には出来ないでしょうから、これから試行錯誤しながら
死ぬまでに少しずつ完成させていきたいと思います。

【D.F.】
目下取り組んでおられるプロジェクト、もしくは将来のプロジェクトについて教えていただけるでしょうか？

【光田】
アニメの音楽、MMORPGの音楽、WiiのRPGが２本を現在手がけています。
そして、また“kiRite”のような個人的アルバムを作りたいと思っています。
また、ずっと皆さんを待たせたままになっています、クロノクロスの
アレンジアルバムを完成させなければなりません。

【D.F.】
お差し支えなければ、私に何か助言を書いていただきたいのですが。

【光田】
作曲家を目指しているということで、この言葉をお送りします。
が・ん・ば・れ！

【D.F.】
"Kirite"のCDを映像化したスペクタクルのDVDを発表すると、
インタビュー記事の中で述べておられますが、どのような内容のもなのでしょうか？

【光田】
2006年3月に舞台化されたキリテをDVDにしたいと考えています。
現在、日本でキリテのDVD化を希望する方々で署名活動を行っていまして、
そちらがある人数を超えたら作る予定です。

【D.F.】
"Chrono Cross"　のゲーム音楽をアレンジしたCDが発売されるのを
ファンは心待ちにしています。その制作の進捗状況について教えていただけるでしょうか？

【光田】
色々とありまして、かなり遅れています。すみません。
クロノクロスの１０周年記念までにはなんとかしたいと思っています。
あれ、そう考えるともう時間がないですね・・・急がないと・・・。

【D.F.】
数ある楽器の中から "ブズーキ" を選んで演奏なさった動機・理由は何でしょうか?

【光田】
ギターなども弾きますが、“ブズーキ”は弦が少ないので、
弾きやすいかなと思いまして・・・（笑）。
実は僕は普通より小指が短く、弦楽器を弾くのに適した手ではないのです。

【D.F.】
"ケルト音楽"　のどのようなところがお好きなのでしょうか?

【光田】
田舎くさいところですかね（笑）。
サウンド全体に哀愁があるというか、心にぐっと突き刺さるんですよね。

【D.F.】
世界各国の音楽に興味をお持ちのようですが、
日本の伝統音楽については、どのようにお考えでしょうか?

【光田】
もちろん大好きですよ。なので、尺八や篠笛といった楽器も
よく使いますし、たまに日本独特の音階も混ぜたりしています。

【D.F.】
"ブズーキ"　や "ギター" の演奏家として、特に三味線、津軽三味線、
沖縄のサンシン、琵琶については、どのようなお考えをお持ちでしょうか?

【光田】
サンシンは弾いてみたいと思っています。
三味線とかはフォレットレスなので、たぶんかなり難しいでしょうね。
やりたい楽器は沢山ありますが、なかなかどれもこれもというわけには
いかないので、チャンスがあれば是非手に取ってみたいと思います。

【D.F.】
誰でも使えるとはいえ、かなり専門的な"Korg DS-10"の制作に
携わってこられた訳ですが、これとはまた違ったゲーム音楽用ソフトの
開発計画に、今度もご参加なさるのでしょうか?

【光田】
そうですね。
会社内でも色々と作りたいねとはいつも話しています。
今度はもっと簡単に曲が作れるソフトがいいですね！

２００８年８月２６日

Chrono Cross arrangé, ça arrive ?

2008-12-23T00:40:00.004+01:00

Mine de rien et si ma mémoire est bonne, cela fait 5 ans que l'on attend cet album arrangé de Chrono Cross. Annoncé par Mitsuda au détour de ses vœux du nouvel an, le CD tant attendu est tombé dans le mystère depuis lors. Quelques intervieweurs indiscrets ont réussi à lui arracher des révélations peu fracassantes mais toujours rassurantes : aucune annulation à signaler, non, simplement un manque flagrant de temps dans le planning du compositeur...

Et voilà qu'en ce 23 décembre 2008, Mitsuda balance un extrait de l'album sur son site officiel, Our Millennial Fair. "次元の狭間" (jigen no hazama, "l'interstice entre les dimensions") est une reprise orchestrale douce et chaleureuse d'un thème à la guitare sèche dont le compositeur admettait dans le livret de la bande originale qu'il a été écrit en deux heures à peine :

J'ai dû être très inspiré. Si c'était comme ça tout le temps, je pourrais faire une bande originale entière en dix jours. (rires)

Est-ce un cadeau de Noël annonçant la sortie de l'album au cours de l'année prochaine, et donc pour le dixième anniversaire de Chrono Cross, ou est-ce le seul survivant d'un projet abandonné ? Eh bien, plutôt la première solution. C'est que Mitsuda est parfaitement au courant de l'attente de ses fans. Comme toujours, la suite sera avant tout une histoire de patience... Au point où nous en sommes !

Interview Korg DS-10

2008-12-12T10:30:00.002+01:00

Interview avec Nobuyoshi Sano (Cavia), Michio Okamiya (AQ Interactive) et Yasunori Mitsuda (Procyon Studio) au sujet de Korg DS-10.

Interview conduite par Jeriaska et Jérémie Kermarrec. Le texte est disponible en anglais sur GameSetWatch et en japonais sur le blog Korg DS-10.

Pour ceux qui ne le sauraient pas, pouvez-vous expliquer ce qu'est Korg DS-10 ?

Nobuyoshi Sano : Ce n'est pas un jeu, mais un synthétiseur pour Nintendo DS. En comparaison avec les autres logiciels de musiques disponibles sur DS, je pense que c'est le plus accessible et le choix le plus efficace pour produire de la musique de qualité soi-même.

Nous avons appris qu'à l'image de votre interprétation d'aujourd'hui, Korg DS-10 est le résultat d'un fort travail d'équipe. Quels groupes ont été impliqués dans la création du logiciel ?

Sano : Des créateurs de Korg, de Procyon Studio et de la société où je travaille, Cavia, ont participé à la conception de Korg DS-10. Comme les programmeurs étaient tous extrêmement qualifiés, chaque phase du développement s'est déroulée sans problème. Tout le monde voulait créer quelque chose de remarquable grâce à la DS. Nous avons reçu l'aide d'employés de Korg, donc ce n'était pas juste un nom. Nous avons tous participé ensemble à la programmation.

Michio Okamiya : On peut dire que ce projet est la réunion des talents des équipes de différentes compagnies. C'est moi qui en suis le producteur, et j'ai vraiment voulu fraire un produit qui se concentre sur la musique. J'en ai parlé à Sano alors que nous buvions un verre, et nous avons pensé qu'il était temps de faire un instrument. Un synthétiseur ! Voilà comment le projet a débuté. En ce qui me concerne, je ne suis pas seulement fou amoureux des guitares, mais aussi des synthétiseurs, alors c'était une chance unique. J'espère que quelqu'un comme moi, qui ne joue pas au clavier ou qui adore les guitares, trouvera autant de plaisir à utiliser ce logiciel.

Yasunori Mitsuda : (Hidenori) Suzuki, de ma société, a travaillé sur le séquenceur. Nous avions déjà fait des recherches sur la DS à Procyon, alors quand Sano m'a dit qu'il travaillait sur ce projet, nous avons compris qu'il était possible pour la DS de servir de synthétiseur. A cette époque, nous avions en gros réussi à découvrir l'étendue des possibilités offertes par la console.

Yasunori Mitsuda

D'où viennent les pistes que vous avez interprété aujourd'hui ?

Sano : C'était "Grip", de Ridge Racer Revolution. Je n'aurais pas imaginé qu'elle serait si facile à programmer. Même s'il était impossible de la faire ressembler exactement à la piste originale, l'esprit de celle-ci était bien là.

Okamiya : La piste que j'ai interprété n'était pas de moi, mais de Nobuo Uematsu. J'ai obtenu l'autorisation de la jouer aujourd'hui. Quant à "Korg de Chocobo", c'est un nom auquel je viens tout juste de penser. J'espère qu'il ne va pas m'en vouloir de l'appeler comme ça.

M. Mitsuda, vous avez interprété un medley de Chrono Trigger et Chrono Cross. Je suis sûr que de nombreux membres du public avaient la sortie du remake DS en tête.

Mitsuda : C'est vrai, Chrono Trigger fait l'objet d'un remake sur Nintendo DS. J'ai écrit ces thèmes il y a lontemps maintenant, et aujourd'hui, j'ai enfin pu en faire un remix techno. C'était très amusant. Tout le monde avait l'air intéressé par cette idée, et je l'étais tout autant. Les pistes originales tendaient plutôt du côté des instruments acoustiques, alors réaliser un arrangement de style techno était une expérience totalement nouvelle.

Comment avez-vous songé à faire se produire le trio Korg DS au concert EXTRA ? Avez-vous déjà travaillé avec les organisateurs ?

Sano : J'ai convaincu M. Nakamura de le faire. Il est producteur à 5pb. Records, et c'est lui l'organisateur d'EXTRA. Je voulais montrer tout ce qu'il est possible de faire avec DS-10.

Nobuyoshi Sano

Comment s'est déroulée la collaboration avec AQ Interactive pendant le développement ?

Sano : Chaque jour était rempli de surprises. Même si je travaille dans ce domaine depuis dix-sept ans, ce projet m'a permis de faire énormément de découvertes.

Vous dites avoir interprété une piste de Ridge Racer Revolution, une série sur laquelle vous travaillez depuis ses débuts. Quel est votre meilleur souvenir de votre travail sur Ridge Racer ?

Sano : Vous savez, au moment où j'ai mis en place le segment introductif de cette piste, j'ai eu la vive impression d'avoir été touché par le doigt du génie. Je pense que je n'oublierai pas ce sentiment de sitôt.

EXTRA vous a permis d'interpréter de la musique électronique en concert, mais pour le jeu Drakengard, vous avez choisi de traiter de la musique orchestrale de manière électronique. Ces deux idées semblent à l'opposé l'une de l'autre. Y avez-vous songé pendant l'événement ?

Sano : Ces projets étaient similaires en cela que personne ne l'avait fait avant. L'une de mes plus grandes sources de motivation est la beauté de la simple exploration de la musique.

On peut constater un intérêt de plus en plus vif pour la musique que vous et Takayuki Aihara avez écrit pour Drakengard. Quelle était l'idée de base, et comptez-vous poursuivre ce genre d'expérience musicale à l'avenir ?

Sano : Je voulais travailler sur un concept musical que j'avais trouvé chez les Chemical Brothers. Ils ont utilisé le son d'une guitare mais l'ont assemblé sur un fond de techno. En règle générale, il semble acquis que la guitare n'a pas sa place dans la techno. En réfléchissant à cela, j'ai imaginé reconstruire de la musique orchestrale à la manière de la techno.

Le concept de base de Drakengard est que le joueur est submergé par une vague d'ennemis qu'il doit abattre, et que l'histoire devient de plus en plus chaotique au fil de la progression. J'ai cherché à exprimer cette impression à travers la musique. Mais pour les joueurs qui s'attendaient à des musiques de RPG classiques, c'était une déception. Ils se plaignaient que la musique était répétitive et désagréable. Certaines critiques étaient, on peut le dire, très dures.

Cela dit, depuis peu, j'ai commencé à recevoir un certain nombre de réactions positives, comme vous l'avez dit. Bien que la bande originale soit toujours une niche, il est satisfaisant de constater que de plus en plus d'avis reflètent les intentions originales du compositeur. En ce qui me concerne, j'aime toujours l'originalité et l'intensité de la musique. Si quelqu'un me demandait d'utiliser à nouveau de style, surtout s'il s'agissait d'une bande originale de film, j'arrêterais tous mes autres projets pour me concentrer uniquement sur celui-là. Je suis heureux d'avoir la chance de parler à nouveau de cette bande son, étant donné les échos négatifs qu'elle a reçu dans certains milieux.

Michio Okamiya

M. Okamiya, vous avez dit être intéressé par les synthétiseurs. Quel élément des synthétiseurs traditionnels avez-vous le plus voulu intégrer au logiciel Korg DS ?

Okamiya : D'abord, nous avons voulu en faire une expérience analogique, que le fait de toucher l'écran ait un sens. Par exemple, le Patch Mode est un élément essentiel du logiciel car il vous permet de créer un design sonore plus complexe que cela aurait été normalement possible. De plus, l'interface qui permet de brancher et de débrancher les câbles est très bien faite, c'est un ajout inestimable pour ceux qui aiment les synthétiseurs analogiques.

Je pense qu'en général, les compositeurs établissent la structure de leurs thèmes avant de commencer à composer. C'est également possible avec DS-10, mais le plus important est que je voulais donner la possiblité aux gens de s'amuser avec le logiciel sans pour autant avoir une idée en tête. Pour reprendre les termes de Sano, "c'est comme manipuler de la terre glaise". Et soudain, surprise, vous voilà avec une idée qui n'aurait jamais émergé dans une autre circonstance. Il faut juste ne pas oublier de sauvegarder ! Je pense que les possesseurs de Nintendo DS seront amusés de découvrir que le plaisir d'écouter et d'analyser les compositions des autres est un challenge finalement pas si différent que celui d'avancer dans un jeu vidéo.

Vous vous produisez sur scène en tant que membre des Black Mages. En cela, qu'avez-vous cherché à apporter à votre interprétation au concert EXTRA pour démontrer les possibilités du logiciel Korg ?

Okamiya : J'ai joué aujourd'hui comme je joue d'habitude avec ma guitare. Si vous utilisez le Kaoss Pad, vous pouvez réaliser des manoeuvres dynamique comme je l'ai fait. Les synthétiseurs analogiques ont généralement un clavier, mais ce n'est pas leur but premier. Pour produire de jolis sons, la connaissance théorique de la musique n'est pas nécessaire, et c'est pour cela que je veux inviter les gens à essayer le logiciel. C'est cet aspect de Korg DS que j'ai cherché à démontrer aujourd'hui.

Seriez-vous prêt à utiliser une DS lors du prochain concert des Black Mages ?

Okamiya : Et comment ! C'est vraiment un instrument intéressant en concert et, du point de vue du public, c'est totalement unique. J'aimerais essayer à nouveau à l'avenir. Brancher une console de jeu sur un ampli Marshall et jouer de la musique, c'est une impression unique !

En tant que producteur de Korg DS-10, que pensez-vous de la rencontre entre jeu vidéo et création musicale ? Avez-vous songé à créer un logiciel de guitare sur console de salon ?

Okamiya : Je me concentre plutôt sur l'aspect promotionnel. C'est souvent pour cela que je collabore aux projets. J'ai le sentiment de la musique de jeu est de plus en plus populaire. J'entends souvent des personnes créer de la musique inspirée par les souvenirs qu'ils ont d'un jeu. Un autre avantage est que la musique outrepasse les barrières de la langue, ce qui nous permet de communiquer directement avec des gens du monde entier. Dans la création d'un jeu vidéo, la musique joue un rôle essentiel, et je pense qu'il faut la traiter avec de la sensibilité, comme les autres éléments importants du game design.

Je serais extrêmement intéressé si d'autres logiciels de création musicale venaient à être conçus à l'avenir, et notamment des logiciels dédiés aux guitaristes. Il y a évidemment des restrictions en terme de matériel, mais un simulateur d'ampli, par exemple, serait très pratique... Je ferais mieux d'arrêter là, sinon je risque de laisser filer trop d'informations à propos de mon prochain projet.

Pour finir, avez-vous apprécié votre interprétation à EXTRA ?

Okamiya : C'était vraiment amusant. Tu n'avais pas envie de continuer, Sano ?

Sano : Bien sûr que si. Je suis convaincu que le public a passé un bon moment, mais ceux qui ont passé le meilleur moment, ce sont ceux qui étaient sur scène ! La prochaine fois, invitez-nous dans votre pays.

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Images reproduites avec l'autorisation de 5pb. Records, Yoshie Miyajima de Procyon Studio, Peter Gallina de Photofashion, et Michio Okamiya

Les Star Onions au rapport

2008-11-22T23:43:00.004+01:00

Cela fait maintenant un moment qu'ils essaient de nous montrer "l'autre côté" de Vana'diel. Certes, les Star Onions ne sont pas aussi connus que les Black Mages, mais ils répondent présent à chaque fois qu'un festival Final Fantasy XI est organisé. Et devinez quoi, il y en avait un au Japon ce week-end ! Contrairement aux Black Mages, les Star Onions aiment changer de membres. Cette fois-ci, c'était : Naoshi Mizuta (basse), Kumi Tanioka (piano & claviers), Tsuyoshi Sekito (guitare), Hidenori Iwasaki (claviers) et Michael Christopher Koji Fox (batterie).

Voilà ce qu'ils ont joué. A l'exception de la première piste, tout est issu de la dernière extension, Les Guerriers de la Déesse.

1. Voyager ~ Buccaneers
2. Griffons Never Die
3. Flowers on the Battlefield (piano solo)
4. Ragnarok (piano solo)
5. Wings of the Goddess
6. Run Maggot, Run!

Et ils sont venus au festival avec une bonne nouvelle : suite à leur premier album, sorti en 2005, ils seront de retour avec un nouvel album au printemps prochain ! Très bien, il ne nous reste plus qu'à attendre.

Au fait, peut-être que vous le savez déjà, mais Square Enix a récemment dévoilé un nouveau jeu DS développé par l'équipe derrière FFXII Revenant Wings. Ca s'appelle Blood of Bahamut, et c'est Naoshi Mizuta qui est en charge des musiques. De plus, Hidenori Iwasaki a profité du festival pour confirmer qu'il travaille sur Final Fantasy Crystal Chronicles: The Crystal Bearers, qui arrive bientôt sur Wii.

They've been trying to show us the "other side" of Vana'diel for a while now. The Star Onions sure are not as famous as The Black Mages, but they never fail the rendezvous with fans when a Final Fantasy XI is organised. Guess what, there was one this week end in Japan! Contrary to The Black Mages, The Star Onions like to change members. This time, they were: Naoshi Mizuta (bass), Kumi Tanioka (piano & keyboards), Tsuyoshi Sekito (guitar), Hidenori Iwasaki (keyboards) and Michael Christopher Koji Fox (drums).

Here is what they performed. Except for the first track, everything comes from the last add-on, Wings of the Goddess.

1. Voyager ~ Buccaneers
2. Griffons Never Die
3. Flowers on the Battlefield (piano solo)
4. Ragnarok (piano solo)
5. Wings of the Goddess
6. Run Maggot, Run!

And they also came to the show with a great surprise: following their debut album, released in 2005, they will come back next Spring with a new album! Alright, we will be waiting.

By the way, maybe you already know this, but Square Enix has recently unveiled a new DS title developed by the team behind FFXII Revenant Wings. It's called Blood of Bahamut, and Naoshi Mizuta is composing the music. Also, Hidenori Iwasaki confirmed during the show that he is working on the soundtrack of the upcoming Final Fantasy Crystal Chronicles: The Crystal Bearers on Wii.

Quand Takeharu Ishimoto s'ennuie...

2008-11-19T22:53:00.001+01:00

C'est le musicien le plus prolifique chez Square Enix actuellement. Il enchaîne les projets prestigieux depuis plusieurs années, après être resté longtemps dans l'ombre. Mais cela n'est pas très étonnant : de son propre aveu, Takeharu Ishimoto adore composer. Before Crisis (2004), Last Order (2005), Crisis Core (2007), The World Ends with You (2007), Dissidia (2008), Final Fantasy Agito XIII (un de ces jours)... Le musicien entretient qui plus est une carrière solo dans l'ombre de ces projets prestigieux. Il suffit de se rendre sur son MySpace pour le remarquer. Il y prend alors deux pseudonymes : HIZMI pour le rock et yugmi pour l'électro. SAWA, l'interprète de "Twister", "Hybrid" et "Someday" dans The World Ends with You, prête sa voix à ces chansons où Ishimoto laisse totalement exprimer ses inspirations. Si vous avez un train à prendre, jetez-vous sur "Please don't leave me" et (surtout) "Nowhere", les deux morceaux les plus fascinants, mais chacun dans leur genre.

Takeharu Ishimoto et SAWA, "Nowhere"

J'ai pu constater une haine farouche envers Ishimoto chez certaines personnes, chose qui me semble étrange tant on l'accuse de maux qui s'appliqueraient davantage à d'autres compositeurs pourtant peu critiqués. C'est sans doute une vieille rengaine pour son travail assez faible sur la programmation du synthétiseur de Kingdom Hearts II. Il est vrai que son penchant orchestral semble parfois poussif, mais c'est normal : lui, c'est le rock. C'est Tetsuya Nomura lui-même qui a scellé son destin, et ce au lancement du projet Before Crisis. Etonné d'apprendre que l'homme n'était pas utilisé en tant que compositeur au sein de la société, Nomura a insisté pour qu'il rejoigne le projet. Hajime Tabata, réalisateur du jeu, ne l'a sans doute pas regretté : Ishimoto est un monstre de travail, qui compose sans cesse et sans broncher.

Son prochain travail, la bande originale de Dissidia, arrive le mois prochain. Il a composé et arrangé une grande partie des morceaux (y compris des reprises de Nobuo Uematsu), non sans avoir reçu une coup de main de Tsuyoshi Sekito, Mitsuto Suzuki et Minoru Tsuchihashi. Cliquez ici pour en savoir plus sur le double album (disponible en édition limitée, avec un superbe boîtier), et là pour visiter le site officiel.

Référence : Kirite

2008-11-01T23:10:00.005+01:00

Je n'aurais pas dû lancer ma "série" spéciale références : par manque de motivation, near death experience s'y trouve depuis désespérément seul (retournez le voir, j'y ai ajouté images et extraits). Aussi fabuleux soit-il, cet album n'est pas le seul à briller au sein de la VGM. Celui dont je vais causer aujourd'hui n'en est pas si éloigné : on y retrouve certains noms, le style abordé est parfois similaire et, surtout, le plaisir éprouvé par les musiciens se ressent pleinement dans le résultat. Kirite déborde d'une énergie que Yasunori Mitsuda a malheureusement un peu perdu depuis, peut-être à cause du manque d'inspiration. A vrai dire, Kirite n'est rien de plus que le paroxysme temporaire de sa pourtant jeune carrière. Dans un élan celticisant lancé par Creid (autre incontournable) en 1998, Mitsuda, alors jeune free-lancer, est parti à la recherche de son style. L'album "solo" Kirite est le résultat d'une maturation qui a vu le celtique (Tsugunai, Deep Labyrinth) se mêler à l'exotique (Chrono Cross, Legaia: Duel Saga) et, surtout, à un talent certain pour l'ambiance (Shadow Hearts). 1998-2005 a été l'âge d'or de plus d'un compositeur de VGM, tout comme celui du jeu vidéo, genre fier de ses nouvelles possibilités. Sakimoto a couronné sa carrière avec Final Fantasy XII, Sakuraba avec Star Ocean: Till the End of Time... Ils n'ont pas fait mieux depuis.

Hommage à une voix angélique

Mais on ne peut pas commencer à parler de Kirite sans rendre hommage à la femme qui lui a donné sa voix. Elle était même la voix de Mitsuda, qui se trouve désormais orphelin d'une bonne partie de la magie de sa musique. La fabuleuse Eri Kawai, qui avait sans doute emprunté sa voix à un ange, nous a quitté le 4 août dernier à l'âge de 43 ans. Trop jeune. Beaucoup trop jeune. Assommé par la peine, je n'ai même pas réussi à écrire un billet ici pour lui rendre hommage dans les jours ayant suivi le tragique événement. Je répare maintenant mon erreur, en faisant d'une référence l'album avec lequel nous avons sans doute tous retenu son nom. Et j'ai toujours du mal à croire qu'une voix si pleine de grâce et d'énergie s'est tue. Le monde est profondément injuste. Qu'Eri Kawai repose en paix, et que sa mémoire perdure par ses merveilleuses collaborations avec Yasunori Mitsuda.

Yasunori Mitsuda et Eri Kawai, "Prayer Tree"

Un voyage en quatre saisons

On pourrait résumer Kirite très simplement. C'est un voyage aussi beau que léger dans l'imaginaire musical de Yasunori Mitsuda. Sans doute fortement inspiré par le texte de son ami Masato Katô, le compositeur s'est libéré des contraintes du jeu vidéo. Ce n'est pas un album solo à proprement parler, vu qu'il illustre une histoire, mais cela n'a pour le moment tué aucun non-japanophone d'écouter le disque sans connaître une seule ligne du livret qui est accouplé au CD. Il est même possible d'apposer sa propre interprétation sur la musique. Mais si vous essayez, vous vous trouverez sans doute rapidement à penser aux saisons. Ce n'est pas fortuit : la nouvelle de Katô s'intitule キリテの五つの季節 (kirite no itsutsu no kisetsu, "les cinq saisons de Kirite"). Cette mystérieuse cinquième saison peut laisser libre cours à votre imagination... Une chose est sûre, cependant. Les magnifiques photographies de Masumi Takahashi qui accompagnent la nouvelle sont autant de raisons de s'évader. Leur beauté irréelle est identique celle d'un rêve. En fait, tout dans cet album est fait pour cela : rêver. Mitsuda est peut-être moyen pour les thèmes de combat, mais il est imbattable dès lors qu'il faut susciter l'évasion.

Yasunori Mitsuda, "The Market in Volfinor"

Ce voyage à travers les quatre (ou cinq) saisons permet d'apprécier plusieurs styles, pourtant tous peu définissables. Ce n'est plus de la musique celtique, c'est juste... du Mitsuda, riche en rencontres instrumentales. Le printemps se profile à travers le crescendo de la piste 2, "The Market in Volfinor". Le son de la flûte bourgeonne, puis les instruments arrivent un par un, jusqu'à une formidable explosion de couleur. L'été occupe une place importante, mais c'est bien là une saison de caractère : du bonheur d'un ciel bleu ("The Azure") à la violence d'un orage ("Fated Encounter - The Fall of Darkness"), sans oublier les nuits étoilées ("Upon the Melodies of the Moon")... Sans doute la saison la plus merveilleuse du CD. En comparaison, l'automne et l'hiver sont certes moins intenses, mais leur douceur est toute aussi mémorable. Il faut bien varier les plaisirs.

Beaucoup, beaucoup de talent

Mitsuda a su s'entourer de musiciens remarquables, et, de ce fait, les différents solos qui parsèment l'album sont merveilleux. On ne dira jamais assez à quel point Eri Kawai a insufflé une âme à Kirite. Les trois chansons sont évidemment très belles, mais il ne faut surtout pas omettre de mentionner les chœurs que la chanteuse a offert à plusieurs autres pistes. C'est d'ailleurs son chant en langue non identifiée qui ouvre le disque, après quelques accords de Tomohiko Kira, le guitariste. Une formidable invitation qui laisse espérer encore plus de magie... Dans la fantastique "The Forest of Lapis Lazuli", Kawai lance une incantation tribale aussi mystérieuse que désespérément envoutante. Dans "Fated Encounter - The Fall of Darkness", sa voix magique caresse délicatement les autres instruments jusqu'à un final où, dans la fureur de ces derniers, elle s'élève jusqu'aux cieux. Enfin, dans "Prayer Tree", elle ajoute une berceuse angélique à un thème déjà blanc comme neige. Toujours les mêmes adjectifs, mais comment voulez-vous les éviter quand ils ne mentent pas ?

Yasunori Mitsuda, "Fated Encounter - The Fall of Darkness"

Akihisa Tsuboy n'a peut-être pas une voix angélique, mais il possède certainement une maîtrise divine de son instrument. L'incroyable violoniste du groupe de rock progressif japonais KBB est plus qu'essentiel au bonheur procuré par Kirite, et ce même s'il n'est présent "que" sur la moitié des pistes. Mais il se fait l'allié de tous les musiciens qu'il rencontre à l'occasion de ce merveilleux voyage. Il se permet même d'éclipser le piano dans "Nocturne". Le penchant progressif du musicien saute aux yeux (ou, plutôt, aux oreilles) dans une piste telle que "The Snow Howling", où il laisse ses notes s'allonger dans la désolation hivernale. La douceur printanière et la chaleur estivale lui permettent de se montrer plus léger. Il participe ainsi brillamment au bourgeonnement de "The Market in Volfinor", à la langueur de "The Forest of Lapis Lazuli" et, bien sûr, à l'orgasme musical de "Fated Encounter - The Fall of Darkness". Cela dit, l'un des moments les plus fantastiques du disque est certainement le final de "The Azure". Que dire de plus ? Eri Kawai, violon et flûte sont si époustouflants qu'il est possible d'écouter chacun à part et de ressentir un plaisir inouï, ou de se laisser tout simplement bercer par leur collaboration bleue azur...

Parlons-en, de la flûte. C'est Laurie Sogawa (femme de Kinya Sogawa, qui lui joue du shakuhachi et du shinobue) qui l'anime, avec l'aide de Haruo Kondô pour ses cousines. Souffle apaisant du printemps et de l'été, la flûte (tin whistle, pour être précis) est le symbole même de la légèreté, de la lumière claire des beaux jours, ou du marché de Volfinor. Echo lointain dans la forêt de lapis lazuli, elle joue un remarquable second rôle dans l'incroyable rencontre destinée (la chute des ténèbres)... Mais voilà, juste un second rôle. Cependant, il suffit de tendre l'oreille pour l'entendre, et bien souvent, la place que Mitsuda lui a réservé est loin d'être négligeable. C'est encore une fois à cet instant qu'intervient la toute fin de "The Azure". Ecoutez attentivement. Pour une fois, ne vous laissez pas distraire par la voix d'Eri Kawai ou le violon d'Akihisa Tsuboy, et laissez le son de Laurie Sogawa pénétrer en vous... Une fois qu'on a remarqué sa présence, on ne l'oublie plus.

Yasunori Mitsuda et Akihisa Tsuboy, "Nocturne"

Et enfin, bien sûr, il y a Yasunori Mitsuda. Compositeur, oui, arrangeur, certes, mais aussi musicien. Et lui, c'est le piano. Plusieurs solos se retrouvent au fil de l'album, et ils se révèlent particulièrement efficaces lorsqu'ils sont en fin de piste, comme dans "The Market in Volfinor" et "Scorning Blade" : les mélodies reposantes, comme Mitsuda sait si bien les faire (Chrono Cross ne dira pas non), y respirent autant la beauté printanière que les instruments évoqués ci-dessus. Le CD lui-même s'achève sur un doux solo de piano, "Circle of Eternity", qui reprend la dernière chanson comme une sorte d'épilogue rassurant. Il ne reste plus alors qu'à relancer le disque, pour peut-être explorer plus en profondeur les merveilleux arrangements de Mitsuda. Chaque instrument est à sa place, au bon moment, pour produire ce résultat enchanteur.

Pourquoi une référence ?

Le nom de Yasunori Mitsuda lui-même est une référence, alors imaginez quand on choisit son meilleur album, celui qui suffit à résumer son style et à démontrer son talent ! Kirite est magique de la première à la dernière note. Les mélodies sont superbes, les arrangements remarquables, et les musiciens semblent tous heureux de participer à ce projet radieux. L'âme en quête d'évasion ne peut que frémir lors des passages les plus aériens, et celle à la recherche de calme trouve son bonheur dans les pistes les plus paisibles. Cette musique sans nationalité mais profondément mitsudienne est un souffle apaisant que peu de musiciens de jeu vidéo ont réussi à produire. Peut-être leur faudrait-il aussi s'extraire du support, comme c'est le cas ici, pour démontrer toute la mesure de leur talent... ou peut-être cela ne peut-il marcher qu'avec Mitsuda, qui a déjà su transformer ses bandes son en voyages relaxants. Dans cet univers chaleureux, même lorsqu'il nous plonge dans des paysages enneigés, le bonheur se découvre au détour de chaque instrument. Et que la voix d'Eri Kawai brille pour toujours.

Interview avec Yasunori Mitsuda

2008-10-18T17:45:00.004+02:00

Et alors, ça en est où, ce fichu Chrono Cross Arrange Album ? Excusez-moi, mais comment ne pas profiter d'une interview avec Yasunori Mitsuda pour lui demander ce qu'il fabrique depuis tout ce temps ? Il n'y a malheureusement rien à apprendre, si ce n'est que l'attente risque de continuer encore longtemps (mais si on lui montre qu'on y tient, peut-être va-t-il enfin se décider !). En attendant, le compositeur a pris le temps répondre aux questions que Jeriaska et moi avions sur le bout de la langue. Comment s'est déroulé le très bon concert Destiny: Dreamer's Alliance ? Et le travail sur Soma Bringer, nouvelle collaboration entre Tetsuya "Xenogears" Takahashi et Mitsuda ? L'interview est disponible en anglais sur RPGFan et en français sur Squaremusic, comme ça tout le monde est content. Et en plus, Mitsuda est bien plus bavard qu'Iwata...

Critique éclair : Infinite Undiscovery

2008-10-15T22:23:00.005+02:00

Infinite Undiscovery Original Soundtrack
Musique composée et produite par Motoi Sakuraba. Cliquez ici pour plus d'informations.

Motoi Sakuraba dort-il ? Mange-t-il ? Vit-il ? En 2005, il expliquait sur son site Internet qu'il travaille environ de 9 heures le matin à 5 ou 6 heures le lendemain. Forcément, sans doute par souci de facilité, le compositeur a troqué son imagination sans fin contre une production à la chaîne dont les limites se font plus que jamais ressentir. Ainsi Infinite Undiscovery n'est rien de plus que la continuation de tout ce qu'il fait depuis plusieurs années. Pour apprécier cette nouvelle bande son, il faut procéder à un tri qui consiste à jeter toutes les pistes pataudes (cacophonies aussi sombres que fades, il y en a trop pour toutes les citer) et à garder celles qui témoignent encore d'une possible fraîcheur. Elles sont faciles à reconnaître : dehors les cuivres lourdingues, place à des instruments légers et agréables à écouter, eux. On retrouve parfois les inspirations rêveuses ou mélancoliques qui faisaient la réussite de Valkyrie Profile 2, le tout accompagné de la douce flûte de Hideyo Takakuwa ("Recollections in the Water"), de chœurs féériques ("The Alabaster King"), ou bien sûr du piano de Sakuraba lui-même ("Until We Dream"). Ces moments de grâce pourraient presque racheter la bouillie faussement impressionnante qui les séparent. Ces "choses" que nous avons déjà trop entendu. Il est dommage de sanctionner cette bande son pour son contexte, mais sérieusement... Sakuraba a besoin de prendre des vacances.

Appréciation : assez bon (malgré tout...)

Critique éclair : Tales of Piano Arrange

2008-10-11T23:57:00.004+02:00

Tales of Series Piano Arrange Tracks
Composé et arrangé par Motoi Sakuraba. Cliquez ici pour plus d'informations

C'est maintenant sûr et certain : Motoi Sakuraba est un excellent pianiste. A vrai dire, on le savait déjà depuis un certain temps, cela dit le terme exact était plutôt "claviériste", en bon artiste de rock progressif. Mais depuis qu'il a mis la main sur son Bösendorfer 225, il semble envahi par une fièvre pianistique. Au début de l'année, il nous a servi son fantastique Forest of glass, avec l'espoir d'entendre à l'avenir toujours plus de ces solos de piano vertigineux. En attendant, il y a ce deuxième album d'arrangements de la série Tales of. Faisant suite au très bon Battle Arrange Tracks, le Piano Arrange Tracks a malheureusement du mal à faire aussi bien. Malgré des élans de pur bonheur ("Burning Tower" de Phantasia, sans commentaire), Sakuraba a été plutôt fainéant, délivrant des arrangements fidèles mais un peu trop molassons et/ou rigides. Il y a tout de même de quoi passer un bon moment en compagnie de ces mélodies : certaines ont un charme indéniable, notamment les plus joyeuses ou les plus dynamiques (bien sûr, "Lion-Irony Of Fate" de Destiny). Mais il manque un petit quelque chose. Je ne sais pas... cette touche de folie qui rendait Forest of glass magique... Le moule Tales of peut se révéler dangereux...

Appréciation : assez bon

Critique éclair : Sigma Harmonics

2008-09-26T18:38:00.006+02:00

Sigma Harmonics Original Soundtrack
Musique composée et arrangée par Masashi Hamauzu, arrangée par Mitsuto Suzuki. Cliquez ici pour plus d'informations.

On ne peut pas toujours être au meilleur de sa forme. Jusqu'à présent, Masashi Hamauzu avait pourtant réussi à nous combler systématiquement. Jusqu'à présent, c'est-à-dire jusqu'à Sigma Harmonics. La bande originale de ce jeu n'a pourtant rien de méchant, elle est même très bonne. Elle souffre juste d'un mal auquel Hamauzu ne nous avait pas vraiment habitué : tout est beaucoup trop court. Les pistes sont trop courtes (beaucoup ne dépassent même pas la minute), et l'album lui-même est trop court. 37 pistes concassées dans un seul et même CD, c'est tout de même sévère. La piste la plus longue est la chanson thème, "Harmonia vita", plutôt pas mal d'ailleurs. Au final, seule une poignée de morceaux réussit à prendre le temps de nous ravir. Une séduction que l'on peut attribuer au style choisi par le compositeur et accentué par Mitsuto Suzuki, qui s'est occupé de certains arrangements : la fusion entre un aspect orchestral plus ou moins sombre (non sans rappeler Dirge of Cerberus) et une touche électronique qui ajoute de la saveur. En effet, quand le compositeur mélange le remarquable violon de Hijiri Kuwano ou quelques notes de piano à des rythmes intenses, on retrouve tout le dynamisme et la magie qu'il sait élaborer. Une magie qu'on espère retrouver dans FFXIII, en espérant que Hamauzu laisse libre cours à son immense talent. Et que les pistes dépassent la barre des 3 minutes. Mais on en oublierait presque que tout ceci est sur DS. Ah ça, niveau qualité sonore, il n'y a rien à dire.

Appréciation : bon

Interview avec Masaharu Iwata

2008-09-16T11:07:00.004+02:00

Les interviews de Masaharu Iwata sont d'autant plus rares que le compositeur est connu pour n'avoir littéralement rien à dire lors de celles-ci. Mais qui ne tente rien n'a rien. Voici une nouvelle interview avec Iwata, cette fois-ci dédiée à sa contribution au show Hyper Game Music de l'année dernière, au cours duquel il a endossé le costume de DJ avec ses collègues de Basiscape, et à A.S.H., le premier jeu DS produit par Mistwalker, la société de Hironobu Sakaguchi. Cette interview a été préparée par Jeriaska et moi-même, elle est disponible en anglais sur le site RPGFan et en français sur Squaremusic, bien sûr.

Je vous avouerai qu'il n'y a pas grand chose à y apprendre, mais Iwata n'étant pas bavard, il est difficile de lui arracher des révélations si personne n'est là pour le forcer à cracher le morceau (comme vous pouvez l'imaginer, c'est une interview par e-mail). Preuve que la VGM abrite tout et son contraire, comparez cette interview avec celles, remarquables, de Yoshitaka Hirota et Hiroki Kikuta que Jeriaska a réalisé par le passé : vous y découvrirez des musiciens vraiment peu avares en informations sur les œuvres... C'est d'autant plus dommage que le travail d'Iwata mérite d'être traité en détail avec lui.

Critique éclair : Tales of Battle Arrange

2008-08-30T01:16:00.006+02:00

Tales of Series Battle Arrange Tracks
Composé et arrangé par Motoi Sakuraba. Cliquez ici pour plus d'informations.

Depuis un certain temps maintenant, Motoi Sakuraba m'ennuie à tel point que j'ai l'impression que c'est lui qui s'ennuie. Et s'il y a bien une série avec laquelle il m'ennuie ferme, c'est Tales of. La bande son de Tales of Symphonia Wii est faible, et celle de Vesperia difficile à digérer malgré de jolis passages. Le seul salut de cette parodie de bons jeux vient de ces deux albums arrangés annoncés par TEAM Entertainment. Le premier se concentre exclusivement sur les thèmes de combat, l'occasion pour Sakuraba de déchaîner son esprit progressif. Il ne s'est pas gêné, et le résultat est remarquable : d'un côté, les synthés hurlent et la batterie n'a pas le temps de respirer, et de l'autre le piano s'envole dans ce mélange de mélodie originale et d'improvisation que Sakuraba maîtrise comme personne dans la VGM. "The arrow was shot" et "Battle Organization" de the Abyss sont deux exemples éloquents d'un progressif propice à l'extase, qui ne dément en tout cas pas l'intitulé de l'album. En revanche, plusieurs pistes ignorent tout simplement la violence du combat pour profiter des doigts du génie claviériste qui les a enfantés. "Inferia Battle" d'Eternia devient une ballade aux penchants tragiques, "Bare Its Fangs" de Destiny un quasi-solo de piano non dénué de charme, et "Like a Glint of Light" de Symphonia une merveilleuse promenade jazzy parfois méditative, parfois inquiétante. Tout ce piano ne peut que faire frémir d'impatience en attendant le second album, entièrement dévolu à cet instrument et prévu pour le 24 septembre...

Appréciation : très bon

Siliconera interviewe Ian Hartley

2008-08-22T14:49:00.003+02:00

L'un de mes principaux reproches au sujet de Final Fantasy Remix était que nous ne savions pas comment et pourquoi il a vu le jour. Ce n'est désormais plus le cas grâce à Jeriaska, qui a interviewé Ian Hartley, l'un des deux remixeurs de l'album, sur Siliconera. Cette interview contient beaucoup d'informations intéressantes sur la manière dont le projet a débuté et sur l'implication de Nobuo Uematsu dans les reprises. Cliquez ici pour lire l'interview (en anglais).

De même, si vous vous intéressez à la série Forbidden Siren de Sony, n'hésitez pas à lire une autre interview récemment publiée sur Siliconera. Hitomi Shimizu, qui a travaillé sur le premier épisode sur PS2 et sur Forbidden Siren: Blood Curse (Siren: New Translation au Japon) sur PS3, explique son travail sur les deux titres. Cliquez ici pour y jeter un œil !

One of my biggest complaints about the Final Fantasy Remix album was that we did not have the chance to know how and why it came to be. This is no longer the case thanks to Jeriaska, who led an interview with Ian Hartley, one of the two remixers of the album., on Siliconera There are many very interestings pieces of information about how the project got started and how much Nobuo Uematsu was involved in the remixes. Click here to read the interview.

Also, if you are interested in Sony's Forbidden Siren series, you may want to check another interview recently published on Siliconera. Hitomi Shimizu, who worked on the first title in the series for PS2 and on Forbidden Siren: Blood Curse (called Siren: New Translation in Japan) for PS3, explains how she worked on the two games. Click here to check it out!

Critique éclair : Subaseka + TWEWY

2008-08-12T11:56:00.004+02:00

Subarashiki Kono Sekai + The World Ends with You
Composé par Takeharu Ishimoto, remixé par Takeharu Ishimoto, Hirosato Noda et Mitsuto Suzuki. Cliquez ici pour plus d'informations.

Est-ce le succès underground de The World Ends with You ou la pression de Takeharu Ishimoto, musicien invétéré, qui a commandé la réalisation de cet album ? Car il faut bien dire qu'il laisse un drôle de sentiment : celui d'un CD produit un peu rapidement et sans grands moyens, vu que les chants n'ont pas été réenregistrés. Malgré tous les efforts d'Ishimoto, toujours aussi débordant d'énergie musicale, les voix ne se marient pas toujours très bien aux arrangements, et les audaces qu'on aurait été en droit d'attendre (les chanteurs qui se laissent aller à l'occasion de refrains explosifs, par exemple) ne se produisent évidemment pas. Cela n'empêche en rien "Calling", "Someday" ou "Hybrid" de revêtir de nouvelles robes qui leur vont à merveille. Mais le rayon de soleil de cet album réside en ces quatre pistes écrites pour les versions occidentales du jeu (pistes 11, 12, 13 et 15) : sans arrangements pour les dénaturer, elles sont telles qu'Ishimoto les a faites chanter. Et on ne sait pas où donner de la tête, tant elles sont brillantes. "Transformation", interprétée par Andy Mitchell du groupe Sixpin, est sans doute la plus aboutie grâce à son refrain dément. Au final, Subarashiki Kono Sekai + The World Ends with You chancelle entre la grâce divine des nouvelles chansons et les remixes des pistes originales en mal d'audace vocale, mais quiconque a apprécié la bande originale devrait sans problème apprécier l'album arrangé. On y marche en terrain connu.

Show appréciation : bon

Critique éclair : FF Remix

2008-08-12T11:27:00.005+02:00

Final Fantasy Remix
Composé et dirigé par Nobuo Uematsu, remixé par Ante (Ian Hartley & mattb). Cliquez ici pour plus d'informations.

Voilà un album qui a surtout fait parler de lui avant sa sortie, tant les premiers extraits ont entraîné des réactions horrifiées de la part des admirateurs de Nobuo Uematsu. Réfractaire à la musique électronique ou non, il était difficile de rester indifférent devant des collages grossiers de pistes directement tirées des bandes sons et de nappes synthétiques. Le CD fini n'est pas différent. Le problème, c'est que la plupart du temps, les extraits des pistes originales ne semblent pas à leur place. Dans "Blue Fields" et "Ronfaure" par exemple, où les instruments de style acoustique présents à l'origine restent impassibles aux rythmes qui y ont été ajoutés. Ce n'est qu'avec les deux morceaux 8 bits que le contraste est le plus saisissant, notamment la très bonne "Eternal Wind", qui conserve les étonnantes qualités évocatives de l'originale. Par chance, bien qu'il s'agisse d'un album de remixes électro, les reprises sont rarement violentes et se laissent plus ou moins écouter. Il n'empêche que l'album entier semble n'avoir aucun sens, aucun intérêt. Les remixeurs se sont simplement amusés avec les pistes originales, comme l'ont déjà fait de nombreux amateurs avant eux sur le net. A la différence près qu'ici, il faut payer 2500 yens, ou 10 euros sur iTunes.

Appréciation : moyen

La rentrée musicale

2008-08-01T23:30:00.006+02:00

Les deux grandes sorties OST de la rentrée chez Square Enix viennent d'être révélées, et autant dire qu'elles sont plutôt alléchantes. Pour en savoir plus, rien de plus simple, il vous suffit de suivre les liens ci-dessous. And please forgive me, for once I am too lazy to translate. You know, summer holidays...

- Sigma Harmonics Original Soundtrack (24 septembre)
- Infinite Undiscovery Original Soundtrack (8 octobre)

Sans oublier une réédition de la bande originale de Chocobo Racing, sortie à l'origine en 1999. Mais on fermera volontiers les yeux sur cette tâche dans la carrière de Kenji Itô... Quitte à rééditer des albums, Square Enix aurait mieux fait de se tourner vers les anciens travaux de Hamauzu (puisqu'il fait l'actualité), comme par exemple... les piano pieces de SaGa Frontier 2 et Unlimited SaGa !

Critique éclair : FFXI Piano

2008-06-28T21:09:00.006+02:00

Piano Collections Final Fantasy XI
Composé par Naoshi Mizuta et Nobuo Uematsu, arrangé par Kaoru Ishikawa, interprété par Kasumi Oga et Ayumi Iga. Cliquez ici pour plus d'informations.

Deux piano collections n'y feront rien : ce n'est pas de FFXI que seront issus les meilleurs reprises au piano de cette fameuse série débutée avec le quatrième épisode de Final Fantasy. Loin de l'excellence procurée par les maîtres Shirô Hamaguchi et Masashi Hamauzu, ce nouvel album faisant d'une certaine manière suite au piano collections présent dans le premium box du MMORPG (sorti l'année dernière) est bon, mais sans plus. Les deux grands défauts de ce disque n'ont pas changé depuis les arrangements de l'année passée : peu d'originalité et de la mollesse, même dans les quatre mains. Reste l'exploitation sans risques d'un potentiel certain : la qualité des mélodies originales, qu'elles soient signées Mizuta ou Uematsu. De ce dernier, seule "Ronfaure" est reprise, avec une belle simplicité. L'amateur des bandes originales de FFXI ne pourra qu'apprécier les reprises fidèles de thèmes aussi splendides que la paisible "A New Horizon" (l'archipel de Tavnazia), la mystérieuse "Stargazing" (Windurst des Guerriers de la Déesse), la merveilleuse "The Sanctuary of Zi'Tah", et "The Cosmic Wheel" (Sarutabaruta des Guerriers de la Déesse), chargée de nostalgie. Cet album offre un agréable moment de relaxation, mais ceux qui ont déjà posé les oreilles sur les piano collections de FFVII, VIII, IX et X ne peuvent qu'éprouver une sensation frustrante d'occasion manquée.

Appréciation : bon

Critique éclair : Luminous Arc 2

2008-06-28T17:59:00.003+02:00

Luminous Arc 2 will Original Soundtracks
Composé par Yoko Shimomura, Akari Kaida, Yoshino Aoki et Shunsuke Tsuchiya. Cliquez ici pour plus d'informations.

Le premier épisode ne brillait guère par sa bande son (il ne brillait par pas grand chose, d'ailleurs), le second non plus. Alors que Luminous Arc nous présentait un petit nouveau du nom de Shota Kageyama (employé de Procyon Studio disparu de la circulation depuis), le 2 introduit un autre nouveau nom, aussi de Procyon Studio : Shunsuke Tsuchiya. Ses 10 morceaux ne sont pas franchement intéressants, et ce malgré de jolis passages. Malheureusement, ils sont généralement d'un repoussant manque d'originalité, puisqu'ils se limitent à des instruments de style orchestral comme le jeu vidéo sait en produire à l'excès. C'est bien là le problème de Luminous Arc 2 : le duo de Breath of Fire IV (Akari Kaida et Yoshino Aoki) ne fait pas mieux, puisqu'il nous endort sous un flot de pistes banales. Seule Yôko Shimomura, au talent qui n'est plus à prouver, parvient à tirer son épingle du jeu. Si la compositrice a écrit quelques morceaux entraînants, elle brille surtout par ce style qui accompagnait les moments les plus intenses des Mana et Kindgom Hearts : du rythme, des cordes tragiques, parfois des chœurs sombres et de l'orgue... de quoi rompre la monotonie installée par les autres musiciens, et ainsi offrir à cette bande son son salut. Reste à savoir s'il suffit d'un quart de réussite pour effacer trois quarts d'ennui.

Appréciation : faible, sauf pour la brillante Mme Shimomura

Miruke Nachiko et Hikimoshi Satoto

2008-06-12T21:00:00.000+02:00

Michiro Naruke (célèbre pour Wild Arms) et Hitoshi Sakimoto (on ne le présente plus) vont s'allier pour un nouveau RPG sur DS intitulé RIZ-ZOAWD. Bon, le nom a l'air vraiment bizarre, mais c'est juste un anagramme de wizard et Oz (Le Magicien d'Oz). Le jeu est en effet une nouvelle adaptation du classique de L. Frank Baum, qui propose de jolis graphismes en 3D. La présence de Naruke n'est pas si surprenante, car le jeu est développé par Media.Vision, le studio à l'origine de Wild Arms. Il est prévu pour la fin de l'année au Japon, mais il n'y a pas encore d'extraits.

Michiko Naruke (of Wild Arms fame) and Hitoshi Sakimoto (he needs no introduction) will join forces for a new DS RPG entitled RIZ-ZOAWD. Well, the name sure sounds weird, but it is simply an anagram of Wizard and Oz. Indeed, this game is a new adaptation of the classic by L. Frank Baum, which features beautiful 3D graphics. Naruke's presence is not that surprising, actually, since the game is being developed by Media.Vision, the studio behind Wild Arms. It is currently planned for the end of the year in Japan, but there are no samples yet.

FF Remix annoncé

2008-06-08T11:58:00.005+02:00

Un nouvel album arrangé de Final Fantasy est prévu, mais pas tout à fait le type d'album que les fans désiraient par-dessus tout, je pense. Final Fantasy Remix est le nom de ce nouveau disque, alors vous pouvez déjà deviner le style des arrangements : sûrement de la dance électro. En effet, cet album, produit par Nobuo Uematsu lui-même, sera remixé par des DJs... Deux d'entre eux ont déjà été annoncés : Ian Hartley et Matt Baggiani. Quelques titres ont aussi été dévoilés : "Prelude", "Eternal Wind" de FFIII, "J-E-N-O-V-A" de FFVII, "Maybe I'm a Lion" de FFVIII et "Ronfaure" de FFXI. Je le sens pas très bien... La date de sortie est fixée au 6 août. Prix : 2500 yens. Référence : SQEX-10119.

A new Final Fantasy arrange album is underway, but not exactly the kind of arrange album fans were dying for, I think. Final Fantasy Remix is the name of this new disc, so you can already guess what kind of arrangements it will feature: probably electronic dance music. Indeed, this album, which is produced by Nobuo Uematsu himself, will be remixed by DJs... Two of them have already been announced: Ian Hartley and Matt Baggiani. Some titles have also been unveiled: "Prelude", "Eternal Wind" from FFIII, "J-E-N-O-V-A" from FFVII, "Maybe I'm a Lion" from FFVIII and "Ronfaure" from FFXI. I have a bad feeling about this... Release date is August 6. Price: 2500 yen. Catalogue number: SQEX-10119.